Jann Wenner, il fondatore della rivista statunitense “Rolling Stone”, è attualmente impegnato nella promozione della sua autobiografia “Like a Rolling Stone”, e in una nuova intervista rilasciata all’edizione americana di “Billboard” si è lasciato sfuggire informazioni sul prossimo progetto discografico di Bruce Springsteen. Nel corso della chiacchierata Wenner ha infatti offerto la prima conferma di un nuovo album del cantautore del New Jersey in arrivo in autunno.

A margine dell’intervista per “Billboard”, Jann Wenner, che qualche sera fa ha presentato il suo nuovo libro a New York proprio in compagnia di Springsteen, discutendo dell’attuale scena pop e hip hop ha affermato: “Ci sono tane cose buone in giro, così come ci sono tanta spazzature e cose banali. Onestamente, non penso che siano buone come il rock ’n’ roll. Non penso che ci siano in giro belle voci o buoni arrangiamenti. Storicamente, è un’altra svolta del ciclo. Se il rock ‘n’roll tornerà: non è possibile, perché il sound e le circostanze sono diverse. Io però sono un po’ bloccato alla musica che mi piaceva quando ero giovane. Datemi gli Stones”. E ha aggiunto poi:

Mentre da parte del Boss non sono ancora arrivate notizie ufficiali riguardo a un suo prossimo progetto discografico, le dichiarazioni di Wenner giungono pochi giorni dopo le voci su un nuovo album di cover del 72enne artista. Nel frattempo Springsteen, discograficamente fermo a “Letter to you”, primo album realizzato da Springsteen con la E Street Band dai tempi di “Wrecking ball” del 2012, ha annunciato il ritorno in tour con la sua storica band e tre concerti in Italia per il prossimo anno.

da Rockol.it

Si è guadagnata un posto meritato tra i bravi cantautori dominicani imponendo qualità e riversando nelle sue canzoni quegli ingredienti che le rendono attraenti agli occhi delle case discografiche, dei produttori musicali e degli artisti.

La sua creatività le ha permesso di navigare nelle acque che costellano di poesia le canzoni popolari, trattando le sue opere con la sensibilità di una donna che conosceva l’amore, e di immergersi nelle profondità della vita quotidiana con la peculiare giocosità che ha caratterizzato questa combattente e talentuosa donna.

Rosa Sofía Pontier Agramonte, nata venerdì 19 settembre 1952, quando la sua casa paterna era nel settore di Villa Consuelo, a Santo Domingo, Repubblica Dominicana.

Era la seconda (e la maggiore delle figlie) di nove fratelli, i suoi genitori erano la signora Azuana Amarilis Agramonte, che gestiva un modesto negozio di alimentari, e Juan Alejandro Pontier, muratore di mestiere e originario della capitale dominicana, dove lui è morto il 10 settembre 2001.

Dei suoi fratelli, solo Rosa si è dedicata alla musica. Apparteneva al coro della scuola e parrocchia Espiritu Santo, situata nel quartiere Villa Juana della capitale, dove ha studiato livello primario e intermedio e ha ricevuto lezioni di pianoforte e chitarra. Questo spiega perché, nonostante non fosse stato visto suonare nessuno strumento mentre proponeva le sue composizioni, cantava molto bene intonato.

Fin da piccola ha mostrato un dono naturale per la scrittura di canzoni e non molti sanno che Rosita, come veniva affettuosamente chiamata, compose anche un numero considerevole di temi musicali rivolti ai bambini e che fu addirittura drammaturga e creatrice di un simpatico personaggio rivolto ai bambini: Zia Rose.

Per diversi anni Pontier, una donna capricciosa, ma dal cuore molto nobile, ha vissuto a Panama e per quei colpi di scena si è trovata lì, precisamente nel quartiere di El Chorrillo, quando la capitale panamense è stata bombardata dagli aerei statunitensi il 24 dicembre 1989, un attacco il cui obiettivo era rovesciare e imprigionare l’allora presidente Manuel Antonio Noriega (Panama City, Panama, 11 febbraio 1934-Panama City, Panama, 29 maggio 2017).

Quegli eventi ebbero un impatto devastante su Rosa Pontier, a tal punto che perse la parola per diversi mesi, conseguenze che erano ancora percepibili in lei quando, poco dopo i suddetti eventi, tornò a Santo Domingo per dedicarsi anima e corpo al mestiere scrivere canzoni.

“Mami aveva un gusto universale per la musica, ma era incline alla qualità, alle canzoni dai buoni contenuti, anche se amava essere all’avanguardia con i ritmi moderni dell’epoca”, hanno detto le sue figlie, Erika Carrasco Pontier e Gianna Méndez Pontier.

Erika e Gianna, che hanno avuto il privilegio di fare della madre una nonna e di vederla godere dell’amore dei suoi nipoti (Jessica, che è la figlia maggiore dell’ex giocatore di baseball David Ortiz, Leea, Asher Jahir e Rose Marie), hanno convenuto che il la più grande soddisfazione nello scrivere canzoni era quella di sua madre e che amava il bolero, le ballate, la salsa e il merengue.

Rosa Pontier iniziò la sua carriera d’autore in bellezza: la prima canzone registrata per lei fu “No la dejaré”, inclusa dal popolare cantante venezuelano Oscar De León, nella sua produzione musicale intitolata “Oscar ’86”, che lanciò sul mercato nel 1986. Curiosamente, quella canzone non era una salsa, ma un merengue.

Da quella prima registrazione di una delle sue composizioni, il nome di Rosa Pontier divenne familiare, apparendo in produzioni musicali di vari artisti e così nacquero i merengues di successo “La masajista”, nel 1988, reso popolari dall’orchestra La Artillería, cantando Nelson Gil (Santo Domingo, R.D., 8 aprile 1962-Santo Domingo, R.D., 2 novembre 2009), e l’anno successivo “Amor Mágico”, con Monchy e la sua orchestra Capricho, che finì per essere conosciuto come Monchy Capricho. . A proposito, questo stesso lavoro è stato registrato da Las Nenas de Ringo e Jossie con il titolo di “Chiquillo malcriado”.

Ai già citati merengues si aggiunse “La fea”, con Ramón Orlando e la sua International Orchestra, che divenne un altro grande successo frutto dell’effervescenza creativa di questa donna dinamica.

Dioni Fernández & El Equipo portò a disco i merengues “Me enamoré” (cantando Charlie Rodríguez) e “¿Dónde estás?” (cantato da Eddy Rafael) e la orchestra Tierra Seca incise “¿Adónde vas?” (cantando Herodys Ureña) e “No resisto vivir así” (con la voce di Oscar Pérez).

La sua costante presenza negli studi di registrazione accese la miccia perché anche Rubby Pérez aggiungesse al suo repertorio “Te soy sincero”, La Gran Manzana grabara “Amo”, il gruppo Tambó incida “La vecina”, “El dinero” e “El tipo raro” e Sangre Nueva “Toma y coge”, che in Messico uscì come “Toma y dame”.

Il portoricano José Medina gli incise il merengue “Negrita de mi querer”, Street Band fece del suo  “Cuarto bate”, “Mira cómo estoy”, “Te salió dura”, “El marciano”, “La colorá” e “Déjala que corra”, come pure La Banda Loca con “El fiestón” e “Voy pa’ la calle”.

Come una vera macchina di produzione di canzoni, Pontier compose anche i merengue “El cantinero”, inciso da José Veras e la sua Orquesta Joven, “Baile pa’ dentro”, il gruppo musicale portoricano Fuera de Liga, “La gata” y “Huele, huele”, Factor X “El caco pelao” e “A beber, a beber”, con la orchestra La Bomba.

Alla sua prolífica penna appartengono pure i merengues “Noche bella” e“Paraíto”, incisi da Los Sabrosos del Merengue, “Papi cosquillita”, poi Ilssa Gil con “Por ella”,  Oro Negro e “Porque sueño”, con Jhano Vélez.

Così pure, “Solitario”, “Todo te lo daré” e “La copa”, merengues incisi dal gruppo La Fuerza, “La cocaleca” e La Banda Veneno, e “Todo de ti” con Marcos Malory.

Pontier, che memorizzava le sue canzoni con incredibile facilità, per le quali non è mai stata vista con un taccuino o una cartella per aiutarla a proporle a scopo di registrazione, ha sempre rivendicato una parte della co-autorietà nel famoso merengue “El baile del perro” , reso popolare da Wilfrido Vargas e dalla sua orchestra, una canzone i cui creatori includevano Winston Paulino, Frantoni Santana, Raffy Rosa, morto diversi anni fa, e Juan Valdez, che ne ha anche arrangiato la musica.

Apportò al salsa, con “Dos en uno”, incisa dal colombiano Moncho Santana, e “Vicio”, con il portoricano Pedro Conga e la sua orchestra. Comepure, La Sonora Sonera, del maestro Ismenio Chávez, le incise “Abandono de amor”.

Una nota interessante è che Juanchy Vásquez (Hatillo, San Cristóbal, R.D., 15 novembre, 1956–Nueva York, NY, EE.UU., 06 ottobre, 1999) incise, nel 1988, quattro ballate di Rosita: “Quiero ser”, “Dime quién”, “Fantasma” e “Perdóname”. In questo senso, l’orchestra Tierra Seca le registrò “Me acostumbré”, un bel bolero che interpreta Herodys Ureña e che vanta uno straordinario arrangiamento del maestro Papa Molina (Moca, provincia di Espaillat, R.D., 19 dicembre, 1925-Santo Domingo, R.D., 05 agosto, 2020).

È sempre stata un membro entusiasta e attivo della Società generale degli autori, compositori ed editori di musica dominicana (SGACEDOM) e della Società americana di compositori, autori ed editori (ASCAP), entità di gestione collettiva che la rappresentavano a livello nazionale e in tutto il mondo. il mondo.

Nel corso degli anni, l’energia che accompagnava questo prolifico costruttore di versi e melodie si è diluita e quella donna vigorosa gradualmente è svanita. Così, dopo aver subito complicazioni che hanno peggiorato la sua salute, tra cui diabete, morbo di Alzheimer e difficoltà di pressione sanguigna, Rosa Pontier è morta martedì 27 novembre 2012 a Santo Domingo.

Rosita si è trasferita in un’altra dimensione, è andata in un mondo dove può trovare il suo amore magico, magari individuare la massaggiatrice che manda in esilio il suo dolore o forse è felice dove nessuno mormora o la critica per stare con un uomo brutto. Ora, possiamo assicurarvi che dove un forse non calza a pennello è che da questa parte gli sopravvivono i suoi parenti e, soprattutto, le sue opere, testimoni musicali del suo talento nel cantare l’amore e la quotidianità.

Sono oltre cinquant’anni che continua a fare musica, ma Zucchero, quella voglia di salire sul palco e cantare, non l’ha ancora persa. È una star italiana e internazionale. Gli adulti impazziscono per lui, ma anche i giovani conoscono le sue canzoni.

Un artista che si muove tra le generazioni e che ha accompagnato, con dischi e colonne sonore (indimenticabile quella di Spirit – Cavallo selvaggio) la crescita di molti di coloro che oggi lo vedono suonare dal vivo.

Il 9 settembre sbarcherà negli Stati Uniti, per una tournée che inizierà ad Atlantic City e che continuerà fino al 2 ottobre viaggiando per tutto il Nord America, tra East Coast, West Coast e Canada.

Il 10 settembre è atteso a New York, in un Beacon Theatre (2124 Broadway) in cui si prevede il tutto esaurito.

Zucchero, a settembre inizia un tour negli Usa: qui i fan la adorano. Cosa piace della sua musica negli Stati Uniti? 

“Visitai gli Stati Uniti per la prima volta nel 1983, quando registrai il mio primo album in studio Un po’ di Zucchero. Viaggiai verso San Francisco e lì incontrai per la prima volta Randy Jackson, che poi divenne membro della mia nuova band nel 1985. Da allora ho lavorato molto spesso in America, registrando musica e collaborando con artisti americani. Ho sempre amato la musica americana, in particolare il Blues”.

Di duetti e collaborazioni, nella sua carriera, se ne trovano di ogni tipo. Sting, Iggy Pop, Bono, Ray Charles e tanti altri. Ce n’è uno che le è rimasto nel cuore e uno di cui invece si è pentito? 

“Ho amato lavorare a tutte le mie collaborazioni e non sono pentito di nessuna. Ho collaborato con tanti artisti, come quelli che ha menzionato e altri del calibro di Andrea Bocelli, Bryan May, Jeff Beck, Eric Clapton, Miles Davis, Sheryl Crow. Quello che rimarrà per sempre nel mio cuore è il grande Luciano Pavarotti. È stato un onore immenso lavorare e condividere il palco con uno dei più grandi. Sono stato un privilegiato”.

Lei nasce a Reggio Emilia e da lì conquista il mondo. Da piccolo era uno di quei bambini ambiziosi che credevano di poter diventare una star internazionale, o mai si sarebbe aspettato di raggiungere il successo che ha avuto?

“Vengo da Roncocesi, una frazione del comune di Reggio Emilia. Non penso di essere stato un bambino ambizioso, ma ho sempre amato la musica. Formai il mio primo gruppo R&B nei primi anni ’70 e dopo la musica ha cominciato a scorrere. Nel 1981 vinsi il Festival di Castrocaro e, come dicono, il resto è storia”.

Canzoni in inglese, nel suo repertorio, si trovano da sempre. Che energia le danno gli Stati Uniti? Esistono differenze tra i vari tipi di pubblico che ha incontrato nei vari stati Usa dove si è esibito?

“Prevalentemente canto in italiano, ma alcune canzoni le eseguo in inglese. Ho sempre amato il Blues e gli Stati Uniti sono la casa del Blues, lì sento una forte connessione. Il pubblico americano mi ha sempre trattato benevolmente, non posso dire che le platee siano diverse, ma loro sono tutti amanti della musica”.

Joe Cocker è stato per lei un grande amico e una figura di riferimento. Gli ha dedicato anche una canzone, “Nuovo, meraviglioso amico”. Porta ancora qualcosa di lui nella sua musica e nei suoi concerti?

“Io e Joe siamo stati in tour con Miles Davis alla fine degli anni ’80 ed è stata un’esperienza meravigliosa. Joe era un vero amico e darò sempre valore alla sua amicizia”.

Qual è l’aspetto più difficile o delicato nell’organizzare e poi realizzare un tour negli Usa come quello che sta per iniziare e che durerà fino al 2 ottobre? 

“Ci sono molte cose in più di quello che sa la gente nell’organizzazione di un tour e nel viaggiare. Ciò comporta un grande lavoro nei mesi o negli anni precedenti, ma ho un gruppo importante di persone attorno a me che organizza tutto. Io devo solo esibirmi! (Ride)… Sto scherzando, ovviamente mi dedico molto alla strutturazione del palco, ai musicisti. Adoro andare in tour, non esiste niente di simile”. 

Immagini di salire su un palco, magari proprio quello del Beacon Theatre di New York dove si esibirà il 10 settembre, ed essere costretto a scegliere un solo brano da poter suonare. Un solo titolo con il quale fare esplodere il pubblico. Quale sarebbe? 

“È davvero una scelta difficile da prendere, probabilmente opterei per Baila, una canzone ritmata che le folle adorano e che amo anche io”.

Mio padre ha da sempre amato le sue canzoni e io sono cresciuto con loro nei tanti viaggi fatti in macchina. C’è qualcosa che oggi vorrebbe dire ai giovani, con la sua musica o lontano dal palcoscenico?  

“Amo la musica e quello che vorrei dire ai giovani è questo: spero che anche voi amiate la musica. Può evocare memorie, o persino cambiare le vite. Io penso che sia quello che hai raccontato nella domanda, tu hai ricordi di canzoni che hai ascoltato con tuo padre mentre guidava la sua macchina. Questo è ciò che fa la musica, può riportare alla luce brutte memorie o ricordi felici. Spesso le persone mi dicono che una mia particolare canzone è stata molto importante per loro perché l’hanno ascoltata insieme alla moglie o al marito”.

Da La Voce di New York

Succede che, con una frequenza gigantesca, dietro al successo di molti cantanti, si nasconda il nome di un protagonista, che di solito è sfocato dietro le quinte.

Allo stesso modo, non sorprende vedere che un tale personaggio, per decisione propria o di terzi, rimane nell’ombra o in un profilo molto basso, anche se in diversi casi quel protagonista si ritira perché preferisce dedicare le sue energie a mestieri e professioni che pure siano appassionanti o che semplicemente garantiscano migliori posizionamenti in ambito sociale ed economico.

Nel caso che qui presento, si verifica che l’esercizio della sua professione coprì la quasi totalità del suo tempo, per il quale, pur con un’abbondante produzione di brani, il numero di quelli che sono stati registrati fino ad oggi dovrebbe essere stato molto maggiore: Mi riferisco alla dott.ssa Rosa María Padrón.

Nata a Santo Domingo, Repubblica Dominicana, lunedì 4 settembre 1963, quando i suoi genitori, César Padrón, che era un insegnante di educazione fisica e dirigeva il dipartimento di quel ramo presso l’allora Segretario di Stato per l’Istruzione, le Belle Arti e il Culto, e la casalinga Laura Rosario, morta nel 2012, vivevano in via Las Mercedes, nella città coloniale.

Rosa María Padrón Rosario è la terza dei quattro figli procreati dai suoi genitori.

“Fin da bambina ero abituata ad ascoltare la musica. Quasi tutti in famiglia avevano delle qualità artistiche. Mia nonna materna, María Felipe Rosario, scriveva poesie, e lo fece fino alla sua morte all’età di 104 anni, e la sorella minore di mia madre, Guarina Rosario, morta nel 2021, era una cantante diplomata al La Voz del Yuna, ” ha ricordato.

Ha anche affermato che suo nonno paterno, Luis Rosario, suonava la chitarra e che anche il fratello maggiore di sua madre, suo zio, chiamato anche Luis Rosario, era un musicista e suonava nella banda municipale di Bonao. Ha anche diversi cugini che scrivono e cantano, anche se non hanno optato per nessuna di queste opzioni.

Tra i suoi parenti, quella che ha raggiunto una posizione che le ha portato una notevole popolarità è stata sua sorella Mery Mers, una cantante di ballate che è diventata una figura di spicco negli anni ’80 e ’90.

Quello che non tutti sanno è che le basi del successo ottenuto da Mery Mers si basavano sui brani che sua sorella Rosa María componeva per lei.

“Quando mia sorella Mery ha iniziato la sua carriera artistica, mi ha affidato l’elaborazione dei suoi temi. Io stessa non avevo mai composto, anche se scrivevo poesie e inventavo parodie di altre canzoni per divertire i miei genitori”, ha ricordato la talentuosa compositrice.

Il destino, silenzioso e capriccioso, mise Rosa María in una situazione molto delicata, di fronte a una sfida che la supponeva capace di superarla e a un impegno che la obbligava a rispettare le linee guida del sacro vincolo familiare. Così è arrivata in studio di registrazione come compositrice esordiente, per mano della sorella Mery, avendo anche il supporto del maestro Bertico Sosa (La Romana, R.D., 23 febbraio 1951-Santo Domingo, R.D., 2 dicembre 2005 ), che si occupava dell’arrangiamento musicale.

“La prima canzone che ho scritto per lei è stata “Tú me veras”, nel 1979, ed è diventata un grande successo non appena è stata trasmessa alla radio. Nessuno sapeva chi fosse la cantante, tanto meno chi la aveva composto”, ha affermato con la sobrietà che la caratterizza, ma tratteggiando un sorriso di soddisfazione.

La sua produzione di canzoni per sua sorella non si è fermata a quella prima ballata, ma in seguito ha contribuito con altre come “Defiéndeme”, “Ella” e “Tengo que ser feliz”, posizionando la cantante tra quelle a più grande richiesta e Rosa María come un compositore dalla scrittura elegante. Le quattro ballate fanno parte del primo album musicale di Mery Mers, intitolato “Todo ternura”.

È opportuno indicare che il suo parente, Rolando Padrón, era proprietario di una fiorente casa discografica in quegli anni.

Già portando sulle spalle una certa esperienza, ha composto quasi tutti i brani che hanno costituito la seconda produzione musicale della sorella, intitolata “No quiero más”, di cui si sono distinte, oltre al titolo che identifica questo album, “Frente a Frente”, “Que creiste tu”, “Perdí lacostumbre” e “La derrota”.

Dopo i risultati favorevoli di questo ultimo album, il nome di Rosa María Padrón ha cominciato a prendere il volo e altri cantanti si sono lanciati a caccia delle sue opere. In questo modo cessò di essere l’esclusiva compositrice della sorella Mery per soddisfare le richieste di Edilí, che incise le ballate “Dile” e “Perdóname”, quest’ultima registrata di recente da Diomary La Mala, e Dhariana, alla quale ha consegnato “Señora de nadie”.

Nel 1981 Rosa María Padrón si iscrive all’Università Autonoma di Santo Domingo (UASD), presso la quale si laurea nel 1986 con un dottorato in Odontoiatria. È proprio per dedicarsi all’esercizio della professione universitaria che ha messo in pausa la sua promettente carriera sul piano autoriale. Tuttavia, non ha mai smesso di comporre.

“I miei studi all’UASD e poi l’inizio della mia carriera in odontoiatria mi hanno allontanato dalla musica, anche se continuavo a scrivere canzoni”, ha chiarito.

Sostiene le sue parole con i fatti, perché, dopo un lungo periodo d’inattività, Mery Mers è tornata sul palco e per questo ha ricevuto il naturale sostegno di Rosa María, che questa volta ha fornito le sue composizioni “Bala Perdida”, “De Luto”, ” Nudo”, “Dancing”, “Quiero quedarme sola”, “Pecadora” e molti altri.

Sposata con Jorge de los Santos, dal quale ha avuto i figli Gabriela, che oltre a essere pubblicista e intrattenitrice, è compositrice, cantante e musicista, Rocío, formata in amministrazione e marketing nel settore del turismo, e Jorge, dottoressa e studia psichiatria, Rosa María porta nel cuore l’effervescenza che l’ha portata a mescolare versi e melodie con bei risultati.

“Non ci si separa mai dall’arte perché è qualcosa che si porta dentro, come il DNA. Continuo a fare canzoni con testi migliori, con il nutrimento nell’anima che le esperienze di vita ti danno”, ha espresso per registrare che la sua ispirazione rimane intatta e che è nella posizione migliore per alimentare il repertorio di cantanti e gruppi musicali che desiderano per aggiungere canzoni di buona qualità al loro repertorio.

Luciano Pavarotti arriva a Hollywood. È cominciata a Los Angeles la cerimonia per la presentazione della stella dedicata al grande cantante d’opera, scomparso nel 2007 a 71 anni, e posta sull’iconica Walk of Fame al numero 7065 di Hollywood Boulevard.

Nel corso dell’evento verranno mostrati due video: uno riguarda il Requiem di Verdi cantato da Pavarotti con l’Orchestra sinfonica di Roma. ll secondo è quello del recital che il cantante tenne alla Scala nel 1983 con il pianista Leone Magiera. Le proiezioni sono in programma oggi all’Aero Theater e, domani, al Warner Grand Theatre di San Pedro.

Le parole emozionanti della figlia Cristina

Emozionata, con un filo di voce, Cristina Pavarotti, figlia del grande cantante Luciano Pavarotti, scomparso nel 2007, è salita sul palco a Hollywood Boulevard per la cerimonia di insediamento dell’artista sull’iconica Walk of Fame.

La stella dedicata a Pavarotti è stata appena scoperta all’altezza del numero 7065 della strada delle celebrità, tra La Brea e Sycamore Avenue. “Quando sento ricordare mio padre – ha ricordato la figlia di Pavarotti – e penso alle cose realizzate e alle strade che ha aperto e alle tante emozioni date e ricevute, provo un senso di vertigine. E’ un grande onore rappresentarlo in questa bellissima occasione, e non so dirvi quanto vorrei che fosse qui con noi, ma questo non è dato neanche alle stelle”.

“Ricordo – ha continuato – quando in camerino, felice ma stanco e affamato, e a volte ancora con il costume di scena, restava per ore a firmare autografi per non scontentare neanche uno dei suoi ammiratori. Lo rivedo una sera sul palco di fronte al pubblico che non sapeva cosa aspettarsi e lo aveva accolto con freddezza e lui accettare la sfida e condurre il pubblico brano dopo brano, come in un rituale di corteggiamento”.

“O quando – ha continuato, con la voce rotta dalla commozione – a chi doveva superare una prova offriva un bicchiere d’acqua, una battuta e permettere a chi era in difficoltà di riprendere fiato o distendere un po’ i nervi, oppure lo rivedo una sera completamente afono in mezzo a una distesa di pasticche fare no con la testa al direttore del teatro che insisteva per annunciare la sua indisposizione, ma lui diceva che si canta o non si canta e non ci sono scuse, e poi canto’ come un funambolo sul filo, meraviglioso”.

“Da queste poche parole – ha concluso Cristina Pavarotti – credo si capisca bene che di mio padre sono stata una fan, una fan senza dubbio molto fortunata, per cui concedetemi di ringraziarlo per tutte le volte che dalla seggiola di un palco, o dalla poltrona in cui ero seduta, con le tante sfumature del suo canto, per una frase struggente, con un pianissimo o un acuto squillante, mi ha acciuffata al volo e mi ha portata in alto in alto”.

agi.it

La canzone napoletana classica nacque  all’inizio dell’Ottocento, forte dei brani di cantanti e, soprattutto, dei parolieri, per lo più napoletani, anche però con i fondamentali  apporti degli illustri cantanti lirici del tempo.

Per essere esatti, molte fonti sono concordi nel dire che sia il 1839 l’anno di nascita della propria canzone napoletana. Non che in precedenza Napoli non avesse avuto una cultura musicale già nota, anzi, la musica nel folklore partenopeo è sempre stata molto fiorente e permise il nascere di numerosi brani popolari, anche se, in realtà, si trattava di brani musicali e canzoni differenti ma possiamo dire che la musica popolare prima  dell’Ottocento ancora non presentava la struttura lirica tipica di quella che venne poi riconosciuta  come la canzone napoletana classica. La questione delle origini della canzone napoletana presenta, infatti, diverse matrici dalle quali potrebbe essersi sviluppata. La tendenza più comune la vuole nata dai campi delle lavandaie di Antignano che, risalendo all’alba la collina del Vomero, solevano cantare ‘’Jesce sole’’ tutte insieme, anche per esorcizzare la stanchezza dalle fatiche. Ed è nel 400 che Alfonso d’Aragona istituì la sua prima scuola musicale ufficiale, cosicché da Napoli si diffuse in tutta Italia la ‘’villanella napoletana’’, anche se quelle veramente napoletane e non ‘’alla napoletana’’ furono pochissime perché sottendevano necessariamente alla conoscenza della musica. Nacque  nel 600 ‘’Fenesta ca lucive’’ e ‘’Michelemmà’’, la prima venne attribuita a Vincenzo Bellini e l’altra a Salvator Rosa. Nel diciassettesimo e diciottesimo secolo la tradizione popolare ci venne trasmessa attraverso musicisti come Cimarosa, Paisiello e Pergolesi che solevano inserire nei loro spartiti brani di canzonette per vivacizzare le loro opere.

Il 7 settembre del 1839, venne presentata per la prima volta la canzone ‘’Te voglio bene assaje’’ alla Festa di Piedigrotta, il cui testo fu scritto da Raffaele Sacco mentre Filippo Campanella ne creò la musica. La canzone riscosse un successo clamoroso, si vendettero oltre 180.000 copielle, ovvero fogli con scritto il testo della canzone, attirando così l’attenzione di molti editori. Leggenda volle che, più tardi, si diffuse la notizia che l’autore del testo fosse stato in realtà Gaetano Donizetti. Come non ricordare Enrico Caruso, tra i primi agli inizi del ‘900 a portare il genere all’attenzione del mondo. Un attento studio della canzone italiana non può prescindere dall’analizzare la storia e l’evoluzione della musica napoletana, verso la quale la musica nazionale è in grandissimo e riconosciuto debito. Negli anni, l’appuntamento della Festa di Piedigrotta si dimostrò sempre più un importante momento di sperimentazione dei nuovi pezzi della canzone napoletana classica e del lancio degli stessi nel panorama musicale. Ma solo verso la fine del secolo e con l’avvento di musicisti come De Leva, Costa, Gambardella, De Curtis e poi Nardella, Tagliafini, E.A. Mario e poeti come Di Giacomo, Capuano, Bovio, Murolo, Nicolardi, ancora E.A. Mario e Russo che poi nacque il mito della canzone napoletana. Proprio a seguito di una discussione con Ferdinando Russo, si raccontò che anche Gabriele D’Annunzio si fosse cimentato nella stesura di un brano della canzone napoletana ‘’A Vucchella’’, per dimostrare la sua capacità di scrivere in lingua napoletana.

Nella prima metà del Novecento, la canzone napoletana trovò il suo massimo splendore e si diffuse anche all’estero grazie anche alle interpretazioni eseguite dai maggiori cantanti lirici del tempo. Nel Secondo dopoguerra, altri importanti poeti e parolieri contribuirono a mantenere viva la canzone napoletana, nonostante le difficoltà, a seguito delle ferite profonde provocate dalla guerra anche alla città di Napoli. Tra i personaggi più illustri si deve ricordare, senza dubbio, il grande Totò con ‘’Malafemmina’’ ma anche Renato Carosone. Quest’ultimo, pianista classico e jazzista, fuse le sue conoscenze musicali afroamericane con la musica napoletana creando un nuovo tipo di macchietta, più adeguata ad un’epoca di continuo cambiamento. La macchietta, già diffusa a fine Ottocento, è stata una modalità di esecuzione della canzone napoletana che  prevedeva la descrizione di personaggi e situazioni in modo molto caricaturale. I maggiori autori e interpreti del genere furono Nicola Maldacea, Nino Taranto e Vittorio Marsiglia.

Negli anni Sessanta poi nacque  il Festival di Napoli, antecedente al Festival di Sanremo, che impose così la canzone napoletana ad ampio raggio lungo penisola italica. Grazie al Festival, emersero personaggi importanti come Sergio Bruni, Mario Abbate, Angela Luce, Giacomo Rondinella, Aurelio Fierro, Nunzio Gallo, Mario Trevi, Tony Astarita, Maria Paris, Mirna Doris e Mario Merola. Con il Festival di Sanremo, a questi nomi poi si affiancarono anche altri grandi interpreti come Domenico Modugno, Claudio Villa, Carla Boni, Wilma De Angelis, Ornella Vanoni e personaggi di scena, quali Renato Rascel, Franco Franchi, Nino Taranto e Oreste Lionello. Tantissime furono le canzoni note al grosso pubblico e, volendo fare un breve elenco, se ne possono annoverare alcune come ‘’Cicerenella’’, ‘’Lo Guarracino, la già detta ‘’Te voglio bene assaje’’, ‘’Santa Lucia’’,’’Funiculì Funiculà’’,’’Era de maggio,’’O sole mio’’,’’I’ te vurria vasà’’,’’Torna a Surriento’’,’’Comme facette mammeta’’,’’Tarantelluccia’’,’’Core ‘ngrato’’,’’Niní Tirabusciò,’’ ‘O surdato’nnamurato’’,’’Reginella’’,’’Passione’’,’’Dove sta Zazà?’’,’’Tammurriata nera’’,’’Anema e Core’’,’’Malafemmena’’,’’Maruzzella’’,’’Chella llà’’,’’Caravan Petrol’’ e tante altre ancora. Durante il periodo d’oro degli anni Sessanta nacquero anche delle ‘’fusion’’ musicali come quelle di Peppino di Capri che, appunto, fuse melodie partenopee con ritmi musicali stranieri, oppure Roberto De Simone che mescolò  la musica colta recuperando il folklore napoletano.

Dopo gli anni Settanta, la situazione cambiò molto, i parolieri provennero dallo stesso strato sociale popolare degli appassionati della canzone napoletana e, conseguentemente, ci si allontanò da quell’opera cantata classica, iniziando così la nuova epoca dei cantanti napoletani neomelodici, primo fra tutti Nino D’Angelo, a cui faranno seguito, con delle differenze, Gigi Finizio, Gigi D’Alessio, Sal Da Vinci e poi altri ancora. Una particolare menzione va riconosciuta anche a Renzo Arbore che, con la sua orchestra e le sue rivisitazioni musicali, ha contribuito a portare il nome di Napoli e la canzone napoletana ovunque nel mondo.

Fernando Echavarría non è stato solo un compositore di successo, ma anche un creatore, che per le sue idee geniali ed effervescenti merita il merito di essere considerato il vero padre del genere fusón.

Fernando Arturo Echavarría Acosta è nato a Santo Domingo, Repubblica Dominicana, venerdì 14 agosto 1953, unico figlio del musicista, compositore, comico, pubblicista e produttore di programmi televisivi Braulio Valentino Echavarría Gonell, il popolare Babín Echavarría (La Vega, R.D., 22 dicembre 1923-2004) e la dott.ssa Rosa Isabel Del Carmen Acosta García. Il padre si è affermato come personaggio pubblico grazie ai programmi televisivi “La hora del moro” e “La taberna de Babín”, mentre Doña Isabel, nata a New York, “sebbene più dominicana di chiunque altro” (come Fernando), praticava la medicina e grazie al suo brillante lavoro di professoressa, presso l’Università Iberoamericana (UNIBE) è stata dichiarata Professore Meritorio, nel 2011. Doña Isabel ha anche insegnato presso l’Università Nazionale Pedro Henríquez Ureña (UNPHU).

L’infanzia, l’adolescenza e l’età adulta di Fernando sono state divise tra i settori Don Bosco, San Carlos e Gascue della capitale. Nella casa numero 14 di via San Francisco de Macorís, nel quartiere di Don Bosco, trascorse il suo primo decennio di vita e nella casa segnata con il  18 (secondo livello), di via Caonabo, a Gascue, arrivò nel 1965, essendo tappe segnate per la felicità fornita dalle coccole dei suoi genitori e dei suoi nonni, a cui si aggiungeva l’affetto degli amici d’infanzia, con i quali si divertiva a giocare a palla, passatempo interrotto quando i suoi genitori lo obbligavano a prendere lezioni di pianoforte, a cui obbediva, ma non senza brontolare.

Riconobbe che il suo amore per la musica, il buon senso dell’umorismo, la sensibilità e la cavalleria erano ereditati da Don Babín e rispetto a lui, come compositore, si considerava un apprendista, mentre da Doña Isabel, che descriveva come ciò che amava di più e la sua compagno eterna, ricevette integrità, tenacia e onestà. Era un sentimento sublime tra madre e figlio, e l’amore filiale punteggiava l’intero ambiente emotivo che circondava Fernando.

Vedendolo perdere troppo peso, quando aveva solo cinque anni, i suoi genitori lo portarono all’ospedale Mondaina di New York, e lì scoprirono la radice della sua condizione fisica: Fernando era diabetico. Da allora ha lottato con questo problema di salute, anche se ha potuto affrontarlo con molta calma, avendo la madre come medico di famiglia.

Fernando ha frequentato la scuola primaria alla San Juan Bosco e la secondaria alla San Luis Gonzaga e poi ha iniziato a studiare Architettura all’Università Autonoma di Santo Domingo (UASD), che è stata poi chiusa per le turbolenze politiche del governo di turno, e ha proseguito la sua formazione professionale presso l’Universidad Central del Este (UCE) e l’UNPHU. Ha frequentato anche alcuni semestri del Corso di Laurea in Comunicazione Sociale, nelle aule uasdiane.

Nella sua giovinezza si è appassionato alla fotografia, che ha condiviso con il suo vicino e in seguito illustre artista del settore, Héctor Báez Morillo, e ha persino installato un laboratorio per sviluppare immagini in bianco e nero.

Fernando è stato un bravissimo fumettista e come tale ha lasciato un segno di qualità nella grafica pubblicitaria, realizzando loghi, copertine di album e locandine per le più svariate aziende. In questo senso è stato direttore creativo delle agenzie Pablo Chez & Asociados, Young & Rubicam Damaris, Publicitaria Latina, Interamericana e culminato in Cumbres, unendosi alle persone dirette da Freddy Ginebra. Successivamente, ha lavorato come produttore associato per le case discografiche WEA Latina e Kubaney fino a fondare finalmente la sua casa editrice.

È opportuno sottolineare che il talentuoso artista ha saputo conciliare il suo lavoro pubblicitario con i suoi impegni musicali e ha sempre onorato le sue responsabilità in entrambi i settori.

Alla fine degli anni ’70, mentre studiava all’UCE, a San Pedro de Macorís, e a seguito dei suoi scherzi in complicità con gli amici Tony Domínguez, Marcos Caminero, cantante popolare soprannominato Pililin, e molti altri, Fernando uscí con la sua prima composizione: “Pato robao”, che racconta un evento reale e che, nel 1980, è stata registrata a ritmo di merengue da Los Hijos del Rey, cantando Fernando Villalona e Rubby Pérez, con un contagioso arrangiamento musicale del maestro dajabonero Domingo Jiménez (Yindo). I cori sono stati registrati da Villalona, ​​​​Pérez ed Echavarría!

Nei tempi bui delle conseguenze lasciate dal ciclone David, alla fine del 1979, il gruppo di amici che stavano provando nella galleria della casa della madre di Fernando iniziò una “peña”, idea di César Guerrero, che suonava il clavicembalo e recitava come corista e la cui partecipazione al gruppo fu piuttosto breve. Quell’incontro divenne la pietra angolare, l’incentivo supremo per gli altri membri, inavvertitamente, e diede forma a ciò che il futuro avrebbe riservato loro musicalmente.

Questi ragazzi inquieti ai loro inizi si appoggiavano al loro repertorio di sole 9 canzoni: “María Elena”, “El fiao”, “Morena”, “Pato robao”, “Candelo”, “Teresa”, “Magdalena”, “Amigo Sol” e “Traigo flores”,

Tutte le composizioni di Echavarría hanno avuto un impatto sin dalle prime presentazioni in cui il pubblico ha potuto vederle in televisione. Da quel gruppo di giovani della borghesia, abitanti di Gascue e che non avevano alcun legame con i quartieri di periferia, che sono sempre stati i luoghi in cui si suonava e si ballava il “son”, si può dire che ne derivò una atipica nascita musicale, ma la sua accettazione fu quasi immediata, anche se con le solite voci dissenzienti.

Fernando, che si è sempre definito un amante delle meraviglie della vita e del fascino delle donne, nonostante porti nelle vene l’arte musicale, soprattutto per via del padre e dello zio materno e rispettato maestro Manuel Sánchez Acosta (Santiago de los Caballeros, Santiago , R.D., 18 agosto 1914-New York, USA, 19 aprile 2006), si può dire che la sua incursione nell’ambiente musicale sia stata una coincidenza, dal momento che il suo cammino era l’Architettura, carriera che dovette abbandonare quando il suo i problemi di vista sono peggiorati. Abbraccia così l’esercizio della pubblicità, diventando direttore creativo della prestigiosa agenzia Young & Rubicam Damaris, dove condivide ruoli da protagonista con i suoi amici e anche rinomati cantautori Víctor Víctor (Santiago, R.D., 11 dicembre 1948-Santo Domingo , R.D., 16 luglio 2020) e José Antonio Rodríguez, che lo ha incoraggiato a scaldare il suo talento musicale.

Scriveva canzoni fin da bambino e un giorno decise di registrarne alcune in compagnia dei suoi amici più cari ed era presso gli studi EMCA, della suddetta compagnia pubblicitaria, situata ad Arroyo Hondo, dove accadde quello e poi Vitico e José Antonio lo incoraggiarono ad apparire nei programmi televisivi più popolari.

Dal 1981 i “ragazzini” di Gascue hanno assunto un genere musicale che ha messo radici a Borojol, hanno osato lasciarsi coinvolgere da un ritmo che era visto come “musica d’altri tempi” ed è così che hanno ottenuto un suono in cui jazz, cumbia, bachata , merengue, guaracha, plena, bomba e, ovviamente, son, si uniscono per dare il via a un’interessante fusione che, per necessità, richiedeva una propria carta d’identità musicale.

In origine, il gruppo era composto da sette membri e tutti cantavano, formando un cerchio chiuso attorno a Fernando Echavarría, voce principale, clavicembalo e autore del repertorio essenziale: Carlos Jansen, chitarra solista, cori, direttore musicale, creatore dell’armonia musicale e voci che hanno dato la loro impronta al gruppo nelle prime produzioni, essendo anche l’arrangiatore delle prime composizioni di Echavarría; Juan Carlos Gómez, chitarra e cori, César Guerrero, cori e clavicembalo; Gustavo Ubrí, bongó e percussioni minori, cori, cantautore e responsabile dell’allestimento di presentazioni al pubblico; Emilio Pérez, contrabbasso, cori e cantautore; Carlos Mario Echenique Bojos, chitarra, tastiera, armonica, cori; e Julio Grisanty, congas e percussioni brasiliane.

Da notare che erano tutti studenti universitari: Echavarría, Echenique, Pérez e Ubrí, di Architettura (UNPHU e UCE); Jansen, di ingegneria elettromeccanica (UASD); Vargas e Grisanty, di Marketing, presso l’istituto universitario Acción Pro Educación y Cultura (APEC). Grisanty è stato anche iscritto alla carriera di Economia Aziendale.

In mezzo a tutto questo, un grande dilemma si è scatenato non appena questo giovane gruppo ha fatto irruzione nell’ambiente artistico suonando qualcosa che sembrava essere, ma non lo era affatto, e il processo di una definizione accurata è stato preceduto dalle critiche dei puristi che rifiutò il modo non tradizionale di suonare il son, sostenendo, tra l’altro, che né la güira né la tastiera appartenevano alla famiglia di strumenti son. Non dubitiamo che ci sia stato anche chi ha voluto squalificarli per via dell’origine di quei audaci ragazzi.

“Nel 1981, quando uscivamo nel mondo dello spettacolo, la nostra musica e le nostre canzoni, fatte da dilettanti, ma con il cuore, come diceva mio padre, non avevano classificazioni da mettere nei media; né come ritmo né come genere”, ha espresso con parole che ha riflettuto nell’opera “La vera chiave del fusón: 33 anni di musica di Fernando Echavarría e La Familia André”, di Gustavo Ubrí, pubblicata nel 2013 e il cui contenuto è servito come fonte principale per questo articolo.

Perseguendo una parola che definisse ciò che facevano, Fernando coniò il termine “Son-plé”, che alludeva alla mescolanza di son e plena, così presente nei primi brani del gruppo e quindi questa identità si è mantenuta per circa cinque anni. La creatività di Echavarría, senza disdegnare l’apporto di diversi membri del suo emblematico gruppo, lo portò a sperimentare diversi generi musicali e forse senza volerlo, poiché è ovvio che il suo obiettivo era quello di suonare i sones, stava germogliando qualcosa di nuovo che poi battezzò come fusón. In effetti, la prima volta che fu usata quell’espressione, che è una variabile per “fusion”, fu quando registrò la sua produzione “Caribe Fusón”, con l’etichetta Kubaney, nel 1986.

È molto divertente come sia nato il nome di questo gruppo guidato dal cantautore allampanato:

“Tutto è iniziato perché ogni volta che chiamava il suo amico Juan Carlos Gómez, anche lui un pubblicista di successo, cambiava nome e diceva André; allo stesso modo Gómez soprannominò Fernando, “el Rubio”. Quindi, gli altri amici che si sono riuniti a casa di Echavarría per chiacchierare e cantare le sue composizioni hanno scherzato tra loro e hanno aggiunto André a ogni nome come riempitivo. Seguendo questa dinamica, Fernando divenne Fernando André, Gustavo Ubrí si identificò come Gustavo André, Carlos Mario Echenique come Carlos Mario André, Carlos Jansen era Carlos Jansen André e così via.

Ivette Otero, che all’epoca era la conduttrice del bollettino meteorologico del Noticiario Teleantillas e, allo stesso tempo, studentessa di medicina all’UNPHU, vide la sua insegnante, Isabel Acosta, ascoltare un nastro (una delle cosiddetti cassette) con una registrazione che conteneva diverse canzoni che Fernando e i suoi amici provarono, lasciando Otero estremamente colpita dal ritmo e dalle melodie, al punto che parlò con Aquiles Durán, allora direttore del programma Fiesta di Teleantillas, in modo che potesse vedere e ascoltare quei ragazzi.

Su invito di Durán, il primo giorno di agosto del 1981 hanno partecipato al suddetto spazio televisivo, presentato da Ramón Aníbal Ramos (Ingenio Angelina, San Pedro de Macorís, R.D., 19 gennaio 1945-New York, USA. , febbraio 23, 2021) come Fernando Echavarría & Sus Amigos, e in quell’occasione cantarono “Amigo Sol”, provocando un tale impatto che a grande richiesta furono inseriti nel cast regolare del canale e vi rimasero per tre anni consecutivi.

A due mesi da quel debutto televisivo e su segnalazione di Freddy Ginebra, il gruppo si esibisce dal vivo per la prima volta davanti al pubblico, nella magica e accogliente Casa de Teatro, condividendo i riflettori con il gruppo Modulo, guidato dal cantautore José Antonio Rodríguez, in un incontro fraterno con gli studenti dell’UASD e dell’UNPHU, durante il quale è stato reso omaggio all’immenso muralista spagnolo José Vela Zanetti (Milagros, Burgos, Spagna, 27 maggio 1913-Milagros, Burgos, Spagna, 4 gennaio 1999) . Tra il pubblico c’era Sommer Carbuccia (Santo Domingo, R.D., 1953-Santo Domingo, R.D., 28 luglio 2020), che ha prodotto il programma “Lope Balaguer en Romance”, ha invitato Echavarría ei suoi amici in questo spazio televisivo.

La popolare cantautrice Olga Lara ha lavorato come presentatrice nel programma Lope Balaguer (Santiago, R.D., 22 agosto 1925-Santo Domingo, R.D., 29 gennaio 2015), e prima della partecipazione del gruppo, il talentuoso artista di Azua ha chiesto il nome di ogni membro e loro, abituati a scherzare con Fernando, si sono formalmente identificati e hanno concluso con il “cognome” André, per il quale il produttore del programma, Carbuccia, ha ordinato che fosse messo sullo schermo il seguente titolo: Invitato Speciale, Fernando Echavarría e La famiglia André.

Il maestro Dioni Fernández è entrato poi in scena per portare Echavarría all’etichetta discografica di Bienvenido Rodríguez, presidente della compagnia Karen Records. Rodríguez ed Echavarría concordarono e iniziarono a registrare quella che alla fine divenne la prima produzione discografica del gruppo, sotto la direzione musicale di Fernández.

Gli ultimi mesi del calendario del 1982 stavano scivolando via e con la sua prima produzione mixata e masterizzata, cioè finita, per il leader venne il dilemma, che non aveva mai avuto intenzione di battezzare il gruppo con il suo nome personale, come avveniva nelle presentazioni che fino a quel momento avevano fatto. Nasce così ufficialmente La Familia André, che intreccia una catena di successi sui mass media (iniziata con “María Elena”) e ottiene subito il premio El Dorado per la Rivelazione dell’anno.

Una curiosità: José Antonio Rodríguez è stato un chitarrista de La Familia André e con esso si è recato ad Haiti nel 1982, anno in cui il gruppo si è esibito anche a Curaçao.

Nel 1983 Jansen, Gómez, Pérez e Ubrí se ne andarono, lasciando soli Echavarría, Vargas ed Echenique, una separazione che ha avuto la sua genesi proprio nell’informalità o spontaneità con cui erano raggruppati e nelle priorità accademiche degli uscenti, che entrava in contraddizione con chi è rimasto, perché chi ha abbandonato la nave voleva mantenerla in navigazione in ambito culturale, mentre gli altri volevano condurla in altri mari più profondi ed esplorare così nuovi orizzonti commerciali. In altre parole, alcuni vedevano il gruppo musicale come intrattenimento e altri come qualcosa di molto più ambizioso.

“Quella separazione era basata sull’ego e sulla vanità, su sentimenti che a volte diventano meschini. A quel tempo Víctor Víctor era il mio sostegno, ha avuto una grande carriera e, sulla base del suo esempio, mi ha dato consigli per superare ciò che stavo soffrendo. Volevano separarsi dal gruppo e io non volevo, in quel momento vedevo tutto come un abbandono. Il tempo è passato e siamo gli stessi”, ha raccontato alla giornalista Yulissa Matos, in un’intervista pubblicata sul quotidiano El Caribe, nel febbraio 2013.

Dopo quella rottura, La Familia André è stata integrata da Pedro Peralta (Chichí), congas, tambora e percussioni minori; Iván Carbuccia, chitarra elettrica e acustica; Freddy Simó, coro, chitarra e cuatro venezuelano; Jordi Masalles, bongo e percussioni minori; e Roberto Bello, basso e violino. Echenique ha sostituito Jansen come direttore musicale.

Successivamente, il pluripremiato campione di motocross Héctor Cordero (el Mime), bongó e percussioni minori hanno sfilato attraverso la popolare band; René Geraldino, chitarra e cori; Juan Francisco Ordóñez, chitarra; Miguel Ángel Muñoz (Tato), contrabbasso e cori; Carlos Manuel Fatule, tastiera e cori; Luis Pérez, chitarra elettrica; Pachy Carrasco (Santo Domingo, RD, 11 maggio 1968-Santo Domingo, RD, 4 gennaio 2016), chitarra e cori; Alberto Martínez, Ángelo Reyes e Daniel Álvarez, tra gli altri.

Va notato che con La Familia André hanno registrato il trombettista Fermín Cruz (Tenares, Salcedo (oggi Hermanas Mirabal), R.D., 29 novembre 1955 – Santo Domingo, R.D., 4 marzo 2017), il bassista Joe Nicolás, i percussionisti José e Tony Lucía, Okil Medrano e Luis Delgadillo (Santo Domingo, R.D., 12 settembre 1949-Santo Domingo, R.D., 6 febbraio 2020), l’indimenticabile Rebuca, nei panni dei coristi Frank Ceara e Henry García. Anche i nomi di Dioni Fernández, Jaime Querol e Jesús Abreu Tejada (Gury) compaiono nei titoli di coda come arrangiatori.

Fernando, che credeva in Dio con grande fervore, apprezzava molto l’amicizia ed era orgoglioso di mantenere i suoi amici d’infanzia, oltre a fungere da legame, tanto che dal 2005 li raccolse nella casa di sua madre e lì hanno parlato di cose diverse e si sono divertiti a raccontare le loro esperienze, a guardare film e ad ascoltare musica. Quell’incontro si sviluppò normalmente, con o senza Echavarría.

Senza dubbio, La Familia André riorientò i modelli di cultura del son (perché, in fondo, quello che facevano era basato sul son) che prevalevano allora, penetrando in ambiti impensabili per il pubblico che tradizionalmente seguiva questo contagioso genere musicale e ottenendo l’applauso in locali esclusivi che prima erano molto riluttanti a dare opportunità ai musicisti di questo genere, come Santo Domingo Country Club, Casa de Campo, Casa de España, Hotel Naco e persino campus universitari come UNPHU, APEC, UNIBE, la Pontificia Universidad Católica Madre & Maestra (PUCMM) e l’Istituto Tecnologico di Santo Domingo (INTEC).

Sebbene molto apprezzato in patria, il posto per eccellenza di Fernando Echavarría è stato la Colombia, dove la qualità della sua proposta ha ricevuto il via libera, forgiando lì una grande legione di seguaci de La Familia André. Ha sempre mostrato la sua gratitudine verso il pubblico colombiano e ha lasciato una testimonianza che doveva molto del suo successo a quel sostegno e che amava la Colombia quasi come il suo paese.

Per il Festival de Música del Caribe, svoltosi a Cartagena, Colombia, nel 1988, con la partecipazione di circa 20 paesi, Fernando Echavarría e La Familia André, le cui canzoni erano di gran moda in quella nazione sudamericana, senza che i loro membri ne conoscessero i dettagli, furono contattati dal Ministero del Turismo colombiano. Quando sono apparsi, la folla li ha applauditi in delirio e si sono rivelati i più popolari. La fortuna è cambiata da quel momento e la Colombia è diventata un posto indispensabile nell’agenda di questo gruppo musicale.

Fernando Echavarría ha composto un gran numero di canzoni, che ha reso popolari con la propria voce come cantante principale de La Familia André, tra cui è inevitabile sottolineare: “María Elena”, “El fiao”, “De oro”, “Teresa”, “¿Dónde e’ que e’?”, “Morena”, “Marcela”, “Algarabía”, “Qué pena”, “Nandé”, “Candelo”, “Bacán sonero”, “Amor, amor, amor”…

Ma allo stesso modo è notevole il fatto che le sue opere siano state registrate da altri importanti cantanti e orchestre, tra cui: Los Hijos del Rey (“Pato robao”, cantando Fernando Villalona y Rubby Pérez), Rafael Solano & Su Orquesta (“El fiao” y “Traigo flores”), Dioni Fernández & El Equipo (“Veneno” y “Pepe el gomero”, cantando Charlie Rodríguez, e “Morena”, con la voce di Sergio Vargas, quien también le grabó “Despacito”), Los Kenton (“Algarabía”), Sonia Silvestre (San Pedro de Macorís, R.D., 16 de agosto de 1952-Santo Domingo, R.D., 19 de abril de 2014) (“Sin competencia”), Henry García (“Marcela”), la peruana Betty Missiego (“De oro”) e, tra gli altri, il gruppo spagnolo Sin Fronteras (“¿Dónde e’ que e’?”).

Le sue canzoni si distinguono nei films “Nueva York Under Cover” “Miami vice”, “Hunter”. In “Sliver”, con protagonista Sharon Stone, dove suona “Soy Caribe” e nella telenovela “Gardenia” dove il tema principale è il fusón “Sóplame”, tutti interpretati da Echavarría con il su emblematico gruppo musicale.

Allo stesso modo, La Familia André ha avuto una notevole partecipazione nel film documentario “Sol Caribe”, insieme a Johnny Ventura (Santo Domingo, R.D., 8 marzo 1940-Santiago de los Caballeros, Santiago, R.D., 28 luglio 2021), Joseíto Mateo (Paraje Juana Brava, San Isidro, Santo Domingo, R.D., 6 aprile 1920-Santo Domingo, R.D., 31 maggio 2018), Francis Santana (Santo Domingo, R.D., 20 giugno 1929-Santo Domingo, R.D., 11 gennaio, 2014), El Cieguito de Nagua (La Jagüita, Cabrera, María Trinidad Sánchez, R.D., 10 gennaio 1947-Brooklyn, New York, USA, 27 marzo 2020), Sonia Silvestre, Cuco Valoy, José Manuel Calderón, Francisco Ulloa, Luis Segura e Fefita La Grande, diretti dal maestro Jorge Taveras.

Nel 1987 Fernando Echavarría e La Familia André, con gli arrangiamenti del maestro Jorge Taveras, incisero una produzione musicale dall’aria sinfonica. Si chiamava “Fusón sinfonico” e lì radunò il seguente repertorio: “Mi vieja”, “De oro”, “Pato robao”, “Nandé”, “”El fiao”, “Qué pena” e “María Elena”.

A tal fine, nel 2001 Echavarría e la sua band hanno presentato al Teatro Nazionale il concerto “Son de Gala”, accompagnati dall’Orchestra Sinfonica Nazionale, diretta per l’occasione dal maestro Amaury Sánchez.

Memorabili anche i grandi concerti ad Altos de Chavón (2009) e in Hard Rock Café (2011) e vale la pena notare che Fernando ha condiviso il palco con star internazionali come Willie Colón, Rubén Blades, Gilberto Santa Rosa, Oscar De León, Lucecita Benítez, Andy Montañez, Carlos Vives, Jerry Rivera, Joe Arroyo, Henry Fiol, Son By Four e altri artisti famosi.

Molte persone non sanno che Fernando Echavarría ha registrato una produzione musicale salsa, nel 1993, quando la casa discografica Kubaney, di proprietà dell’imprenditore cubano Mateo San Martín (L’Avana, Cuba, 1930-Miami, Florida, USA, 22 dicembre, settembre, 2014), avendo come produttori musicali il maestro Isidro Infante e Ramón Rodríguez, leader del Conjunto Clásico. Questa produzione è intitolata “Alto contraste” e contiene “Tú me revuelves la piel”, “Sígueme queriendo”, “Candelo”, “Desde que te fuiste”, “Chapoteando”, “Blanco papel”, “Teresa” e “Ella me dejó”.

Per la sua brillante carriera musicale ha ricevuto diversi premi, omaggi e riconoscimenti, tra i quali: dai suoi colleghi della Società Generale degli Autori, Compositori ed Editori di Musica Domenicani (SGACEDOM), nel 2006, Casandra al Merito, dall’Associazione di Art Chroniclers (ACROARTE), nel 2008, è stata dichiarato Riserva Musicale Dominicana, dal Banreservas, e “Valore Culturale Dominicano”, dal Ministero della Cultura (questi ultimi due riconoscimenti, concessi nel 2011). Allo stesso modo, ai Luna Awards, a Barranquilla, in Colombia, è stato premiato come “Artista più influente nella musica colombiana negli ultimi 20 anni”.

Condivido qui la discografia essenziale, fatta eccezione per le compilation, di Fernando Echavarría & La Familia André, segnalando i brani che sono di altri autori, in co-autorialità e che sono versioni realizzate dal leader di questo gruppo musicale (tutti gli altri sono i suoi testi e la sua musica):

Fernando Echavarría y La Familia André (1982), Karen Records: “María Elena”, “Las Flores”, “Morena”, “Magdalena”, “Candelo”, “Mariposa” (Juan Carlos Gómez-Fernando Echavarría), “Teresa”, “Pato robao”, “Amigo Sol”, “Arcoiris” (Carlos Jansen), “El fiao” e “No sé” (Emilio Pérez).

Fernando Echavarría y La Familia André (1983), Discos Bello: “Bajo la Iluvia”, “Veneno”, “Triste decisión (Mi macuto)” (Gustavo Ubrí), “Lo prohibido” (Juan Carlos Gómez-Fernando Echavarría), “Amor, amor”, “El pregón”, “Pepe el gomero”, “Cómo poder vivir” (Carlos Jansen), “Nada” (Gustavo Ubrí-Carlos Mario Echenique) e “Qué pena”.

De oro (1987), Karen Records: “De oro”, “Despacito”, “Marcela”, “Filosonando” (Alcione-versión de Fernando Echavarría), “Festival de pelo rubio”, “Nandé”, “Culpable”, “Mi vieja” e “Te quiero”.

“Caribe fusón”, (1986), Kubaney: “¿Por qué?”, “Oh Mañana” (Jacob Devariaux-versión de Fernando Echavarría), “Caribe (Universal)”, “Samuel”, “Marcela”, “Tantas cosas”, “Traigo alegría”, “Bajo la lluvia” e “Amo esta isla” (Pablo Milanés).

“Lunas y sueños” (1991), Kubaney: “Ula-Ulé”, “Ensueño Campesino”, “Mueve Negra”, “Sabueso”, “Kocorícamo”, “Entre lunas”, “Sóplame” e “Panela”.

“Alto contraste” (1993), Kubaney: “Tú me revuelves la piel”, “Sígueme queriendo”, “Candelo”, “Desde que te fuiste”, “Chapoteando”, “Blanco papel”, “Teresa” e “Ella me dejó”.

“Pititijinqui” (2000), RMM: “¿Dónde e’ que e’?”, “Full de amor”, “¡Ay! Pandora”, “Bacán sonero”, “Hechizo de luna”, “Soy Caribe”, “Corazón herido”, “África”, “Cintura de miel”, “Allí se esconde tu veneno”, “Cayó de la lluvia” e “Medley Fusón”.

“Sobran razones” (2003), Kubaney: “Ke Kille”, “Sobran razones”, “Yo sé”, “Elena”, “Sabueso”, “Amigo Sol”, “Lágrimas negras” (Miguel Matamoros), “Ensueño campesino”, “Panela” e “Entre lunas”.

“La.Fa.Mi”, (2013): “Amándote”, “No quiero”, “Tantas cosas”, “Agua pa’ bebe’”, “Panela”, “Te equivocas”, “Será, será”, “Ella es así (loca, loca)”, “Sola”, “¡Ay!, qué bonito”, “Panadera” e “Sabueso”.

Nel 2010 La Familia André pubblicò la canzone “Tantas cosas” nella la produzione“Los ídolos del festival”  e 2014 Fernando cantó in “Soy Colombia”, in collaborazione con il colombiano Checo Acosta, che, fino a nuovo avviso, fu la sua ultima incisione.

Nel 1983 ha sposato la signora Mercedes Eneida Marte Ramos e con lei ha avuto i figli Fernando André, che è affettuosamente soprannominato Cucú, e Madiana André. Nel settembre 2007 ha divorziato dalla signora Marte, ma ha sempre manifestato grande affetto, ammirazione e rispetto per la madre dei suoi eredi, descrivendola come una donna eccellente, adorabile e bella e ringraziandola per averlo reso padre.

A proposito, Fernando André è un sociologo e antropologo e come tale risiede in Giappone, dove dirige due sedi che lavorano nel suo campo professionale, mentre Madiana si è laureata in arti e museografia, per poi lavorare al Miami Museum of Modern Art.

Fernando ha sofferto un infarto sabato 10 ottobre 2015, nel momento in cui si preparava a salire sul palco con il suo famoso gruppo musicale en el Escenario 360, al concerto “De Dominicana pa’l mundo”, in cui ha condiviso con la talentuosa cantautrice Henya Tejada, che stava cantando in quel triste momento, e la conduttrice era Marina Frías, che, tra le lacrime, ha dovuto annunciare la tragica notizia della morte del padre del fusón.

“La più grande soddisfazione per un comunicatore è quella di poter rimanere nel tempo nella voce della gente”, una volta dichiarò, con grande maestria, il padre del fusón e ci auguriamo che queste parole servano a custodire per sempre la memoria e il lavoro di questo gigante, che ha saputo ritagliarsi un percorso verso l’eternità grazie alla sua sensibilità umana e alla qualità e varietà del suo lavoro.

Se dovessero istituire il premio per il gruppo meno “empatico” transitato nello show business mondiale, gli Eagles concorrerebbero sicuramente per le posizioni di vertice perché raramente una band è stata un coacervo così ribollente di contraddizioni, ripicche, litigi, compromessi, incoerenze e contrasti, umani prima ancora che artistici. Neppure la scomparsa di Glenn Frey, co-fondatore, cantante, chitarrista, tastierista e compositore della band, avvenuta nel 2016, è riuscita a placare questa sorta di continua inquietudine anzi, ha rinfocolato polemiche figlie di scelte spesso assai discutibili.

Ma andiamo con ordine, partendo da ciò che, tutto sommato, non si può certo mettere in discussione, ovvero la scaletta di questo doppio album dal vivo, registrato durante tre serate al Forum di Inglewood nel settembre del 2018; di fatto, e non poteva essere altrimenti, è un greatest hits che contiene quasi una trentina di brani: tutti quelli che “non-si-potevano-non-fare”, tutti quelli che il pubblico si aspettava e che, chi era presente, era andato lì per ascoltare.

Nulla da dire neppure riguardo all’esecuzione dei brani stessi che al netto del fatto di essere, almeno in certi passaggi, fin troppo fedele alle versioni originali, risulta tecnicamente e musicalmente ineccepibile; ciò che manca, casomai, è il pathos, l’emozione, laddove si ha la netta impressione che la band, inclusi i nuovi elementi, reciti un copione ormai mandato a memoria, privo di guizzi o di trovate musicali, se non innovative, per lo meno stimolanti.

Veniamo quindi alle contraddizioni, davvero tante: la band aveva affermato di voler chiudere la propria carriera, subito dopo la morte di Frey, salvo poi tornare rapidamente sui propri passi; a quel punto la maggiorparte dei fans aveva pensato che, di fronte ad un fatto umanamente così toccante, fosse possibile che i membri storici seppellissero una volta per tutte l’ascia di guerra richiamando, ad esempio, Bernie Leadon o Don Felder onde ricostituire una line-up il più possibile fedele all’originale: nulla di tutto ciò è avvenuto, tutt’altro.

L’inserimento di Vince Gill, cantante e polistrumentista country assai conosciuto negli States, e comunque assai valido musicalmente, è stata una scelta sicura, ma conservativa e tutto sommato tranquillizzante, anche in un’ottica di equilibri personali interni; l’ingresso di Deacon Frey invece, figlio di cotanto padre, è per certi versi ancora più discutibile e si presta a numerose critiche malgrado, in un’intervista radiofonica rilasciata nel 2017, il leader degli Eagles Don Henley avesse affermato: “E’ un musicista molto talentuoso e sembra adatto a quel ruolo – aveva dichiarato Henley – è entusiasta e sta lavorando sodo, con noi e per noi. Mi sembra appropriato“.

Ad oggi, non avendo ancora messo in cantiere nuovi brani insieme ai due nuovi arrivati, l’operazione è parsa, ai più, come un gesto cosmetico, finalizzato a reiterare una storia che, dagli anni ’80 sino ad oggi, ha messo in fila una serie infinita di pause, fermate, ripartenze, “arricchite” da una raffica di abbandoni, ritorni e sostituzioni da cui si sono salvati unicamente lo stesso Henley, Joe Walsh e Timothy B. Schmit.

Per essere chiari, Live from The Forum – MMXVIII, pubblicato in doppio cd e dvd, non aggiunge davvero nulla alla storia degli Eagles, e ciò pare evidente quanto incontestabile: Gill si è sicuramente ben inserito, esegue anche un brano del proprio repertorio, ma non incide, per lo meno al momento, in maniera rilevante. Stesso discorso per Frey, chiaramente troppo compresso dalla figura paterna e che, anche nei brani in cui si esibisce come solista, non pare avere ancora né il carisma nè l’impatto del genitore, specie in un contesto in cui, la ritrosia nello stare un passo indietro o addirittura l’esporsi il meno possibile, non risulta certo un fattore positivo.
Una band, anzi, tre membri storici, il figlio di un quarto membro storico, ed un gruppo di turnisti che cantano e suonano come grandi professionisti quali in effetti sono ma che, come detto, sembrano interpretare un copione già scritto.

Questo album non è certamente dedicato agli appassionati della band, ma è un “prodotto” indirizzato a chi era lì durante i concerti e desidera portarsi a casa un memorabilia di quelle serate, ai completisti, per i quali qualsiasi uscita discografica è inevitabilmente “da avere”, magari a qualche nuovo fan che, andando poi a ritroso, scoprirà certamente cose migliori. Soprattutto pare un doppio album che gli Eagles targati 2020 dedicano a sé stessi, una sorta di “We’re still here”, siamo ancora qui, volto ad esorcizzare gli anni passati, molti, ed i prossimi durante i quali questo insieme di artisti conta di navigare, seppur necessariamente a vista, finchè sarà possibile.

Se questa formazione produrrà nuova musica, coinvolgendo magari i nuovi entrati, allora sarà possibile ipotizzare un futuro, per lo meno prossimo, per questa leggenda vivente del rock mondiale; qualora ciò non succeda o, per lo meno, nel caso in cui i nuovi innesti non offrano un contributo rilevante in fase di scrittura, il rischio più evidente è che gli Eagles diventino, come hanno fatto altri gruppi, una sorta di cover-band di sé stessi, inanellando raffiche di concerti in cui riproporre all’infinito un repertorio che ha ormai quarant’anni di vita, e di farlo in maniera assolutamente conservativa, senza mai prendersi il rischio di azzardare qualcosa di differente.

Che i membri storici siano, in un certo senso, gelosi del “proprio giocattolo”, è un fatto del tutto palese e, rendere attivamente partecipi i nuovi elementi, è gesto difficile per chi ha sempre mostrato una notevole rigidità caratteriale; sarebbe tuttavia l’unico modo per dare nuova linfa ad un albero che ormai fatica a produrre nuovi germogli.

da musicalmind.altervista.org

Pochissimi lo conoscono con il suo vero nome e chi sa chi è ignora molti dettagli essenziali della sua vita personale e professionale, ma quello su cui nessuno ha dubbi è che il suo nome fa riferimento a canzoni che gli garantiscono uno spazio tra i grandi compositori di merengue.

Il suo percorso verso il successo nella scrittura di canzoni è stato preceduto da enormi periodi di carenze e sacrifici; quando però riuscì a mettere il suo nome in cima, i suoi passi si perdevano nella nebbia di un pericoloso labirinto e così si chiudevano porte che altre volte gli si aprivano.

I suoi documenti ufficiali lo registrano come Salvador Peguero, nato domenica 13 marzo 1949, a El Limón, un luogo vicino a La Cuaba, situato a Villa Mella, che allora apparteneva al Distretto Nazionale. I suoi genitori erano Octavio Morfa Aquino (morto intorno al 2003), capomastro di Bonao, e la casalinga di San Cristobal María Peguero, morta nel 1999 e che tutti chiamavano Tata. Solo l’ormai affermato compositore proveniva da quell’unione, ma aveva altri cinque fratelli, divisi tra entrambi i genitori, di cui, in questo momento, ne sono rimasti due da un padre e un’altra coppia da una madre, tre donne e un uomo, Francesco.

La sua vena artistica è ereditata dal padre, che suonava la chitarra, senza non riconoscere la madre, che cantava nelle veglie funebri. Più tardi apprese che anche suo zio paterno, Juan Morfa, era un buon musicista.

“La mia infanzia è stata una cosa terribile. Dall’età di dieci anni facevo il gelatiere, il venditore di arachidi, il lustrascarpe, vendevo semi di anacardi…”, ha espresso con una punta di amarezza non dissimulata.

Giorni dopo essersi separata dal marito, Doña Tata si stabilì con il figlio, che aveva solo otto anni, nel quartiere di Villa Consuelo della capitale. C’è stato un momento in cui sua madre, a causa di problemi con il pagamento dell’affitto, gli ha detto che sarebbero tornati in campagna (il luogo in cui è nato il premiato artista), ma una signora di nome Ana ha chiesto a Doña Tata di lasciarlo a lei perché Salvador lavorava come tornitore e tappezziere nella bottega di José, il marito di quella generosa vicino.

Intorno all’anno 1963, in via Juan Evangelista Jiménez c’era un club dove si presentavano artisti e durante una festa animata da un’orchestra Salvador si arrampicò su un muro per poter vedere e sentire quel gruppo, venendo subito colpito dalla musica, a tal punto che, pieno di entusiasmo, andò ad iscriversi al Conservatorio Nazionale di Musica, ma c’era un grosso problema: non sapeva né leggere né scrivere e doveva diventare alfabetizzato rapidamente per iniziare gli studi musicali.

Il fatto di imparare la musica è stato il motivo che lo ha spinto a chiedere aiuto all’amico Frank “el Enano”, che lo ha aiutato a muovere i primi passi nella lettura e nella scrittura della lingua spagnola. Poco tempo dopo Merele si iscrisse alla scuola dell’Honduras, nel settore María Auxiliadora, e lì studiò fino alla quarta elementare, ma per sopperire alle sue assenze dalla scuola prese la buona abitudine di leggere e divenne un divoratore di testi.

All’età di 15 anni ha iniziato la sua formazione musicale presso l’accademia situata in via Juan de Morfa, per poi passare da Luis E. Mena, davanti all’antico parco Enriquillo, fino a raggiungere il conservatorio, dove ha appreso teoria musicale e armonia, fu il momento in cui ha iniziato a suonare il basso. A proposito, i suoi insegnanti di teoria musicale e basso erano Cuso Cuevas (Barahona, R.D., 24 ottobre 1942-Santo Domingo, R.D., 15 dicembre 2019) e il musicista sinfonico Jacinto Roque Díaz.

Da Villa Consuelo si trasferì con la madre al dottor Betances angolo Luis Reyes Acosta (ex 15a strada), nel settore di Villa María, intorno all’anno 1969. Fu allora che in modo inaspettato ricevette il soprannome di Merele, di cui ha chiarito che non era a causa del popolare merengue di Los Magos del Ritmo, del maestro Félix del Rosario (San Francisco de Macorís, provincia di Duarte, R.D., 12 luglio 1934-Santo Domingo, R.D., 26 ottobre 2012).

“Questo non viene da Félix del Rosario, viene da molto prima. Ho cantato con un piccolo gruppo: Dov’è Merele, non lo vedo? Abbiamo anche avuto modo di suonare in televisione! Quel gruppo non aveva nemmeno un basso, ma piuttosto una marimba e quel giorno siamo apparsi sul piccolo schermo. Quando sono tornato nel quartiere, il trombonista Lucho Iturbides (morto diversi anni fa), fratello del musicista Víctor Iturbides (morto intorno al 1975), guardò dietro l’angolo e gridò: “Ecco che arriva Merele! È così che mi è rimasto quel soprannome”, ha ricordato, aggiungendo che quando Iturbides lo ha visto tutto sporco di segatura e polveroso, gli ha detto: “Compadre, sei un artista, lascia stare con il lavoro di falegname”.

Negli anni ’70, Merele era una di quelli che stavano sempre sotto i cespugli di citronella e tamarindo all’angolo tra il dottor Betances e l’ex 15a strada, a scaricare e studiare musica. Un pomeriggio del 1974, il pianista e cantante Julito Deschamps (Santo Domingo, R.D., 11 gennaio 1930- Santo Domingo, R.D., 14 novembre 1985) si presentò a “La Carbonera” (così era chiamato quel luogo), che viveva nella Respaldo Josefa Brea street, nell’espansione Luperón, chiedendo di un ragazzo che sapesse suonare la güira e cantare merengue e salsa; Lucho Iturbides ha consigliato Merele e subito il popolare cantante di bolero gli ha offerto un lavoro.

Quell’episodio è accaduto dopo che Deschamps ha smesso di cantare al piano bar La Barrica e ha iniziato a intrattenere le attività di un altro locale vicino a quest’ultimo. Rimase con il gruppo di Julito Deschamps per circa quattro mesi, guadagnando 105 pesos a settimana, che all’epoca erano un sacco di soldi.

“Una mattina venne a casa mia il titolare del laboratorio di ebanisteria dove facevo il tornitore del legno, di nome Apolinar, e chiese a mia madre che cosa mi succedeva che non andavo al lavoro. Mia madre mi ha fatto la domanda e io le ho detto di dire ad Apolinar che la faccenda del legno era finita. Ma quando ho mostrato a mia madre i soldi che Julito Deschamps mi ha pagato, mi ha fatto accompagnare da Julito per confermare che li avevo guadagnati lavorando con lui”, ha ricordato.

Quando la madre di Deschamps confermò che Merele aveva guadagnato questi soldi per il suo lavoro di artista, Doña Tata lo disse con entusiasmo a suo figlio, che teneva il suo contrabbasso a casa di un amico, perché non si adattava alle due stanzette che occupava con la genitrice, a cercare il suo strumento perché ora andava a studiare musica.

Il tempo passò e portando sulle spalle il suo soprannome (Merele), ha continuato a percorrere strade musicali, con Tomás Barreras e La Proclama, Justicia 72, diversi gruppi dei cosiddetti “Ven tú” e in locali come Hunka Munka, Villas de Las Américas (dove ha condiviso con Bonny Cepeda, che ha suonato il piano per un breve periodo), Villas del Mar e il club Dara.

Era il 1978 quando Peguero si unì all’orchestra di Raulìn Rosendo come bassista, registrando le merengue “Los fumanchuses” e “La pelota”, registrazioni per le quali, secondo quanto afferma, non guadagnó un centesimo.

Poi, anche in maniera alquanto buffa, è arrivato il suo nome d’arte, quello che lo avrebbe accompagnato per sempre: Melvin Rafael.

“Questo è venuto dal percussionista José Lucía, quando questo musicista ha avuto problemi con il maestro Dioni Fernández, perché a causa di un problema con Los Hijos del Rey è stato l’unico ad affrontarlo e Dioni, che era il direttore, gli disse: “Scriviti da solo la lettera” (cioè lo licenzió)”, raccontò mentre sfogava la sua peculiare risata da ragazzino birichino.

Dichiarò che José Lucía era sempre molto irrequieto e si dedicava all’organizzazione di un progetto musicale, per il quale chiese a Merele, come era allora noto il compositore di successo, di essere uno dei suoi cantanti. Questo accadde negli anni 1981-1982, quando entrambi vivevano nel quartiere di Los Mina, allora arte della zona orientale di Santo Domingo.

In quel momento mi disse: “Compadre, il suo nome, Salvador Peguero, sembra quello di un giocatore di baseball; Merele, troppa marmaglia. Troverò un nome per lei”. Il giorno dopo, molto presto, al mattino, José Lucía svegliò Merele e sbottò quanto segue: “Compagno, da oggi ti chiami Melvin Rafael”, una nuova identità che il compositore accettò volentieri.

Nonostante che quel progetto musicale sia svanito, il nome d’arte con cui è stato battezzato ha accompagnato da allora Salvador Peguero.

Ma si scopre che Melvin Rafael è il nome di uno dei fratelli di José Lucía e un giorno la madre di questo percussionista, Ana Josefa García, lesse un annuncio pubblicitario del piano bar Intramuros in cui si annunciava la presentazione del prolifico cantautore e ne seguì la sorpresa scarica verbale che cadde sullo stimato percussionista: “José, ma sei un gran bandito: hai dato il nome di tuo fratello a un furbacchione come Merele”, aneddoto che ha raccontato senza riuscire a contenere un’esplosione di risate.

Ha cantato in diverse realtà dello spettacolo, inseguendo il sogno di diventare una figura di spicco del canto popolare, e in quei passi ha camminato fino alla fine del 1984, quando ha deciso di dedicarsi solo alla composizione, più perché gli piaceva che per un visione commerciale del lavoro, anche se prima fece un provino, nella città di La Victoria, per entrare a far parte dell’orchestra Cuco Valoy, obiettivo che non riuscí a raggiungere perché non c’era più spazio, ma qui è nata la sua amicizia con Ramón Orlando . Successivamente ha cercato di partecipare a un festival e anche qui non ce la fece a partecipare.

Lo ha ricordato perché Pepe Rosario (Higüey, R.D., 1962-Santo Domingo, R.D., 19 marzo 1983) e Gerardo Veras, che aveva incontrato nel suo percorso di cantante di piano bar (nonché Tony Seval (Santo Domingo, R.D., 5 febbraio 1954-Santo Domingo, R.D., 24 ottobre 1985), Michel el Buenón e altri), elogiando la qualità delle opere di Melvin Rafael, fu incoraggiato a visitare l’ufficio di Aníbal Bravo, a cui piacevano due merengue (“Por mujer no lloro ” e “Dulce y delicada”) e li incise immediatamente, il che significava il suo battesimo come compositore.

Nel corso di quella registrazione, nel 1985, conobbe il sassofonista Nando Galán, attraverso il quale poté assaporare la dolcezza del successo commerciale delle sue canzoni, grazie ai merengues “Faltaste la cita” (con un arrangiamento musicale del maestro July Heredia) e “El Vencedor”, che sono stati editati dalla casa discografica Welcome Rodríguez di Santiago per l’editore di sua proprietà, Karen Publishing.

L’anno successivo la Orquesta Internacional, guidata dal maestro Ramón Orlando Valoy, trasforma i merengue “Weo”, “Tú, Mujer” e “Como Te Atreves” in grandi successi musicali, che vanno a riaffermare non solo la qualità dei brani di Melvin Rafael, ma lo portano a diventare un compositore molto richiesto da vari artisti.

Come in una cascata, stavano arrivando altre incisioni dei suoi brani e ancor più successo alla sua carriera d’autore. Così La Gran Manzana (“Te Dirán” e “No Juegues Con Lo Mío”), Gerardo Veras (“El bejuco”), Alex Bueno (“He vuelto a nacer”, “Dime Cuándo Tú” e “Sin Soy Nada”), Coco Band (“Los Bombillos”), Los Hijos de Puerto Rico (“En Bacanería” e “Cada Día”), Sergio Vargas (“Las Mujeres”) ed Eddy Herrera (“Ay, ven” e “Demasiado Niña”), quest’ultimo, nato come bachata, presentato a Joe Veras e a El Chaval de la Bachata, vinse il premio Casandra come merengue dell’anno 2000.

Altri merenghe di Melvin Rafael sono stati incisi da Juanchy Vásquez (“No Te Me Vayas Otra Vez”), Fausto Rey (“Tu belleza”), Jochy Hernández  (San Cristóbal, R.D., 12 de septiembre de 1963-Santo Domingo, R.D., 30 de abril de 1994), (“El dolorcito”), Los Nietos del Rey (“Chulería”), Mandarina (“El farsante”), La Artillería (“Los celos” e “Vivamos la realidad”), Nelson Roig (“Valentín”), Orquesta Joven (“Déjame tocarte”) e il portoricano José Medina (“Pendenciero”, “Cantinero” e “Decídete”). Richie Ricardo (Pajonal, Las Matas de Farfán, provincia San Juan, R.D., 1959-Santo Domingo, R.D., 30 de septiembre, 2013) gli incise “Marcela”, que poi interpretó Roberto del Castillo. Ma non solo il genere merengue è stato alimentato dalla prodigiosa creatività di questo umile e talentuoso creatore di canzoni, ma anche Rubby Pérez, a causa di una di quelle rarità che accadono nella vita, ha registrato per lui due canzoni: “Sinti no tengo vida” e ” Fabuloso”, entrambe salsa! In questa onda, anche il portoricano Luisito Carrión gli ha inciso “Un Clavo Saca Otro Clavo”.

Nel 1987, il discografico Bienvenido Rodríguez, presidente della Karen Records, gli propose di incidere come cantante, come fece, e così lanciò i merengue “Me Enamoré”, “Tocando La Puerta”, “El cantinero” e “Déjame tomar”, i primi due arrangiati da Sonny Ovalle (Salcedo, R.D., 27 luglio 1940-Santo Domingo, R.D., 13 dicembre 2020) e gli altri da Ramón Orlando.

“Mi piace la rumba e quando ho iniziato a generare soldi, invece di risparmiare, quello che ho fatto è stato preferire la strada. Non ho mai avuto niente. Sono arrivato a vedere 500 pesos tutti insieme nelle mie mani quando mi sono affermato come compositore e me li diede l’annunciatore George Rodríguez, che era il manager e il discografico di Fausto Rey, me li ha dati quando questo artista ha registrato il mio merengue “Tu Belleza” e per altre due canzoni che sono entrate nel repertorio di Los Nietos del Rey”, ha sottolineato.

È padre di quattro figli, procreati in tre unioni sentimentali, sono: Denny Yarodys (1971) e Laylan (1972), nati dal grembo dell’infermiera della capitale Mélida Mejía; Junior (1975), la cui madre è Angela Paulino, del Seibo, e Luilvin (1984), nato da Isabel Mateo, una signora di San Cristobal. Proprio Luilvin, il più giovane dei suoi figli e che ha smesso di vedere da bambino (a causa della rottura sentimentale del compositore con la signora Mateo), è il figlioccio di Ramón Orlando.

“Ho anche vissuto per strada. Non ho niente, ma vivo come se fossi un milionario. Ringrazio Dio perché per la sua misericordia sono sulla Terra. Dio mi ha dato prima la vita, mi ha dato talento, successi come compositore e tanti anni di vita”, così Salvador Peguero, il vecchio Merele e il sempre presente Melvin Rafael, le cui canzoni hanno il profumo dell’amore o l’ebbrezza della strada, ha concluso la nostra intervista.