“Il ragazzo della via Gluck” compie oggi 84 anni. Presentiamo di seguito una sua biografia.

Adriano Celentano nasce a Milano al numero 14 della mitica “via Gluck” il 6 gennaio 1938, da genitori pugliesi trasferitisi al nord per lavoro; a Milano Adriano trascorre l’infanzia e l’adolescenza; lasciata la scuola svolge diversi lavori, l’ultimo e il più amato è quello di orologiaio.

Fa il suo debutto al Teatro Smeraldo, dove insieme a Elio Cesari/Tony Renis, presenta, con il nome di battaglia “Gli allegri menestrelli del ritmo”, una divertente parodia musicale della coppia Jerry Lewis – Dean Martin, fino alle serate al Santa Tecla, dove incontra il campione di rock-boogie Bruno Dossena che lo invita a partecipare al Festival del Rock’n’roll.

Il 18 maggio 1957 al Palazzo del Ghiaccio di Milano si svolge il primo Festival Italiano di Rock’n’Roll. Adriano Celentano vi partecipa con l’accompagnamento del complesso musicale dei Rock boys, dei quali fanno parte Giorgio Gaber ed Enzo Jannacci, mentre Luigi Tenco si aggiungerà in Germania quale sassofonista. L’unico cantante rock è lui “Adriano il Molleggiato”, il primo e l’unico in tutta Europa. Con “Ciao ti dirò” sbaraglia la concorrenza. Tre giorni dopo firma il suo primo contratto con la casa discografica milanese Saar (etichetta Music) per la quale debutta incidendo “Rip It Up”, “Jaihouse Rock” e “Tutti Frutti”.

Nel 1958 partecipa al secondo Festival del Rock’n’Roll, che dura una settimana. Compare per la prima volta in un film: “I frenetici”.

Nel 1960 Celentano compare in un’importante sequenza della “Dolce Vita” di Federico Fellini, il quale lo vuole a tutti i costi dopo averlo visto esibirsi dal vivo mentre cantava “Reddy Teddy”. Nello stesso anno recita anche in “Urlatori alla sbarra”, “Dai, Johnny dai!” e “Sanremo la grande sfida”.

L’anno seguente Adriano parte per il servizio militare, ma riesce ugualmente a partecipare al suo primo Festival di Sanremo con “Ventiquattromila baci”, in coppia con Little Tony. Non vince: si classifica al secondo posto, ma il suo sarà il disco più venduto, superando il milione di copie e conquistando un nuovo primo posto nella classifica. Desta scalpore il fatto che al Festival si sia presentato volgendo le “spalle” al pubblico: la discussione viene addirittura spostata dai salotti degli italiani alla Camera dei Deputati, cui viene dedicata un’interrogazione parlamentare.

Nel 1961 lascia la Saar e fonda il “Clan Celentano”, il primo esperimento di un artista italiano che sceglie di autoprodursi, oltre che produrre giovani cantanti e musicisti. Il Clan è un caso raro di utopia realizzata: il fondatore immagina un luogo in cui un gruppo di amici “lavora giocando e gioca lavorando“. Il Clan diventa subito una realtà discografica e di “costume” e sceglie di restare indipendente tra gli indipendenti. E’ l’unica etichetta discografica con 36 anni alle spalle ad essere rimasta totalmente italiana. E’ una scelta originalissima, il cui modello va ricercato nel Clan Sinatra, a cui nessun cantante italiano prima di Adriano aveva osato pensare e grazie al quale spiana la strada ad altri (basti pensare alla “Numero Uno” di Mogol–Battisti o alla “PDU” di Mina). Il Clan negli anni lancerà molti cantanti ed autori di successo.

“Stai lontana da me” (1962) è il primo disco del Clan: vince il Cantagiro e arriva in vetta alle classifiche, superando la cifra record di 1.300.000 copie vendute. Il 10 ottobre esce “Pregherò”, altro grande successo di Adriano Celentano, versione italiana di “Stand by me” di Ben E. King. Poco dopo vengono pubblicati “Grazie, prego, scusi” e “Il tangaccio”. Il Clan è conteso da ogni editore/distributore discografico, ma Celentano non ha mai voluto cedere quote del Clan a nessun’altra azienda discografica o multinazionale.

Nel 1963 Adriano è di nuovo in vetta alla classifica dei 45 giri con “Sabato triste”. Recita nel film “Il monaco di Monza” insieme a Totò, e in “Uno strano tipo”, in cui conosce Claudia Mori, che sposerà un anno più tardi.

Nel 1966 torna al festival di Sanremo, dove si compie una svolta decisiva: Celentano per la prima volta propone (una novità assoluta in l’Europa, che mai aveva sentito parlare di inquinamento) un brano dai contenuti ecologisti. La canzone è la celeberrima “Il ragazzo della via Gluck”, che viene esclusa al primo ascolto. La canzone supererà il milione e mezzo di copie vendute, entrerà nella coscienza collettiva del paese e all’estero, come pochi altri brani di musica leggera. Verrà tradotto in oltre 18 lingue e finirà nell’album dal titolo omonimo realizzato insieme al famoso gruppo de “I Ribelli” con gli arrangiamenti e la direzione di Detto Mariano.

In autunno lancia “Mondo in mi 7a”, un altro grande successo nel quale si parla per la prima volta di temi quali il nucleare, la droga, la corruzione, la caccia, l’ecologia, anticipando, ancora una volta ciò che oggi è più che mai di attualità.

In coppia con Claudia Mori incide “La coppia più bella del mondo”, scritta con un grande autore, Paolo Conte, il quale in seguito dirà che ogni volta che compone pensa alla voce di Adriano, “la più bella in Europa“.

Il 15 luglio 1968 nasce la figlia Rosalinda; Adriano torna al festival di Sanremo con “Canzone”, in coppia con Milva. Arriva terzo ma la canzone è prima in hit-parade. Ma il 1968 è soprattutto l’anno di “Azzurro”, altra canzone storica del panorama della musica italiana, scritta da Paolo Conte. Il 45 giri, che come facciata B ha “una Carezza in un pugno”, staziona a lungo al primo posto della classifica dei dischi. Sull’onda del successo esce anche il 33 giri “Azzurro / Una carezza in un pugno”. Chiamato da Pietro Germi debutta nel cinema d’autore con “Serafino”. Vince ai festival di Berlino e Mosca. Tedeschi, sovietici, francesi ed europei in genere impazziscono per Adriano Celentano.

Partecipa con Claudia Mori al Festival di Sanremo del 1970: la coppia vince con “Chi non lavora non fa l’amore”, brano ironicamente ispirato all’autunno caldo. C’è chi interpreta la canzone come un inno contro gli scioperi.

Nel 1972 esce “Prisencolinensinanciusol”, vero e proprio primo rap mondiale: gli americani scopriranno questo genere di linguaggio musicale soltanto dieci anni dopo. Ancora una volta Adriano si dimostra un precursore. Esce il film “Bianco, rosso e…”, con Sophia Loren, per la regia di Alberto Lattuada. La Rai gli dedica uno show di due puntate intitolato “C’è Celentano”, di Antonello Falqui.

Nel 1973 con Claudia Mori interpreta “Rugantino”, diretto da Sergio Corbucci, ed è il protagonista ne “Le cinque giornate” di Dario Argento. Esce per il Clan il cd “Nostalrock” in cui Adriano interpreta vecchie canzoni come “Be bop a lula”, “Tutti frutti” e “Only you”.

Nel 1974 esce il film “Yuppi Du”, da lui scritto, diretto, prodotto e interpretato (al fianco di Claudia Mori e Charlotte Rampling). Libero di esprimersi, crea un film che fa gridare al miracolo. La critica concorda: è un capolavoro! “E’ nato un nuovo Charlie Chaplin“, scrive Gianluigi Rondi. Giovanni Grazzini lo esalta e così tutta la critica europea. Di “Yuppi Du” Adriano realizza anche la colonna sonora, e conquista il primo posto sia nella classifica dei 45 che in quella dei 33 giri.

Il periodo tra il 1975 (con un episodio di “Di che segno sei?”) fino al 1985 vede per Celentano un’intensa attività come attore, con circa una ventina di film, molti dei quali stabiliscono primati di incassi (Mani di velluto, Qua la mano, Il bisbetico domato, Innamorato pazzo, Asso, Bingo Bongo, Segni particolari bellissimo). “Innamorato pazzo” e “Il Bisbetico domato” sono i primi film della storia cinematografica italiana a toccare e superare i venti miliardi di incasso.

Esce l’album “Svalutation”, è un ironico commento alla crisi economica che colpisce l’Italia e l’intero occidente. Invade i mercati europei e raggiunge il primo posto in Francia e in Germania, dove Adriano è un idolo amatissimo ancora oggi. L’ex Unione Sovietica lo considera l’artista e l’uomo “straniero” più amato. Esce poi il film “Bluff” di Sergio Corbucci, con Anthony Quinn.

Durante gli anni ’90 escono i dischi “Il re degli ignoranti”, “Arrivano gli uomini”, “Alla corte del re-mix”. Un vero successo di pubblico e critica è il lavoro del 1998 “Mina & Celentano” in cui due delle voci più apprezzate della musica italiana duettano nello spazio di 10 canzoni. Le copie vendute superano il milione.

Solo un anno più tardi esce il disco “Io non so parlar d’amore” che raggiunge la cifra record di oltre 2.000.000 di copie vendute e la presenza tra i primi cinque posti della classifica italiana per circa 40 settimane. Alla creazione dell’album partecipano Mogol e Gianni Bella. Celenatno realizza per RaiUno un programma dal titolo “Francamente me ne infischio”, in cui accosta alla musica, che scatena polemiche per la durezza di alcune immagini trasmesse (guerra, povertà, morte sono i duri temi affrontati). Il programma, condotto insieme a Francesca Neri, vince la prestigiosa Rosa d’oro al Festival internazionale della tv di Montreaux.

Nel 2000 esce “Esco di rado e parlo ancora meno”. La coppia compositiva Mogol-Gianni Bella, accompagnata dalle chitarre di Michael Thompson e dagli arrangiamenti di Fio Zanotti, ha ancora una volta indovinato la formula per una nuova pozione magica.

Nel 2002 esce il cd “Per sempre”, il nuovo disco del molleggiato scritto ancora con Mogol e Gianni Bella, oltre a diversi illustri ospiti. Il disco, con una copertina pittoricamente illustrata da Roger Selden sarà disponibile anche in una versione arricchita da un dvd al quale ha collaborato anche Asia Argento che ha affiancato Adriano nell’ultimo show su Raiuno “125 milioni di caz..te”. Il testo e la musica di “Vite”, uno dei pezzi più belli del cd, è del veterano Francesco Guccini, la collaborazione fra le due stelle distanti anni luce nasce per un piccolo miracolo del destino: grazie alla tenacia di Claudia Mori i due si incontrano in un ristorante di Bologna e lì Francesco dà il testo della canzone ad Adriano prendendolo da uno dei suoi testi appena scritti che portava casualmente nella tasca. Per “I passi che facciamo” invece Claudia Mori contatta Pacifico alias Gino De Crescenzo (un solo disco all’attivo ma una pioggia di premi e di riconoscimenti da pubblico e critica), il brano ha un testo impegnato, dal risvolto sociale che tratta il tema della guerra, ispirato dalla musica etnica e arabeggiante.

Alla fine di ottobre 2003 esce “Tutte le volte che Celentano è stato 1”, un the best che raccoglie 17 tra le più belle canzoni di Adriano Celentano, scelte tra le oltre 100 che hanno raggiunto il primo posto in classifica.

Alla fine del 2004 esce “C’è sempre un motivo”; il cd contiene “Lunfardia” un brano inedito del grande Fabrizio De Andrè.

Dopo l’album, Adriano Celentano mostra un rinnovato interesse per la TV: un clamoroso ritorno in Rai è nell’aria ma un litigio con i vertici dell’azienda sembrano far slittare il ritorno dell’artista sul piccolo schermo. Dopo “Rockpolitik” (ottobre 2005) torna in tv alla fine del mese di novembre 2007 con “La situazione di mia sorella non è buona”, senza mancare di suscitare polemiche e dibattiti. Nello stesso periodo esce il nuovo lavoro discografico “Dormi amore, la situazione non è buona”.

da biografieonline.it

AGI – Warner Music ha reso noto di aver acquistato i diritti su tutto il catalogo di David Bowie. L’annuncio è un altro esempio del consolidamento di una tendenza, alimentata dal mercato dello streaming, che vede le opere dei piu’ celebri musicisti della storia contemporanea cedute alle major. L’accordo siglato tra gli eredi di Bowie e Warner Music, per un importo che Variety stima intorno ai 250 milioni di dollari, segue la decisione, lo scorso dicembre, di Bruce Springsteen di vendere alla Sony i diritti dell’intero suo repertorio per oltre 550 milioni di dollari. Pochi mesi prima, Tina Turner aveva fatto lo stesso con Bmg.

La Warner Chappell Music (Wmc) ha cosi’ acquisito la proprietà di un repertorio eccezionale che va dal primissimo “David Bowie” del 1967 all’opera postuma “Toy”, uscita nel novembre 2021, un accordo che comprende 27 album e centinaia di di canzoni, alcune delle quali entrate nel mito come “Starman”, “Space Oddity”, “Heroes” o “Let’s Dance”.

“Queste non sono solo canzoni fantastiche, ma pietre miliari che hanno cambiato per sempre il corso della musica moderna”, ha dichiarato il numero uno di Wmc, Guy Moot, in una nota. Con questo accordo, Warner, una delle tre grandi “major” musicali superstiti insieme a Sony e Universal, dovrebbe ricevere i diritti per ogni trasmissione o utilizzo di un brano del musicista britannico, scomparso nel 2016, su una piattaforma di streaming, in un film o in una pubblicità.

Dopo una fase difficile durante gli anni 2000, con l’esplosione di internet e il download illegale che abbattè la redditività del supporto fisico, l’industria musicale è ripartita dallo streaming, oggi una delle principali fonti di reddito per i detentori dei diritti. “Canzoni di straordinario successo e dal grande impatto culturale producono flussi di reddito affidabili e a lungo termine e sono quindi beni molto redditizi”, ha scritto in un recente rapporto uno dei fondatori dell’azienda, Merck Mercuriadis, ex manager di Elton John.

Hipgnosis, uno dei fondi di investimento piu’ attivi sul mercato, sostiene di possedere 146 cataloghi – tra cui quelli dei Red Hot Chili Peppers e parte del lavoro di Neil Young, acquisito nel 2021 – ovvero più di 65.000 brani, per un valore stimato oltre i 2,55 miliardi di dollari. Secondo Mercuriadis, se le chiusure delle sale da concerto durante l’emergenza sanitaria potrebbero aver avuto un effetto negativo sui ricavi degli artisti piu’ giovani, i “vecchi cataloghi” hanno registrato “entrate in streaming eccezionali poicheé i consumatori si sono rivolti ai classici durante il confinamento”.

Entro la fine del 2020, la Universal aveva acquisito l’intero catalogo di Bob Dylan, per una cifra stimata intorno ai 300 milioni di dollari. Hipgnosis vede anche prospettive di guadagno su piattaforme più recenti come TikTok o Roblox. Per quanto riguarda gli artisti, soprattutto quelli più anziani, c’è un interesse fiscale, perché l’imposta su una vendita forfettaria sarà inferiore a quella su un reddito regolare negli Stati Uniti.

La cessione dei diritti alle aziende tentate dalla speculazione non è un fenomeno che incontra consensi unanimi. Taylor Swift, una delle cantanti più famose d’America, ha avuto un clamoroso successo con le nuove versioni di due dei suoi vecchi album, dopo aver promesso di registrare nuovamente i primi sei per controllarne i diritti. Un altro esempio sono i Metallica, che hanno riacquistato dalle case discografiche i diritti sul loro intero catalogo per poter incamerare tutti i proventi dello streaming.

BARI – “Il maledetto virus mi ha colpito”. È quanto dichiara in un video postato su Instagram Al Bano Carrisi. Il cantante di Cellino San Marco (Brindisi) avrebbe dovuto partecipare allo spettacolo di capodanno previsto il 31 dicembre prossimo nel teatro Petruzzelli di Bari. Il covid “mi ha colpito al punto tale che non posso fare quello che c’era in programma di fare l’ultima notte dell’anno da Bari con Panicucci e tanti amici come Riccardo Fogli, The Kolors, il grande Facchinetti”, spiega l’artista.

“Sono qui, devo combattere questo braccio di ferro con questo maledetto che – dichiara – è invisibile ma colpisce, è il nemico più importante, più squallido che rappresenta un po’ il nemico della terza guerra mondiale”. Il cantante è fiducioso: “Finirà, perché tutto passa: gli ho già preparato il funerale, la bara l’ho comprata, si chiama coronavirus, ho messo la data di nascita, aspetto la benedetta data di morte”. Poi rivolgendosi ai no vax dice: “State attenti, colpisce tutti, anche i no vax. È questa la grande amara verità. Buon anno a tutti “.

dire.it

CAGLIARI\ aise\ – È aperto il bando di concorso della 15a edizione del Premio Andrea Parodi, uno dei più importanti contest europei di world music, le cui finali si terranno a Cagliari in autunno. Il bando è on line ed è aperto ad artisti non solo italiani ma di tutto il mondo. L’iscrizione è gratuita, la scadenza è fissata al 31 maggio 2022.
Le domande di iscrizione dovranno essere inviate tramite il format (per informazioni: fondazione.andreaparodi@gmail.com ). Dovranno contenere: 2 brani, di cui uno in concorso (2 file mp3, provini o registrazioni live o realizzazioni definitive, anche già edite; indicare con quale dei due brani si intende gareggiare); i brani non possono essere solo strumentali e devono essere identificativi di un intero progetto artistico legato alla world music; testi ed eventuali traduzioni in italiano dei due brani; e, infine, il curriculum artistico del concorrente (singolo o gruppo).
Tra tutte le iscrizioni una commissione artistica scelta dall’organizzazione selezionerà, in maniera anonima, dieci finalisti, che si esibiranno dal vivo nella fase finale davanti a una ampia giuria composta da autorevoli addetti ai lavori, come cantanti, autori, musicisti, responsabili di festival, manager, discografici, uffici stampa, giornalisti, critici musicali, sia italiani che internazionali.
Il vincitore assoluto avrà diritto ad una borsa di studio di € 2.500, oltre alla possibilità di esibirsi in alcuni festival partner del Parodi nel 2023, come l’European Jazz Expo (Sardegna), Folkest (Friuli), oltre che nello stesso Premio Andrea Parodi. Il vincitore del Premio della Critica avrà invece la possibilità di realizzare un videoclip professionale del brano in concorso, prodotto dalla Fondazione Andrea Parodi. Inoltre, alcuni dei festival partner (come Mare e Miniere, Premio Bianca d’Aponte, Premio Città di Loano per la musica tradizionale italiana, Mo’l’estate Spirit Festival, Musiconnect-italy) potranno invitare come ospiti uno o più finalisti.
Proprio recentemente Still Life, vincitori della 13a edizione, si sono esibiti a Pistoia in rappresentanza del Premio Parodi a “Musiconnect Italy”, il primo meeting professionale e show-case festival dedicato alla world music italiana.
Il Premio è nato per rendere omaggio a Andrea Parodi, importante esponente sardo di world music ed è realizzato dall’omonima Fondazione con la direzione artistica di Elena Ledda. Le precedenti edizioni sono state vinte nel 2021 da Matteo Leone (Sardegna), nel 2020 da Still Life (Sicilia/Portogallo), nel 2019 da Fanfara Station (Tunisia, Stati Uniti, Piemonte), nel 2018 da La Maschera (Campania), nel 2017 da Daniela Pes (Sardegna), nel 2016 dai Pupi di Surfaro (Sicilia), nel 2015 da Giuliano Gabriele Ensemble (Lazio), nel 2014 da Flo (Campania), nel 2013 da Unavantaluna (Sicilia), nel 2012 da Elsa Martin (Friuli), nel 2011 da Elva Lutza (Sardegna), nel 2010 dalla Compagnia Triskele (Sicilia), nel 2009 da Francesco Sossio (Puglia).
Il bando integrale è disponibile qui. (aise) 

Viviana Dragani, torinese residente da anni in Massachusetts USA, ha lanciato da poco il suo ultimo singolo che sta riscuotendo un gran consenso, soprattutto in Argentina e Stato di New York.

“This secret love” rappresenta una novità nel mercato musicale odierno. Si tratta di un crossover al femminile, dove pop e opera si fondono dando origine a un mix melodico nuovo, dalle sonorità inedite, ipnotiche e celtiche. Una commistione unica di pop, opera e ambient-chill music.

L’idea nasce dall’autore e compositore Domenico Centorrino che ha pensato di far interagire due diverse anime vocali, nello specifico quella dell’interprete Viviana Dragani e la cantante lirica Daniela La Rosa.

Viviana, acclamata vocalist delle Blue Dolls e voice-over talent di successo, spazia agevolmente nel mondo sonoro del jazz, del tango e del pop; attualmente è anche conduttrice radiofonica per radio WNTN 1550 di Boston, USA.

Daniela ha invece un background classico di pianista e soprano. Si è esibita in tutta Europa con un repertorio operistico e ha partecipato a importanti programmi televisivi su Antenna Sicilia e Telecolor.

Le due voci hanno creato un mix sonoro nuovo e di qualità che vuole discostarsi da ciò che il mercato musicale attuale ci propone.

“This secret love” parla di un amore viscerale per la musica che le due protagoniste nutrono sin da tenera età; anche quando il passare del tempo e le nuove sfide della vita le portano a vivere lontane (una in America e l’altra in Italia), continueranno a esprimersi e sentirsi vicine attraverso la musica, che rappresenta l’unico “portale” all’interno del quale possono essere se stesse.

Potete ascoltare qui un’anteprima e seguire Viviana Dragani su Instagram https://www.amazon.com/This-Secret-Love/dp/B09FY6TCMX

https://www.instagram.com/vivianadragani/

AGI Si intitola “Future Memorabilia” il disco che riporta nella catena di distribuzione discografica gli Oliver Onions, duo romano passato alla storia per indimenticabili colonne sonore di film diventati ormai dei cult del nostro cinema anni ’70 e ’80. “Continuavano a chiamarlo Trinità”, “Anche gli angeli mangiano fagioli”, “Giovannona Coscialunga disonorata con onore”, “Altrimenti ci arrabbiamo”, “Tre tigri contro tre tigri”, “I due superpiedi quasi piatti”, “Piedone l’africano”, “Lo chiamavano Bulldozer”, “Uno sceriffo extraterrestre… poco extra e molto terrestre”, “Banana Joe, “Bomber”, “Occhio, malocchio, prezzemolo e finocchio”, “L’allenatore nel pallone”, “Mezzo destro, mezzo sinistro”…sono solo alcuni dei titoli cui musiche sono state firmate dai fratelli Guido e Maurizio De Angelis.

Un sound ben preciso, rimasto impresso nella storia, capace di fondersi con le stesse immagini che accompagnava, alle volte andando perfino oltre le immagini, oltre il visto, guidando la mente dello spettatore in un percorso, ahinoi, a ritroso, verso un cinema che non esiste più, paradossalmente accompagnati da una musica che forse, in realtà, non esiste ancora.

Perché gli Oliver Onions facevano negli anni ’70 quello che nemmeno oggi si arriva a fare con tale illuminazione. In “Future Memorabilia” riprendono, in compagnia di illustri ospiti, da Tommaso Paradiso e Claudio Baglioni agli Elio e Le Storie Tese e David Hasselhoff, alcune di quelle colonne sonore che li hanno resi immortali in tutto il mondo. Non si può proprio considerare un tuffo nel passato, nonostante a qualcuno l’ascolto potrà scaturire una fisiologica nostalgia per i tempi andati, soprattutto i tempi dei film di Bud Spencer e Terence Hill; ma in realtà basta chiudere gli occhi, provare a dimenticare nomi, cognomi, nomi d’arte e film, per ritrovarsi in una dimensione che non può di certo essere collocata indietro nel tempo ma, semmai, avanti.

Ma voi ve ne siete mai accorti di essere così avanti…?

“Grazie, noi lo facevamo di impeto, come ci veniva lo facevamo. Rispetto a quello che si fa oggi, si può darsi. Noi avevamo davvero la voglia di introdurre nuovi elementi che probabilmente anticipavano come sonorità quello che è venuto in seguito. Tommaso Paradiso ha una nostalgia autentica per quel periodo del cinema, immagino si sia divertito molto a far parte del progetto… Per quello lo abbiamo scelto, lui ha sempre dimostrato anche a noi di seguire le nostre cose, di essere un grande fan, noi siamo stati felicissimi di averlo coinvolto e lui è stato felicissimo di essere coinvolto in questo disco. Claudio Baglioni invece aveva già registrato “Sandokan” in “Anime in gioco” nel ’97… È una veste molto rinnovata che si avvicina molto di più a quella del Claudio Baglioni attuale. Geniale l’idea di reinterpretare il vostro “La la la la lalla” con gli Elio e Le Storie Tese…tra l’altro questa musica nasconde un aneddoto, Bud Spencer improvvisò la sua parte, è corretto? Certo, la parte scritta era solo il “La la la la lalla”, poi durante le riprese però c’era uno stop, una pausa, in cui si doveva inquadrare un altro personaggio, il killer, allora gli abbiamo chiesto di fare qualcosa e lui si inventò quel suono con le labbra, quel “Ba, ba, ba, baaa””

Cosa vi piaceva del mondo del cinema?

“Tutto, era il nostro mondo. Amanti della musica come eravamo e come siamo ancora, la possibilità di mettere la nostra musica in un film, per noi era una festa. Pur lavorando tanto non sentivamo la stanchezza, l’entusiasmo che mettevamo nel trovare soluzioni, alternative, temi…questa era tutta benzina che ci caricava. Come funzionava ai tempi il vostro processo creativo? Vi mandavano il film, la sceneggiatura…e poi voi ci mettevate su le musiche? Ci davano sempre la sceneggiatura e noi su quella dovevamo capire lo spirito, il mood, del film. Poi spesso andavamo anche sul set per capire meglio, ma alla fine quando avevamo il girato ce lo studiavamo e alle volte andavano in una direzione o in un’altra. Poi il regista ci dava anche delle indicazioni di massima, l’approccio con regista e produttori era necessario.

Leggevo la lista dei film ai quali avete lavorato, vedo che nel 1987 avete smesso, magari è successo qualcosa, ma non posso fare a meno di notare che è anche un periodo in cui il cinema comincia ad essere diverso, è questo che ha condizionato la vostra carriera?

“Sicuramente anche il cinema è cambiato, tanti tipi di film non si sono più prodotti, registi con i quali avevamo lavorato avevano smesso, ma noi abbiamo continuato sempre a fare il nostro mestiere, ci siamo solo trasferiti in televisione; da questo punto di vista negli anni ’90 abbiamo fatto anche serie molto conosciute, c’è stato il periodo de “Il Maresciallo Rocca”, il periodo di “Incantesimo”, che è durato 10 anni, per il quale abbiamo anche rifiutato di fare altri lavori. Nel frattempo, chiaro, il cinema era cambiato e i generi che andavano una volta non trovavano spazio nelle società di produzione”.

Qual è il film che avete musicato che vi rende più orgogliosi?

“La risposta potrebbe sembrare scontata ma diciamo “Per grazia ricevuta”, perché è il primo, è quello che ci ha dato lo stimolo a continuare. Ovviamente siamo orgogliosi di per sé di aver partecipato al successo del film, anche le musiche sono piaciute molto. È una ragione emotiva, ma anche logica e cronologica, ma quello è stato il primo, poi sono arrivati tutti gli altri film e sono tutti figli nostri e non puoi dire a un figlio che è più figlio dell’altro.

Con quale regista vi piacerebbe lavorare oggi?

“Avremmo voglia di lavorare con un regista che avesse voglia di affidarci un lavoro tematico, perché negli ultimi tempi la tendenza è quella di proporre solo musica che da emozioni superficiali, che non ti entrano nel cuore, come si faceva una volta, quando una volta c’era il ricorso al tema classico. Forse mi piacerebbe lavorare con il figlio di Sollima, perché è un bravo regista, ma non ci siamo mai incontrati. Ma mai dire mai”.

Or Golan ha tre sogni. Vorrebbe veder arrivare le sue composizioni al Festigal, uno spettacolo che ama fin da giovane età, all’Eurovision Song Contest e al celebre American Super Bowl Final Show. “Anche se mi ci vorranno 30-40 anni per arrivare al Super Bowl, ci arriverò”, dice Golan. E se suona come una missione impossibile, considerate con cosa ha già avuto a che fare questo ragazzo israeliano di soli ventitré anni. Soffre di balbuzie, nonché di una malattia ereditaria, nota come FMF (febbre mediterranea familiare). È una malattia infiammatoria caratterizzata da ricorrenti attacchi di febbre e infiammazione della membrana sierosa, che provoca dolore e gli impedisce di stare in piedi per lunghi periodi o di praticare sport. Ma questo non ha impedito a Or Golan di andare avanti con la sua vita e di seguire la sua passione, la musica. Golan ha una solida conoscenza delle sue aspirazioni e non ha intenzione di arrendersi.

Dopo essersi laureato all’ORT Motzkin, Or Golan si è arruolato nell’aeronautica. Contemporaneamente, Golan è anche riuscito a scrivere ben quattro libri e ad imparare diverse lingue.

Ispirato dal suo amore per la musica elettronica, ha inizialmente avuto successo con il suo “THE WIK WIK SONG” che raccolse rapidamente più di 150.000 visualizzazioni su YouTube, e poi improvvisamente tutto andò in crash quando YouTube chiuse il canale e cancellò il video.

Ancora una volta la perseveranza di Or Golan è venuta alla ribalta facendolo rimettere al lavoro per lanciare il suo singolo “I AM GREEDY” che ha raccolto 70.000 ascolti in tre mesi sulla pagina Spotify dell’artista.

L’artista ha già 5 album e oltre 100 singoli nel suo catalogo, prova della sua determinazione, indipendentemente dalle lotte e dalle avversità incontrate.

“I AM GREEDY”, che è stato inizialmente rilasciato il 31 ottobre 2020, da allora è stato trasmesso dalle stazioni radio di tutto il mondo e sembra avere la stessa tenacia del suo compositore.

La traccia riunisce vari filoni della personalità compositiva di Or Golan, proiettando una lucentezza cristallina moderna e minimale su una cassa ispessita, una linea di basso straziante e synth contorti. Un preciso sound design techno per riempire la pista da ballo.

La batteria di Golan appare estremamente audace su “I AM GREEDY” e il suo potere viscerale è innegabile. La musica è asciutta, nitida ed efficace in un perfetto mix da club. Il suo ritmo cavernoso è allo stesso tempo sinistro e invitante.

L’idea di suoni freschi, moderni e futuristici sembra centrale in ciò che Golan rappresenta qui. Questo è Or Golan che si esprime impeccabilmente mentre ascolta la musica nella sua testa. Per fortuna per comporre musica non serve un’elocuzione fluida ma un fluido pensiero. Proprio come il suo.

Gigi Santella, produttore e compositore di origini italiane, vive in assoluto servizio della musica. Cresciuto in Massachusetts, ha lavorato in Sud America e attualmente vive a Los Angeles.

E’ stato recentemente intervistato dal programma Itali-Echo su WNTN Radio Boston.

– Come funziona il tuo processo compositivo?

Mi sveglio la mattina con un’idea, la suddivido in un paio di parti e mi domando cosa sto cercando di esprimere. Poi faccio lunghe passeggiate, c’è qualcosa di magico nel camminare, puoi sentire qualcuno che suona la musica nel tuo cervello.

– Parliamo della tua musica, qual è il senso del brano Iniziazioni?

Il brano era inteso come tributo alla festa di Little Italy in Boston, è la tipica canzone da Marching Band pensata per una sezione di corni. Lo spartito di questa canzone l’ho ricevuta da mio zio che è morto tempo fa, e l’intero brano è ispirato a quello spartito. La dedico a tutti gli italoamericani perché è ispirata alla loro stessa comunità e forse li porterà indietro nel tempo.

– Qual è stato il momento più italo-americano della tua vita?

Mi ricordo che negli anni Ottanta mia nonna, dal lato Santucci della famiglia, cucinava e cuoceva nel forno per ore e io mi ricordo il profumo delle cose buone che proveniva dalla cucina.

Lo spartito è disponibile per tutte le Marching Band che vogliano proporlo durante le folkloristiche processioni religiose che tengono ancora in vita le tradizioni italiane all’estero.

“Sono morta centinaia di volte” cantava Amy Winehouse in “Back to Black”. E non si poteva non crederle, perché la sua voce – il suo marchio di fabbrica – era unica al mondo, a suo modo un paradosso sonoro: profonda, vellutata e al tempo stesso abrasiva come una ferita che non guarisce mai, contemporaneamente inimitabile eppure imitatissima ai quattro angoli del mondo. Amy “era” una ferita ambulante, e pare quasi uno scherzo del destino che sia andata a unirsi – esattamente oggi dieci anni fa – al famigerato “Club 27”, ossia all’infinita schiera di rockstar luminose come stelle polari che hanno lasciato questo mondo a soli 27 anni: Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones, Kurt Cobain. Ed Amy.

La trovarono morta il 23 luglio 2011 nella sua casa di Londra, nella sua amata Camden, nel suo letto, uccisa da una quantità di alcol che avrebbe stroncato anche un bufalo. Ma l’eternità l’aveva conquistata, forse controvoglia, già da molto tempo, sin da quando prese in mano la sua prima chitarra, a 13 anni, cominciando da subito a scrivere i suoi pezzi, sin da quando la cacciarono di scuola a causa del suo riottoso rapporto con la disciplina.

Solo due album fatti di una maliosa mistura di soul, jazz e pop, un’immagine sulfurea e tenera al tempo stesso fatta di dannazione, capelli corvini come il mascara che incorniciava i suoi occhi: ma Amy Winehouse è rimasta impressa nella mente e nel cuore ben oltre il breve tempo del suo passaggio sulla Terra.

A Camden Town tutto gira ancora intorno al suo mito, con la sua statua di bronzo allo Stables Market, a due passi dai negozietti di musica, dai pub e dai tavoli da biliardo che erano il suo mondo.

“Direi che il jazz è la mia lingua”, ripeteva spesso Amy. Che a tutt’oggi è considerata una delle più significative cantanti britanniche di sempre, un incrocio senza tempo tra Ella Fitzgerald, Nina Simone e le dive anni sessanta della Motown, ma anche stella polare per chi verrà dopo, come Adele o Celeste che dir si voglia.

Cresciuta a pane e jazz (alcuni suoi zii erano musicisti professionisti), curiosamente sempre fedele alle sue radici ebraiche, in anni in cui andavano per la maggiore le “girl-groups” ed il più plastico “casting-pop”, a soli vent’anni pubblicò il suo album d’esordio, il folgorante “Frank”, tutto scritto da lei, che fu un successo notevole e per lei totalmente imprevisto: “Non credo che sarò mai famosa”, ebbe a dire la timida Amy in una delle sue prime interviste. “Credo che non saprei maneggiarlo, il successo, probabilmente sprofonderei nella pazzia”.

Fu quasi una profezia: proprio con “Black to Black”, pubblicato nel 2006 (a due anni da “Frank”), divenne una star mondiale, grazie alla geniale miscela di Motown, Doo-Wop e soul prodotti con spirito contemporaneo: in dote arrivarono cinque Grammy Awards e centinaia di altri premi, attirando al tempo stesso le copertine di testate internazionali come Rolling Stone e Variety. Il problema fu che non poteva più lasciare la sua casa senza essere travolta dalla tempesta dei flash dei paparazzi, presenti anche quando fu portata fuori la sua bara. Lei l’aveva detto, pare, ai suoi amici: avrebbe restituito tutti i premi e tutta la fama solo per poter tornare in santa pace in uno dei suoi pub.

“Sono solo una musicista sincera”, la sentiamo dire nel documentario “Amy Winehouse: Black to Black”, appena uscito per il decennale della morte. “Scrivo canzoni perché sono malata nella testa”, ripeteva la ragazza, che aveva assunto i suoi primi anti-depressivi già durante l’infanzia. “Devo scrivere tutto e cantare per sentirmi meglio”.

In effetti: “Black To Black” era un viaggio sonoro nel rapporto distruttivo con Blake Fielder-Civil, che fu suo marito dal 2007 al 2009, come appare lampante da canzoni come “Love Is a Losing Game” e “Wake Up Alone”. Un apparente scherzo – in realtà una scomoda verità – era la canzone “Rehab”, singolo d’immenso successo nato durante una passeggiata con il produttore Mark Ronson attraverso le vie di New York City: aveva bisogno davvero di curarsi dalla dipendenza da alcol. Non ci riuscì mai.

Fatto sta che “Black To Black” è stato per un certo periodo l’album in assoluto più venduto del 21esimo secolo, oltre a conquistare il disco di platino in decine di Paesi in tutto il mondo, dall’Australia alla Finlandia.   I suoi problemi con l’alcol non l’hanno l’abbandonata mai: riuscì, così pare, a disfarsi da crack e dall’eroina ai quali l’introdusse il marito (è lui stesso ad ammetterlo), ma il consumo di alcolici non fece che aumentare. Amy sempre più spesso saliva sul palco ubriaca, oppure appariva assente, qualche volta dimenticava i testi. La sua ultima tournee fu un disastro: a Belgrado inciampò sul palco, a tratti si rifiutò di cantare, fu subissata di grida non esattamente elogiativi del pubblico. Nei giorni successivi i media si scatenarono contro di lei. Il tour fu annullato.

Appena un mese dopo stupì tutti con una stupenda voce in una breve apparizione a un concerto di Dionne Bromfield, tanto da meritarsi una potente standing ovation. Eppure fu un’illusione: tre giorni dopo Amy Winehouse fu trovata cadavere dal suo bodyguard.

“Se morissi domani, sarei una ragazza felice”, sussurrava Amy. Il jazz ed il soul, la musica dell’anima, non erano bastati a salvarla.

AGI