Ha una meritata nicchia nella Hall of Fame dei Compositori Latini e un posto speciale nel cuore di migliaia di persone che hanno ospitato le sue belle e ben concepite canzoni.

Dolce, umile e profondamente cristiano, lontano dagli scandali e dalla vita licenziosa, questo grande artista ha avuto una brillante carriera che lo ha elevato alla vetta internazionale, collocando il suo nome tra i grandi della composizione ispano-americana.

Il suo nome completo è Eliseo Zorrilla Gómez, però se lo presentassimo così lo riconoscerebbe solo la sua famiglia,  mentre tutti ci siamo alzati in piedi e lo abbiamo applaudito con entusiasmo e ammirazione quando è stato annunciato come Cheo Zorrilla.

Nato venerdì 17 febbraio 1950 a Tamayo, comune della provincia di Bahoruco, situato nella regione meridionale della Repubblica Dominicana, è figlio di Luis Felipe Zorrilla di Seibano, morto nel 1962, che era un militare, poliziotto e ispettore, e la signora Tamayo Ana María Gómez, collaboratrice domestica, morta nel 2005.

Dei suoi fratelli, José, il più grande di tutti, frutto del primo matrimonio del padre, suona il clarinetto e il trombone, mentre Hermogenes e Ángel, entrambi più giovani di Cheo, sono rispettivamente trombettisti e sassofonisti. Il secondogenito è stato Kiko, morto nel 2010, mentre il pluripremiato cantautore è il maggiore dei figli nati da Don Luis Felipe e Doña Ana María.

“Fin da bambino mi piaceva cantare e sempre all’ora dell’arte e la sera o alle feste nazionali che si tenevano a scuola mi facevano cantare a cappella. Ha anche partecipato alle commedie che hanno fatto a Tamayo. Di per sé, non ho un’eredità musicale” ha ricordato.

Nonostante nella sua famiglia non esistesse una tradizione artistica, Cheo aveva un legame con la musica grazie al fratello maggiore, che inaugurò i percorsi musicali degli Zorrilla.

“Mio fratello José ha imparato la musica a El Seibo. Quando la famiglia si trasferì a Higüey, intorno al 1961, volle fare il musicista nella banda comunale, dove gli fu assegnato il compito di studiare il metodo di Hilarión Eslava e mentre lo faceva, io, senza volerlo l’ho imparato a memoria. Quando è morto mio padre, la mia famiglia è tornata a Tamayo ed è stato allora che mi sono iscritto all’Accademia di musica municipale” ha raccontato.

All’età di tredici anni è trombettista nella banda musicale municipale, subito dopo si è unito al Combo de Tamayo e poi al gruppo musicista-vocale Los Yompis, che in seguito ha diretto.

Come spesso accade a un’immensità di artisti, c’è uno specchio in cui Cheo Zorrilla si è guardato e nella nostra intervista ci ha portato alla fonte dove ha bevuto per iniziare a coltivare con maggiore consapevolezza la sua vasta produzione di canzoni.

“Ho iniziato a scrivere canzoni per conto mio, ma penso che l’album “Mediterráneo”, di Joan Manuel Serrat, fosse molto didattico per quanto riguarda la struttura metrica” ha rivelato l’artista di Tamayo, aggiungendo che nel 1972 ha scritto il suo prima canzone, che intitolò “Calles de mi barrio” e la presentò ad un festival regionale a Neiba, ottenendo il quarto posto.

Tuttavia, la qualità delle composizioni di Cheo si è affinata grazie alla sua formazione accademica, al contatto con buoni testi e la consapevolezza musicale che ha acquisito attraverso i suoi studi e la sua preferenza per canzoni di alto livello poetico. Non è stata vana la sua predilezione per le opere di Serrat e per i suoi cantanti preferiti: Carlos Gardel (Tolosa, Francia o Tacuarembó, Uruguay, 11 dicembre 1890-Medellín, Colombia, 24 giugno 1935) e Nino Bravo (Ayelo de Malferit, Valencia, Spagna, 3 agosto 1944 -Villarrubio, Cuenca, Spagna, 16 aprile 1973).

“Ho una laurea in Relazioni Internazionali, un Master in Lingua Spagnola, che ho conseguito presso la Pontificia Università di Salamanca, e un altro in Direzione della Funzione Pubblica, presso l’Università di Las Palmas de Gran Canaria. I miei studi musicali formali sono stati presso l’accademia municipale di Tamayo, dove ho imparato a suonare la tromba, il corno e il trombone a pistone” ha detto, riferendosi alla sua formazione completa.

Cheo, che fin da bambino è strettamente legato alla religione cattolica, cantava nel coro parrocchiale e sognava di diventare prete, iniziò a scrivere poesie e, sebbene volesse fare anche il militare come suo padre, venne nella capitale per studiare Ingegneria Elettromeccanica presso l’Università Autonoma di Santo Domingo (UASD), nel 1967, stabilendosi a casa dell’amico e concittadino Fernando Arias, anche lui distinto chitarrista, cantante e compositore, ma problemi economici lo spinsero a cercare lavoro come musicista e ottenne un posto come insegnante di chitarra all’accademia Blas Carrasco, il padre della cantante star internazionale Ángela Carrasco e il cui nome completo era Blas de Jesús Carrasco Gómez, nato e morto a Santo Domingo. In quel tempo ha abbracciato la canzone romantica.

Da insegnante di chitarra presso la suddetta accademia, un giorno vi arrivò con un canzone intitolata “Tengo” e la fece ascoltare ai suoi studenti, suscitando un clamore di tale portata che gli servì da incentivo a continuare a scrivere e a musicalizzare i propri testi.

Il suo primo grande passo come cantante professionista è stato compiuto nel 1973, quando ha partecipato al VI Festival della Canzone Dominicana, tenuto dall’Associazione dei Musicisti, Cantanti, Ballerini ed Emittenti (AMUCABA), dove ha eseguito la sua composizione “Antes” e ha raggiunto il quinto gradino.

La sua prima canzone incisa fu la ballata “Apocalypse”, quando l’ammirato cantante portoricano (e anche ufficialmente dominicano) Danny Rivera la mise su disco nel 1976. Cheo l’aveva composta due anni prima e l’aveva data personalmente a Danny, perché dal 1975 si conoscevano già, grazie ad un amico comune che li aveva presentati.

L’empatia tra Cheo e Danny è stata tale che è cresciuta una sincera amicizia, che si è poi consacrata in padrinato, perché nel 1989 il grande artista nato a San Juan, Porto Rico, battezzò la sua unigenita Pamela, allora appena nata e che già in età adulta non aveva alcuna inclinazione musicale. Cheo è orgoglioso di essere amico dell’ottimo interprete, così come Julio Suero Marranzini e sua moglie Hilda de Suero.

Dopo quell’ingresso attraverso la porta principale al mondo delle registrazioni delle sue opere, il suo amico e prestigioso cantante Fernando Casado lo ha portato a un programma prodotto dal maestro Rafael Solano, dove lo ha presentato e ne ha predetto il successo. Nel 1977, Casado gli chiese una canzone per rappresentare la Repubblica Dominicana al festival della tv Ibero-Americana (OTI) e nell’occasione gli diede “Al nacer cada enero” e raggiunse il secondo posto.

Eseguendo la sua composizione “El sembrador”, ha ottenuto il primo posto al Festival Nazionale della Canzone, organizzato da AMUCABA, nel 1981.

Con la sua canzone “Olvidar, olvidar”, eseguita da Taty Salas e orchestrata dal maestro Manuel Tejada, ha ottenuto il secondo posto all’OTI Festival tenutosi a Washington, negli Stati Uniti, nel 1983.

Nel 1985, la sua ballata “Con las alas rotas”, eseguita da Gina D’Alessandro, ha rappresentato nuovamente la Repubblica Dominicana al Festival OTI. Questa canzone è stata successivamente registrata da Danny Rivera e ha avuto un successo internazionale.

Nel 1986 ha partecipato alla quindicesima edizione dello stesso festival con la sua canzone “Sol de la noche”, che ha anche eseguito.

L’elenco delle canzoni di successo di Cheo Zorrilla è notevole, ma ricordiamo “Se me secò la piel”, che è stata registrato dal portoricano Chucho Avellanet (che ha registrato anche “Si lo voy a decir” e “Dejame quedar” ) e per Basilio (Panama City, Panama, 13 ottobre 1947-Miami, Florida, Stati Uniti, 11 ottobre 2009), “Al nacer cada enero”, di Luchy Vicioso (Santo Domingo, RD, 19 febbraio 1950- Santo Domingo, RD, 18 febbraio 2019), “Un amante asì”, di Vickiana e della portoricana Sophy, che ha anche incluso nella sua discografia ” Si tú eres hombre, yo soy mujer”, “Dos amantes” e ” Sueltame”, mentre “Te dejo la llave” è stata reso popolare da Janyll di Ocoeña.

Cosi pure furono incise “Hasta que me muera” (Anahay), “Antes” (la cubana Blanca Rosa Gil), “Cama” e “Loca” (Gina D’Alessandro), “Me enamoré” (Jackeline Estévez), la salsa “Pero llegaste tú” (il portoricano Lalo Rodríguez), “Por qué” (Milagros Hernández, la Loba) “Apocalipsis” (Joseíto Mateo) (Juana Brava, San Isidro, Santo Domingo, R.D., 06 aprile 1920-Santo Domingo, R.D., 31 maggio 2018) “Una más” (Niní Cáffaro), “Amor, amor” (Fernando Villalona), “Buscando el amor” (Nelson Muñoz), i merengue “Pajarillo”, “Una noche más” e “El colillero” (Freddy Kenton), “Caricias ajenas” (Raúl Grisanty)…

Hanno registrato composizioni di Cheo, i portoricani David Pabón (“Apágame” e “Cuando hacemos el amor”), Edgardo Huertas (“Una más”), Omayra (“Hasta que me muera”) e Mauro (“Para que duela menos”), così pure i venezuelani Henry Salvat (“No morirá jamás”) e Pecos Kanvas (Caracas, Venezuela, 11 novembre 1953-Caracas, Venezuela, 02 giugno 2008) (“Olvidar, olvidar”), l’ecuatoriano Hugo Henríquez (Guayaquil, Ecuador, 04 luglio 1941-Guayaquil, Ecuador, 10 aprile 2012) (“Los sueños no pesan”) e, tra gli altri, il gruppo messicano Los Tigres del Norte (“Los hombres de rabia lloran”).

In una raccolta chiamata “Canto a nuestros pueblos”, sponsorizzata dalla Dominican Petroleum Refinery (Refidomsa), nel 2012, l’illustre artista di Tamaulipas ha contribuito con la sua canzone “Santo Domingo”, eseguita da Israel Kelly e con un arrangiamento musicale di Juan Francisco Ordonez .

Ma, sicuramente, quando si parla di Cheo, è necessario fare riferimento, in un capitolo a parte, al suo amico Danny Rivera, che per primo ha inserito in un album una delle composizioni dell’artista di Tamayo ed è stato l’interprete che ha registrato il maggior numero di sue canzoni, circa 20, tra cui le suddette “Apocalipsis”, “Al nacer cada enero”, “No quiero nada sin ti”, “Los hombres de rabia lloran”, “Cuando llego a la casa”, a duo con Eydie Gormé (Nueva York, N.Y., Estados Unidos, 16 agosto 1928-Las Vegas, Nevada, EE.UU., 10 agosto 2013), “El amor es un juego”, “Con las alas rotas”, “Declaración”, “Mi viejo amor” y “El amor es así”.

En el 2020, Danny Rivera ha lanciato una produzione del titolo “Himnos de vida para mi madre”, in omaggio allá sua progenitrice Sabina Méndez, con le canzoni “Amor soñado”, “Aleluya”, “Gracias, Abba”, “La misma redención”, “Mi barca”, “Mi amado cirineo”, “Quiero decirte que te amo”, “Sáname”, “Soy sin tu amor”, “Tú eres santo· y “Solo Cristo salva”, tutte con parole e música di Cheo Zorrilla y con arrangiamenti del maestro Pedro Rivera Toledo.

C’è un aspetto di Cheo che non dobbiamo ignorare: si tratta delle sue registrazioni come cantante, dato che ha lanciato diverse produzioni come solista, in particolare divulgando “Mi amado cirineo”, “En mi más amor no cabe” , “Esta noche pago yo” e” Los sueños no pesan “.

“Ho fatto la mia prima registrazione allo studio Fabiola, nel 1974, ed era la ballata “ Tengo ”, arrangiata da Tito Delgado”, narra il pluripremiato cantautore, che in origine era anche colui che incise “Se me secó la piel”, per l’etichetta Ochoa Records, di Porto Rico.

En 1987, con l’etichetta Disco Sol, incise una produzione intitolata “Sol de la noche”, che oltre a questa canzone contiene “Olvidar, olvidar”, “Declaración”, “Aprendiz de amante”, “Amor tardío” (poema di Joaquín Balaguer musicalizzato da Cheo), “Déjame volver contigo”, “Hasta que me muera”, “Al nacer cada enero” “En mí más amor no cabe”. Quest’ultima canzone ha avuto l’arrangiamento del maestro Manuel Tejada e “Sol de la noche” del maestro Jorge Taveras, mentre che le altre canzoni sono state arrangiate dallo stesso Cheo Zorrilla.

En 1993, con l’etichetta Conuco Music, ha inciso l’album dal titolo “Quiero volver a mi campo”, che oltre a questa canzone contiene “Mi amado cirineo” e, nonostante che il suo forte sia sempre stata la ballata, vi sono anche i merengue “Fella”, “Mi negra”, “El ladrón”, “Qué más quería”, “El viejo”, “Lamento campesino” e “Fiesta de misterio”, tutte con parole e musica sue e arrangiamenti del maestro Manuel Tejada.

“Para ti, amado Jesús” è un disco di canzoni cristiane che ha lanciato nel 2018 e che  contiene “Mi amado cirineo”, “Viviré”, “El mismo pecador”, “En cada corazón”, ”La gloria es tuya”, “El amor soñado”, “Creo en ti”, “Victoria”, “La misma redención” (a duo con Danny Rivera), “En la adversidad”, “Estás aquí”, “Por qué voy tras Él” e “Sublime amor”, tutte composte e cantate dllo stesso cantautore, che inoltre ha anche arrangiato “Viviré”, “”En la adversidad” e una delle due incisioni di “Estás aquí” che appaiono in questa produzione (l’altra è stata fatta dal maestro Manuel Tejada, che ha arrangiato varie canzoni di questa produzione, come pure Natam Jefet Cruz).

“Dos amigos” (a dúo con Danny Rivera), “Cuando me quieras”, “Con tu música” (con cui  partecipó al Primo Festival della Canzone “Eduardo Brito”, nel 2007, ottenendo il terzo posto), “Para que vuelvas”, “Ivette”, “Al pasar la tormenta” sono altre delle sue intepretazioni.

La magia della musica circola nelle sue vene e possiamo verificarla attraverso il suo vasto repertorio e ascoltandolo interpretare magistralmente “Volver a ser niño”, una poesia dell’amico Dr. Mario López che Cheo ha cantato.

Fatto curioso è anche che Cheo Zorrilla è l’autore della versione spagnola della canzone “Isla bonita”, che ha realizzato su richiesta di Luis Ovalles, che l’ha portata a merengue e che in origine è una ballata pop di successo di Madonna.

Altra curiosità: ha musicato e cantato “Amor tardío”, poesia del compianto ex presidente domenicano Joaquín Balaguer (Navarrete, Santiago, RD, 1 settembre 1906-Santo Domingo, RD, 14 luglio 2002), contenuta in una produzione dal titolo “La musica de sus versus”.

Cheo, che nel 1977 e nel 1983 ha vinto il premio El Dorado come Compositore dell’anno, ha ricevuto vari riconoscimenti, dal sindaco della sua città natale, dal Ministero della Cultura, dal Teatro Nazionale e dalla Società Generale degli Autori, Compositori ed Editori Dominicani di Musica (SGACEDOM), compose la canzone “Presidente inmortal”, che dedicò al colonnello Francisco Alberto Caamaño Deñó (Santo Domingo, RD, 11 giugno 1932-Nizaíto, San José Ocoa, RD, 16 febbraio 1973), eroe della guerra dell’aprile 1965.

Inoltre, nel suo ruolo di strumentista, è stato direttore dell’orchestra dell’ormai defunto programma televisivo El Sabroshow, prodotto da Milton Peláez (Barahona, RD, 15 aprile 1945-Santo Domingo, RD, 4 luglio 2006) e ha ha partecipato sporadicamente come trombettista a Punto Final, programma televisivo prodotto e condotto da Freddy Beras Goico (El Seibo, RD, 21 novembre 1940-New York, USA, 18 novembre 2010).

Cheo ha lavorato per otto anni come pianista nel ristorante El Mesón de la Cava, dirigendo un gruppo musicale che lì si dedicava a cantare in inglese, francese e italiano, poiché la clientela che frequentava era composta da turisti che parlavano quelle lingue.

Dopo la sua esperienza nel suddetto ristorante, ha iniziato il suo viaggio attraverso i programmi televisivi, partendo dalla Fiesta de Teleantillas (dove ha assunto sporadicamente il ruolo di presentatore) e da qui a El Sabroshow, dove ha prestato servizio come presentatore con Julie Carlo. Il direttore dell’orchestra era il maestro Manuel Tejada e dopo la partenza di questo rispettato musicista, Milton Peláez gli chiese di dirigere l’orchestra. Poi è stato a El Patio de Medrano (con Peláez) e in Enhorabuena con Yaqui (fino al 1996).

Come cantante o compositore ha avuto l’opportunità di viaggiare e stare su palcoscenici a Porto Rico, Santiago del Cile e Valencia, (Spagna), Parigi (Francia) e diverse città degli Stati Uniti.

Sposato dal 2000 con la dentista Maura Soto, Cheo Zorrilla è stato vice governatore dell’aeroporto internazionale Las Américas (dove è arrivato nel 1991, guidato dall’amico Yaqui Núñez del Risco), consigliere del dipartimento aeroportuale e membro della Commissione nazionale di emergenza.

Con il sostegno della fondazione del suo compagno Danny Rivera, ha pubblicato, nel 2011, il suo primo romanzo, “Relatos de una gloria gris”, che racconta la storia di un compositore che viene fatto prigioniero nelle grinfie del narcotraffico, nonostante sia innocente.

Fermandosi a raccontarci alcune delle più grandi soddisfazioni che l’ambiente musicale gli ha regalato, lascia fluire con naturalezza la sua gratitudine e rivela la purezza con cui veste la sua anima.

“Fare musica è davvero gratificante. Ho avuto la gioia di vincere il Festival Nacional de Musica nel 1983 con la canzone “El sembrador” e di piazzarmi per due volte al secondo posto all’OTI Festival” ha detto.

Precisamente, al Festival OTI tenutosi a Valencia, in Spagna, nel 1992, Zorrilla partecipò con la sua canzone “A su tiempo”, eseguita da lui stesso.

Allo stesso modo, ha anche considerato che il suo più grande successo è essere stato inserito nel Latin Composers Pavilion of Fame, a Miami, nel 2016, ricevendo nell’occasione il premio La Musa.

“A volte dico che l’arte è una cosa speciale. Il musicista lavora su ciò che gli piace, gli piace il suo lavoro e oltre a ricevere emolumenti, riceve l’affetto della gente e anche loro lo ricompensano: fantastico! ” ha detto.

Condurre una vita così cristallina ed essere una persona estremamente gentile non ha esentato questo meraviglioso cantautore domenicano dal vivere momenti amari.

“Se posso parlare di delusione, è quella che limita la proiezione dell’arte: dover pagare fuori dalla legge. Ciò impedisce la diffusione di lavori di prestigio e mette invece in evidenza quelli mediocri” ha lamentato.

Dialogare con questo grande artista è immergersi nelle profondità della spiritualità e della saggezza, poiché egli rappresenta un esempio di buon cittadino e di artista sempre impegnato nella parte più sublime della qualità del messaggio letterario e musicale.

“Innanzitutto voglio ringraziare l’opportunità e l’onore di questa intervista e invitare coloro che la leggono a instillare nei loro figli l’amore per la musica come attività che serve loro per un sano conforto, per il loro sviluppo futuro e li rende esseri umani più socievoli ”, ha riassunto.

Senza il minimo margine di dubbio, rappresenta una gigantesca stella la cui opera illumina il firmamento di musiche e testi elaborati con i più alti criteri, motivo di orgoglio per i dominicani e autentico seminatore di belle canzoni, questo è Cheo! Zorrilla!

Or Golan ha tre sogni. Vorrebbe veder arrivare le sue composizioni al Festigal, uno spettacolo che ama fin da giovane età, all’Eurovision Song Contest e al celebre American Super Bowl Final Show. “Anche se mi ci vorranno 30-40 anni per arrivare al Super Bowl, ci arriverò”, dice Golan. E se suona come una missione impossibile, considerate con cosa ha già avuto a che fare questo ragazzo israeliano di soli ventitré anni. Soffre di balbuzie, nonché di una malattia ereditaria, nota come FMF (febbre mediterranea familiare). È una malattia infiammatoria caratterizzata da ricorrenti attacchi di febbre e infiammazione della membrana sierosa, che provoca dolore e gli impedisce di stare in piedi per lunghi periodi o di praticare sport. Ma questo non ha impedito a Or Golan di andare avanti con la sua vita e di seguire la sua passione, la musica. Golan ha una solida conoscenza delle sue aspirazioni e non ha intenzione di arrendersi.

Dopo essersi laureato all’ORT Motzkin, Or Golan si è arruolato nell’aeronautica. Contemporaneamente, Golan è anche riuscito a scrivere ben quattro libri e ad imparare diverse lingue.

Ispirato dal suo amore per la musica elettronica, ha inizialmente avuto successo con il suo “THE WIK WIK SONG” che raccolse rapidamente più di 150.000 visualizzazioni su YouTube, e poi improvvisamente tutto andò in crash quando YouTube chiuse il canale e cancellò il video.

Ancora una volta la perseveranza di Or Golan è venuta alla ribalta facendolo rimettere al lavoro per lanciare il suo singolo “I AM GREEDY” che ha raccolto 70.000 ascolti in tre mesi sulla pagina Spotify dell’artista.

L’artista ha già 5 album e oltre 100 singoli nel suo catalogo, prova della sua determinazione, indipendentemente dalle lotte e dalle avversità incontrate.

“I AM GREEDY”, che è stato inizialmente rilasciato il 31 ottobre 2020, da allora è stato trasmesso dalle stazioni radio di tutto il mondo e sembra avere la stessa tenacia del suo compositore.

La traccia riunisce vari filoni della personalità compositiva di Or Golan, proiettando una lucentezza cristallina moderna e minimale su una cassa ispessita, una linea di basso straziante e synth contorti. Un preciso sound design techno per riempire la pista da ballo.

La batteria di Golan appare estremamente audace su “I AM GREEDY” e il suo potere viscerale è innegabile. La musica è asciutta, nitida ed efficace in un perfetto mix da club. Il suo ritmo cavernoso è allo stesso tempo sinistro e invitante.

L’idea di suoni freschi, moderni e futuristici sembra centrale in ciò che Golan rappresenta qui. Questo è Or Golan che si esprime impeccabilmente mentre ascolta la musica nella sua testa. Per fortuna per comporre musica non serve un’elocuzione fluida ma un fluido pensiero. Proprio come il suo.

Molto atteso Antonio Di Matteo l’11 agosto prossimo nella suggestiva cornice del Teatro Antico di Taormina nel ruolo, assai consolidato, di Sparafucile nel Rigoletto di G. Verdi. Sul podio il M° Placido Domingo e firma la regia Leo Nucci.

Il basso napoletano con sincerità confessa: “sono molto emozionato e soprattutto onorato di cantare e di essere diretto dalla “Storia” dell’opera lirica, non mi poteva accadere cosa migliore in questo momento della mia carriera…credo che sarà un’occasione irripetibile”

Dotato di una voce di rara bellezza e morbidezza, oltre a essere apprezzato anche per un’inconsueta eleganza e stile nella presenza scenica coadiuvata da doti che non certo passano inosservate nella recitazione, Di Matteo è ritenuto uno dei bassi più interessanti e apprezzati sul panorama lirico internazionale.

Il 2021 è un anno dove colleziona debutti: lo scorso gennaio al prestigioso Palau de les Arts Reina Sofía a Valencia, nel ruolo di Pistola nel Falstaff di G. Verdi, affiancato da importanti nomi quali Ambrogio Maestri, Violeta Urmana, Ainhoa Arteta.

Altro debutto nel medesimo ruolo e opera al Teatro de Lyon al Festival Aix- en- Provence dove, tra il nutrito cast, c’era il mezzosoprano triestino Daniela Barcellona. A quest’ultima è stata conferita, di recente, la prestigiosa onorificenza di “Cavaliere dell’Ordine al Merito della Repubblica Italiana” dal Presidente della Repubblica Sergio Mattarella.

Proseguendo  il 28 agosto è atteso per la prima volta al Gstaad Menhuin Festival nell’omonima elitaria località svizzera.

Ritornerà al Teatro Antico di Taormina il 5 settembre per il Gran Galà “Mira o Norma” sotto la prestigiosa direzione del M° Carminati.

Il 23 settembre debutterà al Teatro Bellini di Catania, nel ruolo di Oroveso nell’opera Norma di V. Bellini, nuovamente con la direzione del Maestro sopra citato e del quale Di Matteo sostiene: “Fabrizio Maria Carminati è una cara persona alla quale tengo tanto. Ho avuto già modo di lavorare con lui nel 2015 nel Macbeth di G. Verdi al Petruzzelli di Bari”.

Inoltre spende parole di lode per il Teatro catanese affermando: “è la prima volta che canto in questo meraviglioso Teatro”.

Inizierà il 2022 alla grande debuttando, nel ruolo di Sparafucile nel Rigoletto di G. Verdi, alla ROHM in Oman considerato il tempio dell’Opera Lirica in Medio Oriente. Un nuovo Rigoletto a firma di Franco Zeffirelli in una nuova ed esclusiva produzione operistica della Royal Opera House Muscat.

La sua agenda è fitta d’impegni e a febbraio 2022 il ritorno al prestigioso teatro della sua città ossia al San Carlo di Napoli,  ne Le tre Regine nei ruoli di Lord Rochefort in Anna Bolena e di Giorgio Talbot in Maria Stuarda, entrambe le opere fanno parte della “Trilogia delle regine Tudor” di Gaetano Donizetti (insieme a Roberto Devereux), al fianco di Sondra Radvanosky. Sarà diretto dal M° Riccardo Frizza che ha vinto la terza edizione del Premio Ópera XXI in Spagna.

Antonio Di Matteo è stato diretto da prestigiose bacchette tra le quali quella di Riccardo Muti, Gianpaolo Bisanti, Francesco Lanzillotta, Michele Mariotti, Daniel Oren e ha lavorato con registi del calibro del compianto Graham Vick, Davide Livermore, Cristina Mazzavillani Muti, Stefano Mazzonis di Pralafera, tanto per citarne alcuni.

Gigi Santella, produttore e compositore di origini italiane, vive in assoluto servizio della musica. Cresciuto in Massachusetts, ha lavorato in Sud America e attualmente vive a Los Angeles.

E’ stato recentemente intervistato dal programma Itali-Echo su WNTN Radio Boston.

– Come funziona il tuo processo compositivo?

Mi sveglio la mattina con un’idea, la suddivido in un paio di parti e mi domando cosa sto cercando di esprimere. Poi faccio lunghe passeggiate, c’è qualcosa di magico nel camminare, puoi sentire qualcuno che suona la musica nel tuo cervello.

– Parliamo della tua musica, qual è il senso del brano Iniziazioni?

Il brano era inteso come tributo alla festa di Little Italy in Boston, è la tipica canzone da Marching Band pensata per una sezione di corni. Lo spartito di questa canzone l’ho ricevuta da mio zio che è morto tempo fa, e l’intero brano è ispirato a quello spartito. La dedico a tutti gli italoamericani perché è ispirata alla loro stessa comunità e forse li porterà indietro nel tempo.

– Qual è stato il momento più italo-americano della tua vita?

Mi ricordo che negli anni Ottanta mia nonna, dal lato Santucci della famiglia, cucinava e cuoceva nel forno per ore e io mi ricordo il profumo delle cose buone che proveniva dalla cucina.

Lo spartito è disponibile per tutte le Marching Band che vogliano proporlo durante le folkloristiche processioni religiose che tengono ancora in vita le tradizioni italiane all’estero.

“Sono morta centinaia di volte” cantava Amy Winehouse in “Back to Black”. E non si poteva non crederle, perché la sua voce – il suo marchio di fabbrica – era unica al mondo, a suo modo un paradosso sonoro: profonda, vellutata e al tempo stesso abrasiva come una ferita che non guarisce mai, contemporaneamente inimitabile eppure imitatissima ai quattro angoli del mondo. Amy “era” una ferita ambulante, e pare quasi uno scherzo del destino che sia andata a unirsi – esattamente oggi dieci anni fa – al famigerato “Club 27”, ossia all’infinita schiera di rockstar luminose come stelle polari che hanno lasciato questo mondo a soli 27 anni: Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones, Kurt Cobain. Ed Amy.

La trovarono morta il 23 luglio 2011 nella sua casa di Londra, nella sua amata Camden, nel suo letto, uccisa da una quantità di alcol che avrebbe stroncato anche un bufalo. Ma l’eternità l’aveva conquistata, forse controvoglia, già da molto tempo, sin da quando prese in mano la sua prima chitarra, a 13 anni, cominciando da subito a scrivere i suoi pezzi, sin da quando la cacciarono di scuola a causa del suo riottoso rapporto con la disciplina.

Solo due album fatti di una maliosa mistura di soul, jazz e pop, un’immagine sulfurea e tenera al tempo stesso fatta di dannazione, capelli corvini come il mascara che incorniciava i suoi occhi: ma Amy Winehouse è rimasta impressa nella mente e nel cuore ben oltre il breve tempo del suo passaggio sulla Terra.

A Camden Town tutto gira ancora intorno al suo mito, con la sua statua di bronzo allo Stables Market, a due passi dai negozietti di musica, dai pub e dai tavoli da biliardo che erano il suo mondo.

“Direi che il jazz è la mia lingua”, ripeteva spesso Amy. Che a tutt’oggi è considerata una delle più significative cantanti britanniche di sempre, un incrocio senza tempo tra Ella Fitzgerald, Nina Simone e le dive anni sessanta della Motown, ma anche stella polare per chi verrà dopo, come Adele o Celeste che dir si voglia.

Cresciuta a pane e jazz (alcuni suoi zii erano musicisti professionisti), curiosamente sempre fedele alle sue radici ebraiche, in anni in cui andavano per la maggiore le “girl-groups” ed il più plastico “casting-pop”, a soli vent’anni pubblicò il suo album d’esordio, il folgorante “Frank”, tutto scritto da lei, che fu un successo notevole e per lei totalmente imprevisto: “Non credo che sarò mai famosa”, ebbe a dire la timida Amy in una delle sue prime interviste. “Credo che non saprei maneggiarlo, il successo, probabilmente sprofonderei nella pazzia”.

Fu quasi una profezia: proprio con “Black to Black”, pubblicato nel 2006 (a due anni da “Frank”), divenne una star mondiale, grazie alla geniale miscela di Motown, Doo-Wop e soul prodotti con spirito contemporaneo: in dote arrivarono cinque Grammy Awards e centinaia di altri premi, attirando al tempo stesso le copertine di testate internazionali come Rolling Stone e Variety. Il problema fu che non poteva più lasciare la sua casa senza essere travolta dalla tempesta dei flash dei paparazzi, presenti anche quando fu portata fuori la sua bara. Lei l’aveva detto, pare, ai suoi amici: avrebbe restituito tutti i premi e tutta la fama solo per poter tornare in santa pace in uno dei suoi pub.

“Sono solo una musicista sincera”, la sentiamo dire nel documentario “Amy Winehouse: Black to Black”, appena uscito per il decennale della morte. “Scrivo canzoni perché sono malata nella testa”, ripeteva la ragazza, che aveva assunto i suoi primi anti-depressivi già durante l’infanzia. “Devo scrivere tutto e cantare per sentirmi meglio”.

In effetti: “Black To Black” era un viaggio sonoro nel rapporto distruttivo con Blake Fielder-Civil, che fu suo marito dal 2007 al 2009, come appare lampante da canzoni come “Love Is a Losing Game” e “Wake Up Alone”. Un apparente scherzo – in realtà una scomoda verità – era la canzone “Rehab”, singolo d’immenso successo nato durante una passeggiata con il produttore Mark Ronson attraverso le vie di New York City: aveva bisogno davvero di curarsi dalla dipendenza da alcol. Non ci riuscì mai.

Fatto sta che “Black To Black” è stato per un certo periodo l’album in assoluto più venduto del 21esimo secolo, oltre a conquistare il disco di platino in decine di Paesi in tutto il mondo, dall’Australia alla Finlandia.   I suoi problemi con l’alcol non l’hanno l’abbandonata mai: riuscì, così pare, a disfarsi da crack e dall’eroina ai quali l’introdusse il marito (è lui stesso ad ammetterlo), ma il consumo di alcolici non fece che aumentare. Amy sempre più spesso saliva sul palco ubriaca, oppure appariva assente, qualche volta dimenticava i testi. La sua ultima tournee fu un disastro: a Belgrado inciampò sul palco, a tratti si rifiutò di cantare, fu subissata di grida non esattamente elogiativi del pubblico. Nei giorni successivi i media si scatenarono contro di lei. Il tour fu annullato.

Appena un mese dopo stupì tutti con una stupenda voce in una breve apparizione a un concerto di Dionne Bromfield, tanto da meritarsi una potente standing ovation. Eppure fu un’illusione: tre giorni dopo Amy Winehouse fu trovata cadavere dal suo bodyguard.

“Se morissi domani, sarei una ragazza felice”, sussurrava Amy. Il jazz ed il soul, la musica dell’anima, non erano bastati a salvarla.

AGI

Storicamente, pochissime compositrici dominicane si sono distinte, ma quelle che possiamo mostrare al mondo sono una prova schiacciante del talento femminile che possiede la terra del merengue, della bachata, della criolla e del fusón, tra gli altri generi musicali.

In alto possiamo collocare Leonor Porcella, Águeda Blandino, Mercedes Sagredo (Santiago, RD, 14 febbraio 1911-New York, USA, 31 agosto 1998), Aridia Ventura (Jacagua, Santiago, RD, 1949 -Santo Domingo, RD , 2001), Mélida Rodríguez (Hato Mayor, RD, 1943-San Pedro de Macorís, RD, 1982), Olga Lara, Alicia Baroni, Corinne Oviedo, Rosa Pontier (Santo Domingo, RD, 18 settembre 1952-Santo Domingo, RD , 27 novembre 2012), Carolina Hernández, Marisela Tavárez, Ariela Guridi, Rosa Padrón, Xiomara Fortuna, Elsa Liranzo, Rita Indiana … Della nuova cucciolata, vale la pena menzionare Covi Quintana, Nathalie Hazim, Henya Tejada , Techy Fatule e Karla Breu.

Josiph Santos ha un posto tra le più affermate che si è guadagnato in questo piccolo gruppo di cantautrici di rilievo e siamo sicuri che ha superato la prova con le sue note eccezionali.

Dolores Josefina Santos Vélez è nata nella comunità di La Peña, San Francisco de Macorís, Repubblica Dominicana, sabato 28 dicembre 1968. Figlia della casalinga Felicia Santos Brito, morta nel 1986, e del contadino Rafael Vélez Polanco, morto nel 1995, è la sesta di sette fratelli, di cui quattro femmine, ereditando la sua vena artistica dalla madre, che cantava molto bene ed è stata persino richiesta da La Voz del Yuna, una stazione radio con sede nella città di Bonao che era gestita dal pittoresco José Arismendy Trujillo Molina (Petán) (San Cristóbal, RD, 4 ottobre 1895-San Juan, Porto Rico, 6 maggio 1969), fratello del dittatore Rafael Leónidas Trujillo Molina (San Cristóbal, RD, 24 ottobre , 1891-Santo Domingo, RD, 30 maggio 1961).

“Mia madre cantava molto bene; aveva occhi verdi, capelli biondi ondulati, carnagione chiara e altezza media, quindi mio padre, prevedendo il pericolo che la sua bella moglie risvegliasse le cattive intenzioni di Petán, si oppose alla sua visita a La Voz del Yuna e lei preferì rimanere nell’anonimato”, ha ricordato la dinamica cantautrice.

La sua connessione con il canto è iniziata quando aveva appena otto anni e qualsiasi cosa la trasformava in una chitarra, usando per questo il nylon delle canne da pesca dei suoi fratelli; da quelle corde fuoriuscivano suoni armoniosi. Questo talento naturale ha ricevuto il sostegno dei fratelli Edilio e Nelson Paredes, famosi chitarristi, compositori e cantanti del genere bachata, con i quali è imparentata. Quando i fratelli Paredes visitavano la loro casa, c’era sempre uno spazio per cantare accompagnandosi con la chitarra e Josiph assorbiva tutto ciò, mentre sua madre gli permetteva di condividere la serata.

“A scuola cantavo molto e siccome ero piuttosto piccola mi facevano salire su una poltrona e da lì cantavo le mie canzoni preferite, tra cui ‘La mochila azul’ e ‘El maguey’, durante le attività artistiche che venivano organizzate ogni venerdì”, ha raccontato.

Ha ricevuto le sue prime lezioni di chitarra all’età di nove anni, ma per ottenere tale istruzione. un’ora ogni giorno, con suo cugino Domingo Santos, doveva percorrere un tragitto di una dozzina di chilometri, tra andata e ritorno. Così ha potuto imparare i suoi primi accordi e accompagnarsi in alcune canzoni di Yolandita Monge e della sua cantante preferita: la venezuelana Tania.

“Ci sono stati cantanti che mi hanno influenzato molto: nella mia infanzia, Tania, Claudia de Colombia, Sonia Silvestre e Anahay; nella mia adolescenza, Belkis Concepción. Ammiro molto l’argentina Soledad Pastorutti, perché penso che sia la cantante più completa degli ultimi anni”, ha rivelato.

Era in quinta elementare quando, alla scuola Buena Vista, nel comune di Pimentel, organizzarono un festival di canzoni per bambini, che vinse e ricevette in premio un giocattolo.

“Ho iniziato a cantare a scuola, da bambina, e nei cori, nel mio campo, La Jagua, da Buena Vista, a Pimentel, poi sono venuta nella capitale con la mia famiglia e mi sono distinta in alcuni festival”, ha ricordato.

Il 1981 è l’anno in cui si trasferisce a Santo Domingo e si interessa subito al movimento sportivo e culturale, prima nell’Ensache Julieta e poi nel settore Los Praditos.

Nel 1983 ha vinto il primo Festival Interclub del Distretto Nazionale, tenutosi al club Ramón del Orbe, eseguendo “Ódiame” e vincendo i due round in cui si è svolto. Un fatto molto importante che dobbiamo evidenziare è che questo concorso è stato il luogo in cui si è identificata per la prima volta con il nome d’arte che l’avrebbe accompagnata da allora: Josiph Santos.

Dopo essersi laureata in Storia e Geografia, nel 1986 è entrata all’Università Autonoma di Santo Domingo, con l’intenzione di diventare ingegnere agrario.

“Ho iniziato a studiare agronomia, visto che sono nata in campagna, ma ho smesso; non ho nemmeno completato il primo semestre, perché non era la mia strada: la mia passione è la musica, perché me la porto nel sangue e per questo ho anche terminato il famoso metodo musicale Pozzoli; questo è un dono che Dio mi ha fatto ed è così che lo assumo”, ha detto, lasciando scorrere un sorriso.

Voleva continuare a sviluppare e affinare il suo talento, motivo per cui si è dedicata ai corsi di teoria musicale presso l’Accademia di musica Luis E. Mena, i cui locali erano in viale Duarte, di fronte al Parco Enriquillo, ed è entrata, nel 1985, Las Chicas Volcán, un’orchestra patrocinata dal Banco de Reservas e che in breve tempo ha cominciato a dirigere.

“Las Chicas Volcán è stato il primo gruppo in cui sono stata; vi sono arrivata qui per coprire una licenza della cantante e poi hanno deciso di lasciarmi nel gruppo come prima cantante. A causa del fatto che il proprietario del gruppo si era arrabbiato con i musicisti, io mi sono ritirata però dopo una settimana una parte dei membri è venuta a casa mia per dirmi chesarebbero andati nella direzione in cui io volevo. È così che, grazie ai consigli di Frantoni Santana, che aveva visto il gruppo e gli era piaciuto, è nata l’Orquesta Azúcar e anche quella de “La Azuquita”, il mio soprannome artistico”, ha commentato.

Il suo tempo a Las Chicas Volcán ha significato anche la sua prima esperienza in un gruppo musicale, ma con questa orchestra non è mai entrata in uno studio di registrazione.

“L’Orchestra Azúcar è rimasta nell’ambiente per tre anni e Luchy Roy, Andy Medina ed Evelyn mi hanno accompagnato in prima linea”, ha detto la graziosa artista.

Intorno al 1986, tramite il suo amico Eno Manuel, anche lui compositore, conobbe la pianista e direttore d’orchestra Belkis Concepción e iniziò così una grande amicizia con “La Pionera” che servì ad aprire tutte le porte a Josiph.

“La mia prima registrazione è stata allo studio Audiolab, con Belkis Concepción; più tardi, proprio qui, con Andy Medina, già producendo in primapersona e registrando duetti e cori”, ha espresso.

Ha ricordato che il suo amico Nelson López l’ha presentata a Niño Rodríguez e quest’ultimo ha creato l’etichetta Niño Records e con questa compagnia ha registrato i merenghe “Traviesa” e “Café con sugar”, entrambi composti da Josiph Santos e con Pochy Familia come arrangiatore .

Le sue prime composizioni furono concepite nell’innocenza della sua infanzia, costituendo il suo battesimo quella dal titolo “Me voy a la orilla del mar”, ma fu nel 1987 che si iniziarono a registrare le sue canzoni, le prime furono i meringhe “Pienso en ti” e “Cuando un amor se va”, che è stata incisa dall’orchestra della sua amica Belkis Concepción. Entrambe sono state orchestrate dal maestro Joan Minaya ed è giusto notare che “Pienso en ti” è stato incluso in un episodio della serie televisiva nordamericana Miami Vice.

Fu solo il preludio a quello che sarebbe successo dopo, da allora un lungo elenco di gruppi e cantanti registrò le composizioni di Josiph, come Los Kenton, Los Hermano Rosario, Los Toros Band, Street Band, El Jeffrey, Mayra e Celinés. Miranda, Domingo Quiñones, Yoskar Sarante (Santo Domingo, RD, 2 gennaio 1970-Orlando, Florida, USA, 28 gennaio 2019), Willie Crespo, Son de Azúcar, Zafra Negra, Andy Medina, Janibell, Dahyana Holguín, Elixandra, Kary Brito, Sandra Torres…

Ha composto “Por ella” (Los Hermanos Rosario), “Atrapado” (Los Kenton, cantando Gabby Arias), “La prieta” (Los Toros Band, cantando Héctor Acosta), “Cuide su marido” (Ninoska Velásquez), “El feo buenmozo” (Mayra y Celinés), “La otra” e “Amor de una noche”(Sandra Torres), “Nave de amor” e “El negro pintao” (Zafra Negra), “Ganas de amarte” (Janibell) e “Cómo olvidarme de tì” (Elixandra).

Così pure, le salse “Por ti yo voy” (Ismael Miranda) poi registrata dall’orchestra colombiana Son de Azúcar), “Amor en secreto” (Domingo Quiñones) e “Amor de colegio” (Willie Crespo).

Nella bachata ha anche dato il suo contributo autoriale, non solo cantando lei stessa le sue canzoni, ma anche contribuendo al repertorio di altri artisti, tra cui Yoskar Sarante, che le ha registrato “Guerra de amor” e “Le mentí de nuevo al amor” (quest’ultima registrata anche da Esteban Mariano), “Pero qué clase de hombre eres tú” (Alexandra Cabrera) e “El mismo hombre” (El Gringo de la Bachata).

La figlia di Yolandita Monge, Noelia, ha registrato la sua canzone dal titolo “Será que no te olvidaré”, ma per ragioni sconosciute all’autore, questa produzione non è uscita. Allo stesso modo, l’Orchestra Sinfonica di Córdoba, in Argentina, ha registrato una versione popolare di “Nave de amor”.

Dal suo ruolo di produttrice musicale e dirigendo le voci nelle registrazioni, è stata coinvolta con cantanti come Leurys, Elixandra, Janibell, Belkys Reyes, Luchy Roy, Andy Medina e molti altri, registrando cori per quelli già citati e anche per Leonardo Paniagua, El Gringo de la Bachata, Belkis Concepción, El Jeffrey, Dahyana Holguín, Alicia Baroni, Freddy Junior, Orquesta Pa ‘la Calle…

Josiph Santos, che ha ricoperto varie posizioni dirigenziali nella Società Generale degli Autori Domenicani, Compositori ed Editori di Musica, Inc., (SGACEDOM), è stato promotore e manager delle carriere di vari artisti, tra cui Elixandra, Janibell e Dahyana Holguín.

Nel 1998, dopo circa due anni e mezzo di formazione, ha conseguito il titolo di receptionist professionista, presso l’ormai defunto Centro Nazionale per gli Studi Diversificati (CENED), a Los Mina, rafforzando le sue conoscenze e dimostrando di non essere una di quelle persone che restano con le braccia incrociate a guardare gli altri sfilare.

Quest’artista talentuosa e dinamica, che ha anche realizzato spettacoli e si è avventurata in radio come conduttrice e produttrice, ha inciso tre produzioni musicali, al ritmo di bachata, lanciando le prime due con il supporto di società con sede a Porto Rico: LRS Records e Vi Musica, rispettivamente.

La sua prima produzione musicale si intitola “Ven, papi, ven”, del 1995, e contiene le canzoni “Ay, papi, ven”, “No te puedo perdonar”, “Porque lo quiero”, “El bombón”, “Ni me miras”, “Como toda mujer”, “Perdida” e “No puedo quererte” (tutte composizioni sue), oltre a “Corazón de lodo”, di Confesor Rosario.

La seconda, que ha visto la luce nel 1998, è intitolata “Enamorada”, e contiene le sue composizioni “No se puede vivir sin amor”, “Pegaito de mí”, “Cuide su marido”, “Se fue”, “Tres deseos”, “Ese hombre es mío”, “Te quiero amar”, “Espéralo”, Cambio y fuera” e “Ya me cansé”.

La terza, uscita nel 2003, è “Cosas del amor”, con la sua etichetta discografica(Josiph Santos Music) e distribuita da LRC Records in Puerto Rico, che, a parte la canzone che dà il titolo alla produzione, contiene anche “Hasta hoy”, “Te quiero amar”, “Golpe con golpe se paga”, “Quiero tenerlo”, “El que cree en hombres no cree en Dios”, “Madre soltera”, “La otra”, “Decídete”, “O ella o yo”, “Cosas del amor” e “La medicina”, tutte scritte da lei, parole e música.

Nel 2018 ha registrato il suo merengue “Ni una más”, un grido rivolto alla coscienza cittadina per evitare attacchi contro le donne. Nel 2020 pubblica due sue composizioni: il merengue “El tren de la felicidad” e la bachata “No te vayas”, quest’ultima in duetto con Rafa Jiménez.

“La mia più grande soddisfazione è che questo è il dono che mi ha fatto Dio. Ho portato un messaggio pulito, senza offese, né ai miei colleghi né alle persone che hanno apprezzato le mie umili canzoni. Ora canto per Dio e canzoni con contenuto sociale. Questo è il mio premio più grande”, ha assicurato, per testimoniare le cose belle che ha ricevuto e di cui ringrazia la musica.

Sebbene la sua carriera musicale sia ricca di belle esperienze, non è stata esente da momenti amari e uno di questi è condiviso qui con noi: “Nel 1995 ho firmato un contratto con Vi Music, di Porto Rico; fu un grande successo. La mia casa discografica, al comando di Luis Rivera, che ho conosciuto tramite il mio connazionale Rafael Nolasco, e un manager che avevo qui, si è poi preso i soldi che mi avevano mandato qui per la mia promozione e con questi pagava altri artisti che gestiva, mentre per la mia diffusione distribuiva assegni a vuoto. Poi ha proposto altre cose alla mia casa discografica, me ne hanno parlato e io ho rifiutato, perché sono cresciuta in una casa con principi morali e, soprattutto, timorosa di Dio. Pensavo che questa non fosse la benedizione che Dio voleva per me”, ha detto.

Sono passati diversi anni da quando ha abbracciato la fede cristiana e da allora questa cantante e cantautrice franco-corisana si ritrova in chiesa e ha investito il suo talento musicale glorificando il Supremo Creatore.

“La mia decisione migliore: canto per Cristo, per Dio, e mi sento molto bene e felice. Sono produttrice di diversi cantanti cristiani, tra cui Waskar Sisa e Noemí González, e sto lavorando alla mia prima produzione cristiana, che vedrà la collaborazione di diversi cantanti, tra cui Enrique Feliz”, ha rivelato l’irrequieta cantautrice, che di recente ha installato un suo studio di registrazione.

Ha vissuto per la musica perché nel suo cuore ha un bagaglio di melodie e testi che servono da veicolo per raggiungere con le sue canzoni il maggior numero di spettatori. Per tanta esperienza accumulata, ha sufficiente autorità per rivolgersi, con il peso dei suoi suggerimenti, sia a chi realizza sia a chi ascolta opere musicali.

“Il mio messaggio al pubblico è che la musica è cibo per l’anima; i buoni testi ti guidano verso la via del bene. Invito i miei colleghi amici a ripulire il nostro lavoro, cerchiamo di liberarci di tutti questi sciocchi che si definiscono compositori e cantanti, ma che non lo sono; stanno solo portando i nostri giovani all’ecatombe, poiché li fanno vivere in un mondo di bollicine, qualcosa di irreale ”, ha riflettuto.

A proposito, è stata la stessa Josiph Santos che nella sua prima produzione discografica si è definita “La Azuquita del Amargue” e quando la sentiamo cantare e condividere le sue canzoni capiamo subito il perché, visto che quel soprannome con cui si identifica attesta la qualità della sua voce. Ovviamente, dal suo nuovo volto di artista cristiano, la sua voce addolcirà anche gli animi di coloro che si accostano a Dio.

Tra i percussionisti dominicani si distinguono diversi polistrumentisti, come Hungría Carmelo García (Boca Chica, Santo Domingo, RD, 18 gennaio 1937-Fort Lauderdale, Florida, USA, 4 aprile 2014), Ángel Miro Andújar, il sempre ha ricordato Catarey (Villa Juana, Santo Domingo, RD, 23 settembre 1949-Zulia, Venezuela, 17 luglio 1988), Guarionex Aquino, Isidro Bobadilla, David Almengod, José Lucía, Johnny de la Cruz (Cioccolato), Julio Figueroa e so che molti lettori rimarranno stupiti dal prossimo nome, ma si è guadagnato il diritto di essere uno di loro, Johnny Pacheco (Santiago, RD, 25 marzo 1935-Teaneck, New Jersey, USA, 15 febbraio 2021).

Facendosi strada a colpi di perseveranza, schemi di impegno per la qualità e colpi di estrema serietà in ogni fase del suo lavoro, emerge il nome di un percussionista che ha già un curriculum musicale abbastanza denso, nonostante sia stato caratterizzato da una tenuta di un profilo basso: voglio dire Junior Ureña.

Aarón Junior Ureña Cuevas è nato sabato 22 gennaio 1977 a Santo Domingo, capitale della Repubblica Dominicana, dal matrimonio del falegname mocano Juan José Ureña e della signora di San Juan Domitila Cuevas, che per molti anni ha lavorato come dipendente nel settore pubblico. Junior è il quarto di sei fratelli, tra cui tre femmine, una delle quali (Angelina) canta molto bene, il maggiore dei quali è il famosa cantante, compositore, musicista, arrangiatore, produttore musicale e direttore d’orchestra Herodys Ureña.

“Siamo una famiglia in cui il talento musicale abbonda. Ho zii e cugini musicisti, ma ho ereditato quest’arte da mio padre, che vedevo sempre suonare la chitarra”, racconta il cavalleresco artista.

Tratti notevoli in questo musicista gentile e talentuoso sono il suo contegno rispettoso, la sua giovialità, la cura che mette nella cura della sua immagine e, soprattutto, la professionalità con cui si esibisce, curando attentamente ogni dettaglio del suo lavoro.

“Mi è sempre piaciuta la musica e sin da piccolo sono stato attratto dalle percussioni. Nel 1990, all’età di 13 anni, ho iniziato a studiare la teoria musicale accademicamente”, ha commentato.

Sebbene la sua più grande influenza provenga da suo padre, Junior ha anche coltivato le sue abilità catturando le conoscenze trasmessegli da artisti veterani e con l’esperienza che viene dall’aver visto altri percussionisti in azione, dal vivo o in televisione.

“Negli anni ’80, quando ero bambino, ho visto tutte le orchestre che si esibivano a El Show del Mediodía, ma il percussionista che suonava nel programma ha sempre attirato la mia attenzione: Ángel Miro Andújar (Catarey); quell’uomo ha avuto una grande influenza su molti percussionisti della mia generazione. Più tardi, quando sono cresciuto, ho ammirato il lavoro dei dominicani Wilfredo Figueroa (Milano) e Dinavit Honoret, il peruviano Álex Acuña e, tra gli altri, il cubano Horacio Hernández (el Negro)”, ha rivelato.

Tumbadoras, bongo, timpani, tamburi, güiro, güira, shekere, rain stick, tamburello, clavicembalo, maracas, triangolo… fanno parte degli strumenti dai quali le mani magiche di Junior estraggono piacevoli suoni. È proprio questa la differenza tra suonare e saper suonare: le percussioni nelle mani di una persona inesperta producono dei rumori, ma in quelle di un bravo musicista sono vera arte.

“Ho studiato musica presso l’accademico Luis E. Mena, che era in Avenida Duarte, di fronte al Parco Enriquillo, e poi ho ricevuto istruzioni dal maestro Wilfredo Figueroa (Milano), che per molti anni è stato il musicista di Wilfrido Vargas”, ha detto , aggiungendo che gli strumenti che di solito gli viene chiesto di suonare nelle registrazioni sono tambora, güira, conga, bongo, timpani e batteria.

Ma un conto è studiare la teoria musicale e le complessità concettuali della musica e ben altro corrisponde alle tecniche e agli schemi ritmici, per cui questo questo artista irrequieto ha cercato di approfondire la sua conoscenza nella varietà di strumenti a percussione con cui opera su un quotidianamente.

“Beh, nelle classi formali come strumentista il mio insegnante era Milano, ma avevo anche molte persone che mi guidavano, tra cui Elvis Caraballo (Cocoa), Rogelio Leiba e Dinavid”, ha spiegato.

La sua prima esperienza suonando in un gruppo musicale è stata con La Joseph Band, un gruppo piuttosto amatoriale che si esibiva nei fine settimana al Joseph Casa Club, situato a Villa Mella. Vi arrivò a soli 11 anni e con l’aiuto del fratello Herodys, che era il leader, cantante e pianista.

Poi è giunto il momento di salire sul palco professionalmente, entrando a far parte di un gruppo emblematico che godeva già di prestigio e popolarità molto marcati, un gruppo in cui questo percussionista ha dovuto assumersi un’immensa responsabilità, visto che era ancora un adolescente.

“Il primo gruppo professionale con cui ho suonato è stato con i Los Paymasí, nel 1993, quando ero minorenne, e sono stato lì fino al 1995”, ha ricordato, anche se in un modo o nell’altro i legami musicali con questo gruppo rimangono intatti.

Poi è arrivata l’opportunità di dimostrare la sua abilità in uno studio di registrazione, dovendo suonare la tambora.

“La mia prima registrazione è stata per il gruppo Tierra Seca, in cui cantava mio fratello Herodys; è successo nel 1996, nello studio En-Kiú, che si trovava in via Rosa Duarte, a Gascue, e l’arrangiamento musicale è stato realizzato dal maestro José de los Santos, meglio noto come Shilling ”, ha ricordato, riferendosi al momento in cui è è stata registrata nella versione merengue la canzone “Sombras”, che purtroppo non è stata inclusa nella produzione che è stata pubblicata.

In quegli anni, su consiglio del cantante, musicista e compositore Daniel Vásquez, suonò per sei mesi all’hotel El Embajador, e poi, dal 1995, all’hotel Lina, dove rimase a lavorare per circa tre anni.

A metà del 1996 è entrato a far parte dell’orchestra Tierra Seca, gruppo al quale è rimasto legato fino alla sua estinzione.

Nel 1997 era con Illegal, viaggiando con questo popolare gruppo di merenhouse in Venezuela, Messico, Costa Rica e Aruba. Purtroppo, quando erano all’apice della popolarità, l’anno successivo, dopo la morte del ballerino e showgirl Jason, il cui vero nome era José Fermín González (Santo Domingo, RD, 10 febbraio 1977-Santo Domingo, RD, 15 gennaio 1998 ), Vladimir Dotel, leader fondatore, fu molto colpito da questa tragedia e il gruppo ha fatto una pausa molto simile alla disintegrazione, per la quale Junior ha scelto di cercare nuovi orizzonti.

All’inizio del 1998 sostituì l’amico e maestro Milano nell’orchestra di Miriam Cruz, dove lavorò per diversi mesi e alla fine dell’anno successivo, subentrando allo stesso Milano, che lo raccomandò, si unì al gruppo di Eddy Herrera, del cui staff ha fatto parte fino al 2001, registrando in diversi merengues e arrivando ad esibirsi con questo gruppo musicale a Panama e Venezuela.

Dopo la sua partecipazione con Herrera, è passato per alcuni mesi all’Orquesta Internacional, guidata dal maestro Ramón Orlando, e da lì, nel 2002, ha continuato a suonare con Jossie Esteban, nel cui gruppo si sentiva molto a suo agio perché ne amava molto il repertorio, e ha suonato la tambora qui fino al 2005, viaggiando relativamente spesso in Guatemala, Ecuador e Perù. A questi ultimi due gruppi musicali fu consigliato dal suo amico soprannominato Cocoa. Con Jossie Esteban ha registrato un merengue a tema natalizio e nient’altro.

Dal 2004 fa parte del popolare gruppo di bachateri El Dream Team, guidato dai famosi chitarristi Mártires de León e Davicito Paredes e con il quale ha accompagnato molti dei bachateros più famosi del paese, tra cui José Manuel Calderón. , Luis Segura e Leonardo Paniagua.

Nel 2005 ha lavorato sporadicamente nell’orchestra July Mateo (Rasputín) (Hato Mayor, allora municipio della provincia di El Seibo, RD, 23 settembre 1955-Santo Domingo Este, RD, 4 novembre 2018) e già nel 2006 è rimasto fisso con il trombettista e cantante, lavorando con lui per circa tre anni. Vale la pena menzionare una tournée che ha effettuato nel 2007 con questa orchestra, in Spagna, coprendo Madrid, Barcellona e Bilbao, rafforzata dalle stelle Cheché Abreu (Manoguayabo, Santo Domingo, RD, 26 luglio 1939-Santo Domingo, RD, novembre 17 2020), Ramón Orlando e Angelito Villalona.

Integrando El Equipo, del maestro Dioni Fernández, intorno al 2008, ha accompagnato Henry García, Pablo Martínez, Ray Polanco, Diómedes Núñez, Eddy Rafael e altri artisti. Allo stesso modo, ha suonato per un anno e diversi mesi con Los Clásicos del Merengue de los 80, il primo gruppo del genere organizzato in terra dominicana, accompagnando personaggi come Álex Bueno, July Mateo (Rasputín), Bonny Cepeda, Charlie Rodríguez , Aramis Camilo, Carlos Manuel (el Zafiro), Jerry Vargas (el Nazareno) (Las Guáranas, provincia di Duarte, RD, 11 agosto 1954-Santo Domingo, RD, 18 gennaio 2020) e molti altri.

Nel 2010 ha iniziato a suonare con il gruppo Johanna Almánzar, esibendosi per un pubblico selezionato riunito in luoghi esclusivi come Casa de Campo, Santo Domingo Country Club, Casa de España e i casinò dell’hotel Hispaniola e il Malecón Center.

Dal 2012 ad oggi suona con il gruppo del pianista Sam Castro.

Il sassofonista di San Cristobal Armando García gli ha consigliato nel 2013 di suonare con la compagnia Pullmantur, Horizon cruise, per un tour iniziato a marzo ancorando a Panama, Venezuela, Aruba e San Martín, proseguendo da aprile a novembre dello stesso anno per arrivare, tra altri territori, a Barcellona, ​​Valencia e Palma di Maiorca, in Spagna; Marsiglia, in Francia; Firenze, Milano, Pisa, Palermo, Genova, Messina e Civitavecchia, in Italia.

Tornato in terra dominicana, due giorni dopo si è unito al gruppo Almánzar, artista con il quale ha continuato a suonare fino al 2018.

Proprio nel 2018 e con il supporto di diversi amici, tra cui suo cugino il cantante e cantautore Jimmy González, ha organizzato un gruppo chiamato Salsa Retro. Il concetto del gruppo è quello di suonare le salse classiche e sono ancora attive oggi.

“Ho anche lavorato in attività e concerti con Julio Sabala, Anthony Ríos (Las Cañitas, Sabana de la Mar, Hato Mayor, RD, 17 luglio 1959-Santo Domingo, RD, 4 marzo 2019), Fernando Villalona, ​​​​Álex Bene, Zacarías Ferreira e altri artisti ”, ha aggiunto, sottolineando di aver accompagnato un gran numero di merengueros e bachateros che hanno raggiunto la loro massima incidenza nei decenni degli anni ’80 e ’90.

Oltre a quelle realizzate con Tierra Seca, Eddy Herrera e Jossie Esteban, ha partecipato a registrazioni di Anthony Ríos, Sonia Silvestre (San Pedro de Macorís, RD, 16 agosto 1952-Santo Domingo, RD, 19 aprile 2014) , Luis Segura, Raulín Rodríguez, Al Jadaqui, Chiqui Rodríguez…

“Delle canzoni che ho registrato, molte hanno avuto fortuna, come la produzione di Raulín Rodríguez (dove si trova “Mi Hermoso Cañaguate”) e quella che ho registrato per il gruppo Al Jadaqui; ma quella che ha colpito di più è stata la versione merenguera di “Pégame tu vicio”, con la voce di Eddy Herrera, durante l’anno 2000”, ha considerato.

Dal 2015 condivide la sua vita con la signora Glendy Yokasta Adames Castaños ed è il padre di Emily Ureña Manzueta (2003), donando anche il suo cuore paterno a Oswald (2014). Sia Emely che Oswald hanno attitudini artistiche: lei ha preso lezioni di pianoforte e danza classica, e lui suona una serie di strumenti a percussione con una destrezza sorprendente.

Nella sua lunga carriera musicale, Junior Ureña ha goduto di una formidabile quantità di cose positive, quelle che traboccano di soddisfazione nella sua anima e qui ha aperto lo scrigno dei suoi tesori professionali per condividere qualcosa di ciò che vi conserva.

“Una delle mie più grandi soddisfazioni è stata quando ho suonato per la prima volta con la Orquesta Internacional, guidata dal maestro Ramón Orlando, perché sin da piccolo ammiravo la sua musica; un’altra la prima volta che sono entrato in uno studio di registrazione: ero molto nervoso e pensavo di non aver fatto bene, ma quando sono uscito dallo stand, il maestro Shilling mi ha dato la sua approvazione”, ha detto.

Ma proprio come ha assaporato la parte mielata che porta al successo, ha anche dovuto ingoiare l’amarezza di momenti che avrebbe voluto non aver mai vissuto o semplicemente cancellare con un tratto di penna.

“Ho avuto poche delusioni nell’ambiente musicale, ma ne ricordo una causata da un collega che mi ha fatto uscire da un’orchestra e mi sono sentito molto deluso da quella persona”, ha lamentato.

Crescere professionalmente è il desiderio di tutti coloro che hanno a cuore di migliorare ogni giorno la propria offerta al pubblico e di arricchire il proprio patrimonio. Junior ha questo scopo.

“Attualmente sto lavorando a un’idea che ho da molti anni: registro la mia prima produzione come percussionista, che conterrà 10 canzoni e diversi musicisti ospiti”, ha riferito.

Suona vari strumenti e si esercita giorno dopo giorno come uno che persegue la perfezione, poiché è così che Junior Ureña è riuscito a mostrare il suo talento e a dimostrare di avere delle mani magiche che lo hanno reso un percussionista completo.

Il violinista e compositore Luca Ciarla e la Violipiano Music presentano una nuova collaborazione internazionale con la Darkroom Contemporary, straordinaria compagnia di danza contemporanea di Cape Town fondata dalla coreografa sudafricana Louise Coetzer. Insieme hanno ideato e realizzato Des/Aria, un affascinante video di danza contemporanea girato da Oscar O’Ryan in Sud Africa, protagonista la danzatrice Tania Mteto. Il brano musicale, dal titolo omonimo, sarà disponibile in tutti gli store digitali da oggi, 18 giugno, distribuito da The Orchard / Sony Music.

L’ideazione e la registrazione del brano hanno avuto una gestazione inusuale che raggiunge virtualmente anche l’Australia. Lo scorso anno Luca Ciarla è stato nuovamente invitato dal Melbourne Jazz Festival, questa volta per un concerto online vista l’impossibilità di viaggiare. Con il supporto dell’Istituto Italiano di Cultura di Melbourne, Luca ha presentato la sua solOrkestra, un originale progetto in solo nel quale l’alchimista del violino crea musica con un pedale loop, la sua voce, un pianoforte a coda e un uso sapiente dell’elettronica. Des/Aria fu uno dei brani in scaletta, frutto di un’improvvisazione totale, una creazione estemporanea dalla prima all’ultima nota, anche nella forma musicale.

“Sono stato catturato da un semplice ostinato suonato al pianoforte e poi ho seguito solo l’istinto”, racconta Luca Ciarla. “Ho subito immaginato un futuro per quel brano, un’evoluzione in movimento, e ho pensato di farlo ascoltare a Louise”, ha aggiunto. “A lei è piaciuto molto e così è nato Des/Aria”.

Nel 2018 entrambi gli artisti si esibirono a Johannesburg al The Center for the Less Good Idea, straordinario spazio creativo fondato dall’icona mondiale dell’arti visive William Kentridge. (aise)

ROMA\ aise\ – Lunedì 21 giugno, in occasione della Festa della Musica, il Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale presenterà un progetto per la promozione della musica italiana all’estero: Music For Uncertain Times. Un percorso in tre episodi video diffusi dalla rete estera di Ambasciate, Consolati e Istituti Italiani di Cultura e sul canale Vimeo di italiana, il portale del Ministero dedicato alla promozione della lingua, della cultura e della creatività italiana nel mondo.

Commissionato dalla Farnesina, scritto da Andrea Lai e diretto da Francesco Coppola, il progetto consiste in tre performance musicali inedite ed esclusive, registrate da protagonisti della canzone italiana contemporanea in alcuni luoghi rappresentativi del patrimonio culturale del Paese: Francesca Michielin e Vasco Brondi al Museo del Novecento di Milano, Fiorella Mannoia e Clementino al Castel dell’Ovo di Napoli e La Rappresentante di Lista a Palazzo Butera a Palermo.

Un percorso che crea un dialogo fra musica, patrimonio culturale e linguaggio cinematografico. La cornice è offerta da tre gemme architettoniche: uno dei musei più giovani di Milano, il castello più antico di Napoli e un complesso monumentale simbolo di Palermo. Al loro interno è protagonista il pop italiano contemporaneo, con tre performance dal vivo esclusive e in versioni inedite. I riflettori sulla musica si trasformano poi in riflessioni sulla musica in questi momenti incerti, attraverso le parole degli artisti raccolte subito dopo le performance.

Francesca Michielin e Vasco Brondi sono due tra gli artisti più interessanti della scena musicale italiana attuale: lei cantautrice polistrumentista che festeggia proprio quest’anno i suoi dieci anni di carriera, lui pioniere della scena indie con il progetto Le Luci della Centrale Elettrica che ha ora intrapreso la sua carriera da solista. Hanno inaugurato il 2021 collaborando al singolo Cattive Stelle. In Music For Uncertain Times lo eseguono per la prima volta dal vivo, pianoforte e voce, al Museo del Novecento di Milano.

Fiorella Mannoia ha accompagnato con la sua inconfondibile voce gli ultimi cinquant’anni della musica italiana, Clementino è una colonna della scena hip hop italiana del nuovo millennio. Due artisti provenienti da universi all’apparenza distanti anni luce, che si incontrano tra le mura del Castel dell’Ovo per un intreccio tra chitarra e rap con vista sul golfo di Napoli. Una performance resa ancora più magica dal brano scelto: Terra mia di Pino Daniele.

La Rappresentante di Lista – progetto nato nel 2011 dall’incontro tra la cantante Veronica Lucchesi e il polistrumentista Dario Mangiaracina – è stata tra le più grandi rivelazioni dell’ultimo Festival di Sanremo, dove ha conquistato pubblico e critica con Amare. Nella sua Palermo, avvolto dall’aura settecentesca di Palazzo Butera, oggi laboratorio d’arte e avanguardia del Mediterraneo, il duo esegue proprio il brano sanremese, in un’elegante, intensa e sperimentale versione per pianoforte e archi.

Music For Uncertain Times racconta la musica arte fra le arti. Lo fa attraverso i musicisti, le loro note e le loro parole, mentre riflettono sulla musica in tempi di cambiamento, sul suo essere guida quando l’orizzonte muta, di essere bellezza contro la paura. Riempie di musica architetture nate per altri scopi raccontate dalle voci di critici e curatori d’arte: Gianluca Marziani al Museo del Novecento, Paola Ugolini a Castel dell’Ovo e Claudio Gulli a Palazzo Butera. Tre intense cartoline musicali della nuova bellezza italiana, tre nuovi contenuti gratuiti disponibili a tutti dal 21 giugno su italiana. (aise)

Ha talento e una voce attraente adatta ad interpretare vari generi musicali, ma la sua bandiera è stata il merengue e con lui è rimasto attivo, lanciando la sua battaglia, come si dice popolarmente, sia perché si sente più a suo agio con il ritmo che loro presiedono la güira e la tambora o puramente e semplicemente per evidenziare la sua dominicità.

Da molti anni combatte per ritagliarsi un posto nel gusto popolare e ha sviluppato una carriera degna di lode. Mi riferisco al cantante, compositore e leader di orchestra Alberth Hernández.

Nel registro civile lo hanno registrato come Alberto Fermín Núñez Hernández, nato giovedì 19 febbraio 1976 a Bonagua, La Vega, nella parte settentrionale della Repubblica Dominicana, e figlio dei vegani Aquilino Antonio Núñez Morel, contadino e venditore ambulante, e Herminia Antonia Hernández Pérez, casalinga, morta il 25 agosto 2013.

È il primo figlio tra quelli generati da Don Aquilino e Doña Herminia, comprese due femmine e due maschi che sono morti, Félix Antonio (1983) e José de Jesús (2016), ma ha anche tre fratelli maggiori da una precedente unione matrimoniale del suo genitore. Tutti i suoi fratelli cantano intonati, perché il loro talento artistico è stato ereditato dal padre.

Con grande orgoglio sottolinea che cantano anche le sorelle Miriam e Marisabel, sebbene solo una di loro, quest’ultima, eserciti professionalmente, essendo stata una ragazza del coro in varie registrazioni.

Quando parla della sua infanzia lo fa con una certa tristezza, ricordando le difficoltà che hanno dovuto attraversare per andare avanti e con ilproblema che suo padre doveva destreggiarsi con il suo magro reddito per distribuirlo tra due famiglie.

“È stata un’infanzia molto dura e difficile perché mio padre aveva due famiglie e il poco che generava non bastava a sostenere con dignità gli otto figli delle due donne e questo mi ha costretto a lavorare dall’età di sette anni, pulendo le scarpe” ricordava mentre sembrava continuare a cercare negli archivi delle sue esperienze.

Questo artista industrioso, che attribuisce alla nonna paterna la sua vena musicale, poiché suo padre ha ereditato il canto da lei ed è lì che anche gli altri fratelli lo hanno ereditato, ha anche ricordato che nella sua adolescenza ha dovuto lavorare facendo diversi mestieri, alcuni semplici e altri molto duri, per pagarsi gli studi e sopravvivere.

“Fin da piccolo ho notato che sapevo cantare con intonazione e i miei vicini e gli amici d’infanzia sono rimasti sbalorditi dalla mia voce. Quando avevo 11 anni, un venerdì, un compagno di studi disse all’insegnante di matematica che cantavo bene e mi hanno fatto cantare quasi per forza e ho interpretato “Con olor a hierba”, reso popolare da Emmanuel, e gli applausi sono piovuti; da quel momento in poi ho imparato quasi tutte le canzoni dell’epoca, ho trovato delle basi e mi sono esibito in diverse attività, ottenendo una buona accettazione; ho vinto due primi posti in concorsi musicali per voci nuove e in un altro ho ottenuto il secondo e ricordo che nel programmaBuscando Estrellas, sul canale 4, ho ottenuto anche il primo posto ”, ha detto Hernández.

Quando arrivò a Santo Domingo, nel 1985, si stabilì nel settore Cristo Rey, nella parte settentrionale della capitale dominicana, dove tuttora risiede, dove è molto normale che un ragazzo di una zona povera subisca limitazioni dovute alla scarsità di risorse economiche e debba raddoppiare i suoi sforzi per raggiungere i suoi obiettivi.

“Mi sono laureato in Filosofia e Lettere, con l’intenzione di gestire bene il linguaggio e quindi di scrivere canzoni migliori, e sono un pittore di paesaggi, immagini e ritratti. Non ho mai potuto imparare a suonare la chitarra, che era quello che mi piaceva, perché non ne avevo una tutto mia”, ha rivelato, mentre i fili di tristezza si aggrovigliano nei suoi occhi.

Come spesso accade a qualsiasi artista, si è ispirato a cantanti e cantautori di talento, che hanno avuto una certa di influenza sul suo modo di cantare e concepire le sue canzoni.

“All’inizio mi piaceva imitare José Luis Rodríguez, Emmanuel, Fernando Villalona e Johnny Ventura. Come Compositore ho ammirato Manuel Alejandro, Rafael Pérez Botija, Rubén Blades e tra i dominicani Frantoni Santana, Palmer Hernández, Juan Luis Guerra e altri talentuosi autori di canzoni ”, ha assicurato, citando anche Sandro (Buenos Aires, Argentina, 19 agosto 1945 -Mendoza, Argentina, 4 gennaio 2010) e Camilo Sesto (Alcoy, Spagna, 16 settembre 1946-Madrid, Spagna, 8 settembre 2019).

Afferma che si è nutrito degli stili interpretativi di Fernando Villalona, ​​Carlos Manuel (el Zafiro), Sandy Reyes, Henry García, Reynold Sosa, Daniel Vásquez e Amaurys Colón, tra gli altri.

“Il primo gruppo con cui ho cantato è stato il Ballet Folclorico Atabales, nel 1988; sono stato lì per circa un anno e da lì sono andato da Joseph & Sus Victororiosos, nel 1989, dove sono rimasto per tre mesi cantando canzoni alla moda dell’epoca”, ha spiegato, aggiungendo che la sua prima registrazione è stata fatta con Freddy Geraldo, nel 1992, negli studi EMCA, cantando il merengue “Si yo tuviera un millón”, scritto e arrangiato da questo talentuoso musicista di San Juan.

La sua carriera di cantante in gruppi musicali è proseguita quando è stato reclutato da Luis Ovalles, dove è rimasto dal settembre 1989 al marzo 1990; In quest’ultimo anno ha lavorato per due mesi con July Mateo (Rasputin) (Hato Mayor, poi provincia di El Seibo, RD, 23 settembre 1955-Santo Domingo, RD, 4 novembre 2018), anche se non è arrivatoa proporsi con il trombettista di Hato Mayor; Poi si è unito a la Dominican Band dove ha lavorato per cinque mesi.

Nel 1991, Alberth Hernández si è unito all’orchestra di Rubby Pérez, disipegnando tre mesi di lavoro con il grande cantante di Haina; nel 1992 è stato membro del Gruppo Tambó per otto mesi e nel giugno di quest’ultimo anno si è unito all’orchestra di Freddy Geraldo, registrando qui per la prima volta, come abbiamo già letto nei paragrafi precedenti. Andó via da questa orchestra nel giugno 1993, data in cui ha iniziato a cantare con il Grupo Sensation, dove rimase solo tre mesi.

La sua tappa successiva fu nell’orchestra del Té Caliente, guidata dal pianista, arrangiatore e compositore Alberto Plata, e qui esaurì un programma di lavoro iniziato nell’agosto 1993 e durato fino al febbraio 1994, quando si unì a Joseph & Su Banda Swing, gruppo che , sebbene con due cambi di nome nel frattempo (Chikos Swing e Kazadores), lo accolse fino al marzo 1997, quando fece il salto alla Rokabanda, orchestra popolare in cui rimase fino al febbraio 2001, quando andò alla Banda Ciclón, dove ha lavorato per un anno e allo stesso tempo guadagnava qualcosa alle riunioni con i classici merengueros degli anni ’80, condividendo ol palco con Cheché Abreu (Manoguayabo, Santo Domingo, RD, 26 luglio 1939- Santo Domingo, RD, novembre 17, 2020), Benny Sadel (Tamayo, provincia di Bahoruco, RD, 27 marzo 1960-New York, USA, 5 novembre 2005), Aramis Camilo, Sandy Reyes, Charlie Rodríguez, Carlos Manuel (el Zafiro), Peter Cruz e Chu cky Acosta.

Alberth ha anche avuto occasionali partecipazioni con l’Orchestra Filarmonica di Santo Domingo, diretta dal maestro Amaury Sánchez, La Boba Band, Grupo Max, guidata dal pianista e arrangiatore Rey Sánchez ed El Jovy.

Allo stesso modo, ha coltivato una vasta esperienza come corista, legando il suo nome a produzioni di Víctor Waill, Joseph Fonseca, Víctor Víctor, Alex Matos, Raldy Vásquez, Zafra Negra, Parada Joven, Marcos Caminero, Rokabanda e molti altri .

“Mi perro se alejó de mi” è stata la prima delle sue composizioni e l’ha scritta quando aveva appena 12 anni, ma il primo artista che ha registrato una canzone sua è stato Joseph & Su Banda Swing, con il merengue “Falso amor”, nel 1994, eseguito da Amaurys Colón, coautore della canzone, e arrangiato musicalmente da Israel Casado.

Da questo momento le composizioni di Alberth Hernándezad essere incise si moltiplicarono velocemente: “Devuélveme la vida” (canta Joel Sosa con La Muralla), “Tonto corazón” (Felino & Grupo Contagio), “Gozoso y Sabroso” (Marcos y René Caminero), “Chévere y Nice” (Ravel), “Piel con piel” e “Llámame” (Kathyan), “Tu mirada” (Banda Ciclón, cantando lo stesso Alberth), “Palo a palo” (Los Kenton e incisa anche da Zafra Negra e dal gruppo argentino La Barra), “Si tú me quisieras”, “Qué confusión” y “Estrella fugaz” (Los Sabrosos del Merengue), “Deseo” (a dúo con la portoricana Chadelle, che gli ha inciso anche “Tumbacadera”), “Olvidarte” (Grupo Staff), la sigla di apertura del popolare programma satirico Titirimundati, en coautoría con Amaurys Colón “El becerro” (Leo Patrick) e “El susto” (Miguel Céspedes).

Conosciuto nell’ambiente musicale come El Príncipe Alberth Hernández, questo irrequieto artista è anche il leader della sua orchestra, che ha fondato nel 2005 e con la quale rimane attivo ogni volta che è necessario intrattenere una attività.

“Il mio gruppo, El Príncipe Alberth Hernández y El Mismo Swing, è stato fondato nel 2005 e ha debuttato il 9 marzo al nightclub Platinum Club. Vi sono rimasto fino ad ottobre e ho debuttato con la band al completo l’8 novembre dello stesso anno. Abbiamo registrato quattro produzioni musicali di generi diversi e una compilation di 15 merenghe che ho registrato con Joseph & Su Banda Swing, Rokabanda e Banda Ciclón ”, ha riassunto.

Tra quelle produzioni spiccano i merengues: “Volveré, un año no es un siglo”, “¿Quieres ser mi amante?”, “Fresa salvaje”, “Llegó Navidad”, “Decepción de amor”, “Dominicano” e “Prometimos no llorar”.

“Molti musicisti di qualità sono passati dal mio gruppo, inclusi i trombettisti Freddy Cocote e Bernardo García, i sassofonisti Juan Frías e Joselito Sax, Nelson Timbal, El Maco Güira, Pablito Bass, Caonabo Piano e i cantanti e coristi Starling. Gold, Arthur Rodríguez and Garel ”, ha sottolineato il poliedrico artista vegano.

Fa notare che tra i suoi successi, vi sono quattro produzioni e ha vinto due premi Juventud Estrella come merenguero dell’anno, oltre ad aver compiuto tour molto favorevoli negli Stati Uniti, Argentina, Cile e Nicaragua.

“Una delle mie più grandi soddisfazioni è influenzare positivamente le coppie ad unirsi attraverso le mie canzoni, come nel caso di“Volveré, un año no es un siglio”, cosa che mi è stato confermata da diverse persone che, grazie a questa canzone, hanno formato una famiglia e trasmettere messaggi positivi attraverso la mia musica, ad esempio “Que Dios bendiga la mujer”, un inno alla non violenza, e “Hablanlo sniños”, una canzone per insegnare come educare i bambini “, ha detto il carismatico artista.

L’ambiente artistico sembra molto bello dall’esterno, ma nasconde molte amarezze e delusioni e Alberth Hernández qui ci racconta di esperienze particolari che gli hanno lacerato l’anima.

“Ho avuto diverse delusioni: hanno danneggiato il mio suono, mi hanno fatto inciampare e mi hanno persino fatto delle stregonerie”, ha detto.

Il suo merenghe “Piel con piel”, interpretato da Kathyan, è stato nominato per l’allora premio Casandra (oggi Soberano) tra i merenghe più importanti dell’anno 2000 e ha vinto il premio Juventud Estrella de Cristo Rey come Merenguero dell’anno nel 2014. È stato nominato di nuovo per questo premio nel 2017 e ha ripetuto il suo trionfo l’anno successivo, quando è stato anche eletto Artista dell’anno ai premi Unared.

“Sono un attore cinematografico e teatrale e ho già partecipato a 12 cortometraggi e a un lungometraggio dal titolo “El Cartel de la Makkinna: una deuda por cobrar”, di cui potete già godere su YouTube, e allo stesso tempo promuovo un merenghe simbolo del mio Paese intitolato “Está bueno Santo Domingo” e la ballata “Quién iba pensar el confinamiento”, basata sul tema della pandemia; entrambe le canzoni sono mie”, ha sottolineato Hernández.

È padre di tre figli: due maschi che sono cantanti, Starling, artisticamente Stalin Gold (1993) e Chris Viz (1995), entrambi esponenti dei cosiddetti generi urbani, e Vicky Laurel (1994), anche lei artista urbana e che dà i primi passi come youtuber.

Ha concluso la nostra intervista dichiarando, con la sua consueta scioltezza, quanto segue:

“Spero che mi seguirete anche su YouTube e Instagram, come El Príncipe Alberth Hernández, e aggiungo che sono pittore, parrucchiere, stilista, gioielliere e amo l’architettura. Ai giovani dico che rispettino i loro genitori, che li onorino con l’obbedienza e che inseguano i loro sogni, che con fede, perseveranza e disciplina possono essere realizzati”.

Sempre cordiale, sorridente, vestito in modo impeccabile e con un taglio di capelli moderno, come ogni buon artista, è solidale con buone cause e, soprattutto, è un essere umano che non dimentica mai la sua umile origine o il suo impegno per la qualità della musica con cui si identifica e che lo ha elevato al trono di Príncipe del Merengue.