Ennio Marchetti, direttore di Fatti Nostri, che abbina l’attività di scrittore e giornalista a quella di cantautore, presenta in questi giorni il suo ultimo singolo.

Si tratta di “Mi corazón”, una bella bachata tratta dal suo recente album di genere latino “Nicolasa y otras historias”, realizzato con la collaborazione del musicista e arrangiatore dominicano Freddy Valdez.

Il singolo è presente, e si può ascoltare, in Spotify e in Soundcloud al link

La risonanza musicale educativa presentata sulla Connessione Italia Brasile.

La tradizione nordestina è una delle componenti della cultura brasiliana.
Tra la miriade dei musicisti e compositori  brasiliani che sono nati nel nord-est del Brasile, regione caratterizzata dalla forte presenza del sole e della musica, vi accompagno alla scoperta di un talentoso cantante, PS Carvalho.

Paulo Sergio Oliveira de Carvalho, medico, ingegnere, insegnante e compositore, originario di Joao Pessoa, stato della Paraiba con le sue composizioni cantate nelle piazze, nelle televisioni e nei diversi luoghi raggiunge fama nazionale e internazionale.

Tra le caratteristiche che lo contraddistinguono ha tre passioni:musica, famiglia e scuola. Il suo repertorio assume la funzione educativa ed etica della musica e consiste in canzoni di testi sorprendenti, temi con importanti valori educativi. Un cantante di vari generi: MPB, Rock, Samba, Forrò, Pop Rock e musica romantica. Dotato di un stile inconfondibile con la  particolare sensibilità musicale, la gestualità nella rappresentazione, la forza, la “verve”,  la capacità di gestire i vari generi che sono gli aspetti più significativi per determinare il suo successo. E, da grande interprete, riesce a esprimere  diverse facce in un solo musicista.

Una figura di grande incidenza nel contesto musicale brasiliano che lascia una traccia di rilievo nella musica  popolare con la tradizione nordestina e il suo aspetto “poetico-passionale.

Quando si pensa alla musica popolare brasiliana la mente corre immediatamente alla samba, bossa nova perché sono i due ritmi che maggiormente sono conosciuti nel mondo ma può anche darsi che qualcuno, amante della cultura brasiliana o semplicemente più informato, conosca anche altre espressioni musicali quali il forrò che senza ombra di dubbio è un elemento principale della musica nordestina.

PS Carvalho con il forrò ha inventato tecniche di messaggio creativo, scritto diversi pezzi. Ha quindi idee chiare sul suo futuro musicale ed ha indicato come sua principale fonte d’ispirazione “l’umanizzazione”. Talentoso e  innovatore  nella composizione. Il più creativo e influente della città di Joao Pessoa.”.

Le curiosità sulla  carriera, vita e le collaborazioni.

Ha iniziato la sua carriera in Joao Pessoa nel 2017 con  il suo primo album Homo Sapiens.

Determinante fu l’incontro con il suo produttore musicale Janison Carvalho, Da cui nacquero le messe importante per l’artista. Attualmente, sta lavorando incidendo le canzoni per il suo nuovo album intitolato “Forrò Bambino” in collaborazione con un altro rinomato cantante brasiliano Fabiano Guimaraes. Trattasi di un nuovo progetto musicale educativo che trasmette alla comunità valori positivi riguardanti la formazione dei veri cittadini, sottolineando il ruolo centrale nella formazione di base. Un modo ideale per la musica autentica regionale.

PS Carvalho è autore di 41 brani che parlano d’amore, amicizia e felicità. È un conduttore radiofonico che fa uso della strumentazione tecnologica adeguata. Ha creato il “Programma Risonanza Musicale”e il podcast “ Curiosità musicale” con una puntata a cadenza settimanale. Un vero laboratorio musicale che è diventato il centro dei suoi progetti.

PS Carvalho: un vero cantastorie di Joao Pessoa

Città di magiche suggestioni, destinazione tropicale e tutta da scoprire spesso chiamata “la terra dove il sole sorge prima” o “La Porta do Sol”, un luogo che suona cosi musicale all’orecchio è considerata la culla dei cantastorie, la città da cui  nacquero i più bravi poeti, in primis PS Carvalho.

Il pubblico è la gente semplice, composto per la maggior parte da contadini, artigiani e lavoratori per la quale onore, amicizia, onestà e famiglia non sono semplici parole, ma chiavi di vita.

In queste cornice, ebbe un ruolo di considerevole importanza il musicista PS Carvalho, non soltanto per la sua musicalità ma per la  forma di porgere un pratico insegnamento umano e una funzione sociale importantissima.

Visitate le pagine di questo artista, per conoscere la loro storia, poesia e la loro musica.

Https://www.psmusic.net

Esce in questi giorni nelle principali piattaforme musicali internazionali il nuovo singolo di Ennio Marchetti, eclettico giornalista, scrittore e musicista, che da alcuni decenni vive nella Repubblica Dominicana.

Si tratta di “TRANQUILO”, un brano estremamente ballabile, il cui ritmo si rifà alla disco degli anni Ottanta, che ha la pretesa di trasformarsi nel tormentone dell’estate 2021.

“Tranquilo” gode del simpatico testo scritto dal compositore Mario Díaz, il songwriter dominicano più conosciuto e apprezzato da decenni a questa parte, che ha confezionato successi per alcuni dei più grandi cantanti latinoamericani dell’epoca, quali Celia Cruz, Sergio Vargas, Gilberto Santarosa e molti altri.

Il protagonista della canzone, racconta il testo, è stato lasciato dalla sua compagna che lo ha abbandonato su due piedi per un altro, portandogli via anche tutti i suoi soldi e pure il suo bel gatto grigio.

Però lui dice che, in fondo, non gliene importa nulla perché già ha trovato un nuovo amore “che vale per dieci” quello vecchio e ora si sente totalmente “tranquillo”. Balla, beve, canta, fa l’amore, “non c’è niente di meglio” afferma.

La musica di “Tranquilo” é stata scritta dallo stesso Ennio Marchetti, mentre l’arrangiamento è del maestro Freddy Valdez, con cui Marchetti vanta una proficua collaborazione anche nell’album “Ennio y Freddy”, dal titolo “Nicolasa y otras historias”, uscito nello scorso dicembre e già fruibile in Spotify, iTunes, Apple Music, Deezer, Bandcamp, Soundcloud etc.

“Tranquilo” è stato registrato negli Ibizt Studios di Las Terrenas con il prestigioso ingegnere del suono Brian Bizet, mentre i cori sono a cura di Yandra Morel, Roberto Cistellini e Stefano Rasia.

La copertina è curata da Clearco Giuria.

In Bandcamp è possibile ascoltarlo al link  https://ennioyfreddy.bandcamp.com/track/tranquilo e, chi lo desidera, lo può scaricare per un solo dollaro.

La batteria faceva parte degli oggetti domestici nella casa di suo padre, grazie all’abilità unica che il suo genitore possedeva nel suonare diversi strumenti a percussione, in particolare le tumbadoras, il bongo e il tambora. È così che è cresciuto tra il cutú cutú cuplá della pelle, il tilín tilán dei campanacci e il chiquí quichá, riquirrá riquirrá, e la cucuá de güira, güiro e maracas, nel seno di una famiglia che ha fatto della musica il pane quotidiano e con cui si se lo guadagnava quotidianamente.

Nella musica popolare dominicana si sono distinti musicisti che dominano vari strumenti della famiglia delle percussioni, tra cui Ángel Miro Andújar (Catarey), Villa Juana, Santo Domingo, RD, 23 settembre 1949-Zulia, Venezuela, 17 luglio 1988), Guarionex Aquino, Juan de la Cruz (Cioccolato), Julio Figueroa, Junior Ureña… Naturalmente, anche José Lucía appartiene a questo gruppo selezionato.

Ci sono famiglie che hanno una tradizione come percussionisti: i fratelli Andújar, con l’indimenticabile Ángel Miro (Catarey), i loro fratelli Raymond e Juan Félix (Tito), anch’essi già deceduti, e Juanita, suo nipote Nicky Catarey che si è distinto anche lui; il defunto batterista Francisco Frías ei suoi figli Guillermo, Alexis, Fray Luis, Alan e Franklin (el Gato). Inoltre, i fratelli Juan de la Cruz (Cioccolato). Isidro Martínez (Chilo) e Rafael Martínez Germán (Yapo) (Santo Domingo, R.D., 1967-Santo Domingo, R.D., 27 agosto 2015); il cantante Okil Medrano, che ha dato il suo stesso nome al popolare conguero noto come Fito, ed è stato seguito sulle orme dal figlio maggiore Jalmar e dal suo più giovane Raynner … Nello stesso tenore vale la pena citare Rafael Peguero (Prima Dulce) ei suoi figli José Lucía, Tony Lucía e Melvin (Canonico).

José Lucia García è nato a Santo Domingo, capitale della Repubblica Dominicana, sabato 23 febbraio 1952, i suoi genitori erano il musicista di Barahon Rafael Peguero (il popolare Prima Dulce), morto il 29 luglio 1992, percussionista della Super Orquesta San José, guidata dal maestro Papa Molina (Moca, provincia di Espaillat, RD, 19 dicembre 1925-Santo Domingo, RD, 5 agosto 2020), e la signora di Santiago Ana Josefa García, casalinga, che è partita per la dimora eterna il 15 agosto 2010.

Il soprannome di Rafael Peguero nasce perché in gioventù, nei gruppi musicali dove suonava, si esibiva anche come corista e qualcuno una volta commentò che “quel ragazzo era la prima dulce (la dolce cugina)” e da quel momento gli appesero il curioso soprannome .

“Siamo otto fratelli di padre e madre, di cui io sono il quarto, più sei da un padre, e tra loro ci sono anche i musicisti Ramón Antonio García (meglio conosciuto come Tony Lucía) e Melvin García (Canon)”, ha rivelato.

Anche se uno lo immagina in cima a strumenti in pelle e botte o mentre maneggia la güira, il güiro, le maracas, il campanaccio …, la realtà è che ha anche avuto il tempo di sviluppare la sua vita come qualsiasi altro bambino nato in un casa dove le risorse non erano abbondanti.

“Ho avuto un’infanzia normale, anche se con poche risorse. All’età di 12 anni ho iniziato la scuola e nonostante quel ritardo scolastico ho frequentato il terzo anno delle superiori, desiderando ardentemente essere un ingegnere. Facevo il lustrascarpe e lavoravo in una svendita, ma la musica mi scorreva nel sangue, ereditata da mio nonno paterno, Clemente Tejeda, e da mio padre”, ha detto, chiarendo che suo padre non portava il suo cognome paterno.

Da giovane ha cercato di entrare nell’accademia di musica Iris del Valle, ma non lo hanno accettato dicendo che era già troppo vecchio, e dopo quell’inciampo si è unito a un gruppo che suonava nella chiesa di San Vicente de Pául, a Los Mina.

“Più tardi, insieme a diversi amici, abbiamo formato un gruppo musicale, in cui il mio insegnante Dioni Fernández era all’inizio (anche se non menziona questo fatto nelle interviste)”, ha detto.

José Lucía, come è conosciuto nel mondo artistico, domina diversi strumenti a percussione, tra cui tumbadoras, tambora, bongo, timbal, güira e maracas.

“La musica è venuta con me, ma la pratica l’ho fatta da solo a casa e ho appena imparato un po’ di teoria musicale. Non sono un grande lettore, ma mi dono (come dice una canzone)”, ha detto con la giovialità che lo caratterizza.

Il suo primo lavoro, diciamo di alto livello, è stato con la Super Orquesta San José, guidata dal maestro Papa Molina, nella quale ha lavorato inizialmente come band boy, dove è rimasto per brevissimo tempo. Ha ricordato che la prima volta è entrato per occupare il posto lasciato da Ángel Miro Andújar (Catarey), ma poi non ha soddisfatto le aspettative e si è separato dal prestigioso gruppo musicale, al quale è poi tornato dopo essersi adeguatamente preparato.

“Con l’orchestra guidata dal maestro Papa Molina, nel 1973, quando avevo appena 21 anni, ci sono stato qualche mese (mi hanno buttat fuori perché non facevo bene il mio lavoro); poi sono tornato e sono riuscito a farlo”, ha detto.

Con Los Magos del Ritmo, il popolare gruppo musicale del maestro Félix del Rosario (San Francisco de Macorís, provincia di Duarte, RD, 12 luglio 1934-Santo Domingo, RD, 26 ottobre 2012) rimase solo un fine settimana, suonando le tumbadoras, dopo la partenza di Quico Marcano, che descrive come un tremendo conguero.

“Con il maestro Félix del Rosario ho avuto una partecipazione di breve durata, dato che dovevo suonare delle congas e, sebbene conosca quello strumento, era troppo faticoso per me; sono stato lì solo un fine settimana, perché non riuscivo a gestire le tumbadoras”, ha rivelato José Lucía, che fin da giovanissimo ha vissuto nel settore di Los Mina.

Nel 1974 entra a far parte della prestigiosa orchestra guidata dal maestro Rafael Solano, dove la sua esperienza si riduce a pochi mesi. A tal proposito ha espresso con notevole scoraggiamento quanto segue: “Ho lasciato quell’orchestra perché c’era un viaggio negli Stati Uniti e non volevano portarmi, non so perché”. Senza dubbio, è stata una grande delusione per questo artista talentuoso e gentile.

“Dopo di che sono stato invitato a suonare a San Cristóbal, con un gruppo locale, e da quel momento la fortuna mi ha inseguito, perché suonando ogni domenica in un locale chiamato El Caribeño, situato a La Feria, sono tornato  a suonare bongo con l’orchestra del maestro Solano e vi sono rimasto per alcuni lunghi mesi”, ha ricordato, mentre il suo sorriso schietto è esploso.

Non ricorda esattamente la prima volta che ha registrato, ma crede che sia stato con il maestro Papa Molina nello studio di registrazione della Radio Televisión Dominicana, in una sessione in cui hanno fattodiverse incisioni, ma che non riesce a identificare perché gli sembra che non siano state incluse in nessun album.

Nel giugno 1976 ha debuttato con Los Hijos del Rey, un’orchestra dove agli esordi cantarono figure del calibro di Fernando Villalona, ​​Raulín Rosendo, Robert Jeand’or, Sergio Hernández e Luis Manuel Weber, con musicisti di grande talento, tra loro Bonny Cepeda., Dioni Fernández, Joe Nicolás, July Mateo (Rasputín) (Hato Mayor, allora municipio di El Seibo, RD, 23 settembre 1955-Santo Domingo, RD, 4 novembre 2020), Kaki Ruiz e lo stesso José Lucía. Rimase con questa orchestra fino al 1982, facendo vari viaggi all’estero e registrando canzoni di successo como “La americana”, “Un brindis por Juan Lockward”, “Copacabana”, “Jardinera”, “Luz de la mañana”, “El herido”, “Así es la vida”, “Hechizao”, “Palomita”, “Sueño azul”, “Puchula”, “El viento”, “Yo me dominicanizo”, ““Marisela”, “La pilandera”, “No me dejes solo”, “Prieto Carrero” e “Jardinera”.

Nel novembre 1982 entra a far parte dell’orchestra del maestro Bonny Cepeda, registrando successi come “El mandamás” e “El ñé, ñe, ñe”, e rimase in questo gruppo, il cui cantante principale era sempre Richie Cepeda, fino al 1985.

Curiosamente, la canzone “Pena”, di Luis Segura, ha lasciato un’impronta indelebile nella carriera di José Lucía e, qualcosa che era iniziato per scherzo, si è trasformato in una registrazione che lo ha portato a un successo insolito.

“Quella canzone, che raggiunse il suo apice negli anni 1982 e 1983, era così ascoltata che si suonava tra i set, nei luoghi di divertimento in cui ci siamo esibiti. Quando salivamo sul palco, quella bachata suonava quasi sempre e se per coincidenza trovavo un microfono aperto cominciavo a cantarla, finché un giorno Bonny ha deciso che avremmo dovuto inciderla. Stavo facendo una satira, imitando mio padre, che era un cosiddetto poeta e declamando l’una o l’altra melopea, ma scherzavo. Andy Mesa e Bonny Cepeda, che erano i soci, decisero di registrarla e io improvvisai il testo che recitavo. Negli Stati Uniti, Colombia e Curaçao è stata un grande successo e la parte parlata, la satira, fu molto popolare. Dicevo che era un fatto insolito, perché non sono un cantante. Bonny la canta ancora nelle sue presentazioni quando si reca in Colombia “, ha detto.

La sua tappa successiva fu con El Equipo de il suo amico e maestro Dioni Fernández, dal 1985 al 1987, con un’interruzione di diversi mesi per ricongiungersi nel 1988 e terminare alla fine del 1989. Oltre a molti viaggi con questa orchestra, in cui l’allora Sergio Vargas, Charlie Rodríguez, Pablo Martínez, Diómedes Núñez, Kaki Vargas, Orbis García, Willy González, Alex Sosa e altri talentuosi cantanti hanno cantato. José Lucía ha registrato percussioni in “Fiesta y fiesta”, “Loco, loco”, “El pescador de Barú “,”Caribe”,” How is it possible “,” The rhythm of the night “,” Pasa la vida “,” Yo amo “,” Recomencemos “e altre canzoni di successo di questo acclamato gruppo musicale.

All’alba dei primi mesi degli anni ’90 viene reclutato da Rubby Pérez, con la cui orchestra ricorda di aver fatto una presentazione a Los Angeles, California, ma la sua permanenza con l’artista di Haina fu fugace.

Ha fatto parte del nucleo iniziale dell emblematica Banda Gorda, con José Virgilio Peña Suazo, dove rimase dal 24 giugno 1994 al 1996, registrando percussioni in merenghe come “¿Y qué es lo que tu mamá se cree?”, “Candela pura”, “Ven, que tengo mambo”, “Pa’ los que sufren”, “Un corazón sincero” e “Tú muere’ aquí”

“Dal novembre 1999 e per sempre, perché io e Sergio siamo inseparabili, un’amicizia molto solida ci unisce”, ha detto, riferendosi al suo ingresso nell’orchestra di Sergio Vargas, partecipando alla registrazione di brani di successo come “La Ventanita”. ” him more “,” Tell me when “e” The pill “, tra molti altri.

“Como abeja al panal”, “Estrellitas y duendes bachata rosa, señales de humo, frio frío, burbujas de amor (Juan Luis Guerra), “Quiéreme”, “El hijo mío”, “Hipócrita”, “Amor de pobre”, “Desperté llamándote”, “Alguien durmió en mi cama” e “Amores que matan” (Alex Bueno), “Jenny”, “Es mi vida” e “La gozadera” (Toño Rosario), “Tómame o déjame”, “Hoy tengo ganas de ti”, “Inocente pobre amigo” e “Si me das yo te doy” (Benny Sadel,  “Bailar pegados” e tutta la produzione “Bachata Magic” (Frank Ceara & Audrey Campos), sono altre canzoni in cui questo musicista veterano ha registrato percussioni.

Ha colto l’occasione per esprimere la sua gratitudine per le opportunità che il maestro Manuel Tejada gli ha sempre offerto e ha espresso ammirazione per i suoi grandi amici Okil Medrano e Johnny de la Cruz (Chocolate).

Ha accompagnato, tra molti altri cantanti e gruppi musicali, Juan Luis Guerra, Víctor Víctor (Santiago, RD, 11 dicembre 1948-Santo Domingo, RD, 16 luglio 2020), Alex Bueno, Héctor Acosta, The New York Band, Sophy, Chucho Avellanet, Lissette, Cheo Feliciano, Paquito Guzmán, Frank Ceara …

Stati Uniti, Londra (Inghilterra), Amsterdam (Olanda), Francia, Lussemburgo, Germania, Svizzera, Colombia, Venezuela, Porto Rico, San Croix, San Martin, Aruba, Curaçao e Haiti sono alcuni dei territori in cui José ha eccelso come percussionista.

Questo eccezionale musicista continua a lavorare tra gli Stati Uniti e la Repubblica Dominicana dal 2017 ed è sposato dal 2018 con la signora Joselyn Gil, con la quale ha procreato Miguel José García Gil (2015), essendo anche il padre di Ana María García Sánchez (1971), Wendy Ramona García Sánchez (1973), José Lucía García Vásquez (Chelo) (1973), María Cristina García Vásquez (1974), Carlos José García Vásquez (Chicho) (1976), Ana Josefa García Cabrera (1979), Edwin García Cabrera (1992), Lindamarys García Féliz (1990), Adela Lissette García Liriano (1992), Yanelissa Tatiana García Vásquez (1997), José Alejandro García Herasme (2008) e Dylan José García de la Cruz (2017).

Ha concluso la nostra intervista con un messaggio potente, rivolto ai suoi colleghi: “Ai colleghi musicisti: sii rispettoso nel tuo lavoro e stai lontano dai vizi”.

Con quell’umiltà che si riflette nel suo comportamento e nelle sue parole, ma con quella destrezza che lo ha reso un musicista di grande talento, rispettato da chi apprezza le sue qualità in quanto tali, non sembra un’esagerazione affermare che nel nome di José Lucía sono comprese tutte le percussioni.

Jerry Geraldo è un organizzatore di eventi newyorchese, DJ, produttore, imprenditore, presentatore e artista musicale di origine portoricana.

Jerry Geraldo è anche produttore esecutivo di diverse produzioni musicali della sua etichetta discografica Encendido Records.

Il talentuoso Jerry Geraldo ha realizzato l’album dance indipendente più hot del 2021. Gli esperti di settore stimano che raggiungerà un milione di stream entro la fine dell’anno.

Gli album di Jerry Geraldo “Toca La Musica” e “Toca La Musica Film” sono un viaggio dance intorno al mondo, con luoghi panoramici interpretati da ballerini e modelli professionisti che raccontano una storia dall’inizio alla fine attraverso il movimento. Nei suoi brani coesistono una miscela di vari stili di house, hip hop, latino, reggaeton e inspirational salsa, combinati in uno stile unico.

Jerry non si rivolge solo alla comunità latina ma cerca di espandere il suo messaggio di gioia di vivere espressa con il movimento anche ad altre comunità, per esempio a quella afroamericana, e recentemente è stato anche ospite del programma italiano in Boston USA, Itali-Echo.

Potete ascoltare e ballare i suoi brani su tutte le maggiori piattaforme digitali o iscrivervi al suo frequentato canale YouTube Dj Jerry Geraldo.

C’erano ancora i televisori a valvole, scatoloni bombati che trasmettevano programmi in bianco e nero sui due canali della Rai Televisione statale. Una sera d’inverno nel 1961, non una sera qualunque, trasmettevano il Festival di Sanremo, sullo schermo apparve una ragazzotta seppellita sotto un inverosimile cespuglio di capelli, una esordiente senza nemmeno un cognome ad accompagnarne il nome d’arte: Milva. La ragazzotta tirò fuori una voce dell’altro mondo, cupa, viscerale, intensa da fare male, tale da rendere misteriosi e intriganti anche versi come: “Vieni a vedere il mio mare/Io lo tengo nel cassetto/Una conchiglia, due stelle/Tre gocce di mare blu,” la canzone con la quale si classificò al terzo posto in coppia con Gino Latilla. Da quella goffa crisalide, con il passare degli anni si sviluppò una splendida farfalla, una donna enigmatica, sofisticata, tenace e bellissima, una artista duttile capace di calarsi in un repertorio difficile, una diva che si esibiva sui palcoscenici che “contano” davvero in Europa e vendeva dischi in tutto il mondo.

Se n’è appena andata, a 81 anni devastata dall’Alzheimer, che già è stata scritta una valanga di articoli soprattutto concentrati sui suoi amori, sugli uomini che sono entrati e usciti anche tragicamente dalla sua vita, su quello che alcuni di questi uomini hanno detto di lei e quello che lei ha detto di loro. Come se fossero queste le cose da ricordare veramente. Milva, soprannominata, e non lo meritava, “La Pantera di Goro,” ha vissuto una vita al di fuori delle convenzioni del suo tempo, ha cercato sì dei legami affettivi ma ha prima di tutto inseguito la sua libertà e la sua vera identità di artista e interprete attraverso un lungo, spossante lavoro di continuo studio e ricerca di una ideale perfezione. Ha avuto un Pigmalione, il marito Maurizio Corgnati, un intellettuale raffinato che intravide immediatamente dietro i vestitoni goffi e le pettinature iperboliche della ragazzotta di Goro l’immagine nuova e più vera di lei, quella di una sirena flessuosa dalla lunga chioma color fiamma, le labbra squillanti di rosso acceso, che ricordava Rita Hayworth ma con un tocco di mistero in più, con una sensualità algida, irraggiungibile contraddetta da quella sua voce che sembrava scaturirle dal grembo. Il resto, per la maggior parte lo ha fatto da sé, di Pigmalioni non ne aveva più bisogno. Restano le cose che parlano veramente di lei: il suo lavoro, le interpretazioni di Brecht, il teatro, i films che ha girato, i brani che ha cantato prima di fare l’ultimo inchino al suo pubblico e lasciare per sempre la scena.

AGI –  Addio a Milva, la ‘rossa’ della musica italiana. La cantante e attrice teatrale si è spenta a Milano all’età di 81 anni. Da tempo malata di Anzheimer, viveva nella casa di via Serbelloni, nel centro di Milano, con la segretaria Edith e la figlia, Martina Corgnati.  Milva, vero nome Maria Ilva Biolcati, era soprannominata la ‘Pantera di Goro’, dalla città natale in provincia di Ferrara, o semplicemente ‘la Rossa’, per il colore di capelli che è diventato anche il titolo di una famosa canzone scritta per lei da Enzo Jannacci.

In oltre 50 anni carriera è passata per generi musicali molto distanti fra loro grazie a una capacità e un talento interpretativo unico. La sua statura artistica è testimoniata dal successo ottenuto oltre che in Italia, anche in Germania, dove ha partecipato spesso a eventi musicali sui principali canali televisivi, ma ha pubblicato con successo dischi anche in Francia, Giappone, Corea del Sud, Grecia, Spagna e Sudamerica. Ha venduto oltre 80 milioni di dischi ed è l’artista italiana con il maggior numero di album realizzati: 173 tra album in studio, album live e raccolte.

Ha fatto la storia della musica italiana

Ha avuto riconoscimenti ufficiali dalle Repubbliche italiana, francese e tedesca ed è l’unica artista italiana ad essere contemporaneamente Ufficiale dell’Ordre des arts et des lettres, Ufficiale dell’Ordine al Merito della Repubblica Federale di Germania, Commendatore dell’Ordine al Merito della Repubblica Italiana e Cavaliere della Legion d’onore della Repubblica Francese. La ‘Pantera di Goro’ faceva parte del quartetto delle grandi voci femminili italiane degli anni Sessanta e Settanta, con Mina (la Tigre di Cremona), Iva Zanicchi (l’Aquila di Ligonchio) e Orietta Berti (l’Usignolo di Cavriago).

L’incontro con Strehler e con Brecht

Dopo aver lavorato nel teatro leggero con Gino Bramieri e David Riondino, il grande successo e la consacrazione come interprete arriva però con Giorgio Strehler sotto la cui direzione diventa una delle più importanti attrici teatrali italiane. Il suo repertorio principale diventa quello del teatro di Bertolt Brecht di cui diventa la maggiore interprete italiana e una delle più apprezzate in ambito internazionale. Alle canzoni di Brecht Milva ha dedicato quattro progetti discografici e moltissimi recital teatrali (‘Milva canta Brecht’

Parallelamente continua la sua carriera come cantante attraverso l’incisione di importanti album, ai quali collaborano Ennio Morricone, Francis Lai, Mikīs Theodōrakīs, fino a Vangelis, Enzo Jannacci e Franco Battiato.

Al Festival di Sanremo

Ha partecipato al Festival di Sanremo per 15 volte ottenendo due secondi posti e quattro terzi posti. La sua ultima partecipazione sanremese risale al 2007 con la canzone ‘The Show Must Go On’ di Giorgio Faletti. Nel 2018 ha ricevuto il premio alla carriera che non ha potuto ricevere personalmente viste le sue condizioni ed è stato ritirato dalla figlia.

Il cordoglio di Franceschini

‘Milva è stata una delle interpreti più intense della canzone italiana. La sua voce ha suscitato profonde emozioni in intere generazioni. Una grande italiana, un’artista che, partita dalla sua amata terra, ha calcato i palcoscenici internazionali, rendendo globale il suo successo e portando alto il nome del suo Paese. Addio alla pantera di Goro”. È il commento del Ministro della Cultura, Dario Franceschini, alla scomparsa della cantante.

Quando l’argomento di conversazione sono i grandi sassofonisti dominicani, c’è un nome che non dovremmo mai smettere di citare, sia per la sua bravura e la qualità delle sue esecuzioni sia perché ha fatto parte della storia di importanti orchestre e produzioni musicali di successo: questo musicista è conosciuto come Papo Cadena.

Il numero di registrazioni a cui ha partecipato questo superbo strumentista è abbondante, sempre di basso profilo, corretto e impegnato a contribuire al meglio del suo talento a beneficio della qualità di ogni incisione e di ogni gruppo quando ha dovuto dire presente con il suo sassofono sulle spalle.

Rafael Alberto Cadena Martínez è nato giovedì 16 marzo 1950 a San Juan de la Maguana, il comune principale della provincia meridionale di San Juan, i suoi genitori sono il musicista di San Juan Luis María Cadena Valdez, morto nel 1998, e la signora Azuana Andrea Martínez. Gomez, morta nel 1999.

Racconta che la sua infanzia è sempre stata legata alla musica, cominciando a fare musica quando aveva solo dieci anni, e che la sua inclinazione musicale è stata ereditata da suo padre.

“Mio padre era un insegnante di musica e direttore della banda musicale municipale, a San Juan de la Maguana. Ho imparato la teoria musicale guardando mio padre quando spiegava le lezioni ai suoi studenti; un giorno gli ho detto che volevo imparare, che volevo essere un musicista, e lui mi ha messo su” ha ricordato.

In casa Cadena Martínez la musica si respirava da tutte e quattro le pareti, come se la vita stessa fosse messa in scena, e non invano tutti gli uomini della famiglia avevano talento per suonare e / o cantare.

“Eravamo undici fratelli, otto maschi e tre femmine. Io sono il penultimo e tutti i maschi tendiamo verso la musica. Siamo rimasti solo in quattro, gli altri sono morti. Carlos suona il trombone, Danilo Alcibíades suona la tromba ed è un medico, Jesús Gamalier (il più anziano di tutti) suona il sassofono e ha una diploma in Ragioneria. Di quelli che sono già morti, Vitín ha cantato, Francisco Antonio ha suonato le tumbadoras e altri strumenti a percussione, Francisco ha suonato il corno armonico e Luis María ha suonato il sassofono e il clarinetto ”, ha raccontato.

Sebbene sia conosciuto nell’ambiente musicale con il soprannome di Papo seguito dal cognome di suo padre, la realtà è che questo artista gentiluomo e affabile non conosce la radice di quel soprannome.

“In verità, non so da dove venga il soprannome di Papo; so solo che mio padre e mia madre me lo dicevano fin da piccolo, non so per quale motivo, perché non me l’hanno mai detto, e quel soprannome è rimasto fino ad oggi ”, afferma il dinamico musicista, che frequentava le scuole superiori presso la scuola Francisco del Rosario Sánchez, nella sua città natale.

Papo Cadena, che suona il sassofono soprano, tenore e alto, nonché il flauto, come strumentista considera Socrates de León (Choco) il suo insegnante, sebbene riconosca anche l’influenza di sassofonisti americani, come Charlie Parker (Kansas City, USA) .USA, 29 agosto 1920-New York, USA: 12 marzo 1955), Paul Desmond (San Francisco, California, USA, 25 novembre 1924-New York, USA)., 30 maggio 1977), , John Coltrane (Hamlet, North Carolina, USA: 23 settembre 1926-New York, USA, 17 luglio 1967) e Grover Washington Jr. (Buffalo, New York, USA, 12 dicembre 1943 – New York, USA, dicembre 17, 1999).

Riferendosi alla sua prima esperienza come membro di gruppi musicali, ha espresso quanto segue: “Nella mia città ho avuto un mio gruppo per cinque anni, si chiamava Los Hermanos Cadena, poi ho suonato con l’orchestra Libertad e, nel frattempo, ho attuato con un gruppo di Azua chiamato Los Caribes del Sur. Già a Santo Domingo, dopo aver suonato in locali come El Caribeño, Monalisa e altri, la mia prima esperienza fu nell’orchestra La Criolla, guidata da Maxi Vargas, nel 1974. Questo gruppo suonava solo salsa”.

Precisamente, nel 1974, dovette impegnare le sue capacità di strumentista nel merengue “La telenovela”, di Carlos T. Martínez, registrato da Luichy Mejía, negli studi Fabiola. È stata la prima registrazione a cui ha partecipato Papo Cadena.

Dopo la permanenza nell’orchestra La Criolla, nella quale ha lavorato per un anno (1974-1975), è andato a suonare con quella di Víctor Irizarry (1975-ottobre 1976).

“Mi sono stabilito a Curaçao nel 1976 per suonare in un hotel, con un gruppo chiamato Raza. Dopo quattro mesi sono andato all’orchestra Super Dynamic e vi sono stato per quasi quattro anni, registrando in diverse produzioni di questo gruppo musicale, evidenziando le canzoni “El caimán” e “Yambú serenata”, che hanno avuto molto successo sul suolo di Curaçao “, ha rivelato, aggiungendo che in questa orchestra ha coinciso con Joan Minaya e Prudy Ferdinand (San Pedro de Macorís, RD, 29 aprile 1945-Santo Domingo, RD, 5 giugno 2014).

“Quando sono tornato a Santo Domingo, nel 1979, ho suonato l’orchestra El Sonido Original, ma poi è arrivato l’uragano David e tutto si è fermato”, ha ricordato, aggiungendo che con questo gruppo popolare, guidato da Luisito Martí (Villa Duarte, poi Santo Domingo, RD, 1 febbraio 1945-Villa Duarte, Santo Domingo Este, RD, 3 gennaio 2010), Anthony Ríos (Las Cañitas, Sabana de la Mar, allora municipio di El Seibo, RD, 17 luglio 1950 – Santo Domingo, RD, 4 marzo 2019) e Cuso Cuevas (Barahona, RD, 24 ottobre 1942-Santo Domingo, RD, 15 dicembre 2019), ha lavorato solo sei mesi e in quel momento è stato consigliato di unirsi all’ Orchestra di Fernando Villalona, ​​nella quale rimase fino al 1981.

Poi ha trascorso circa quindici anni senza suonare fisso con nessuna orchestra, anche se per brevissimo tempo è stato con Rubby Pérez e Aníbal Bravo, quasi esclusivamente dedicato alle registrazioni, una attività iniziata quando ha lavorato con Irizarry, dopo aver registrato con questo bassista e cantante dalla sua seconda produzione musicale. Successivamente si è stabilito nell’orchestra di Sergio Vargas, dal 2000 al 2018.

Ha anche una lunga storia, in termini di partecipazioni, nel cui ruolo è stato sassofonista per Dioni Fernández & El Equipo, Rubby Pérez, Benny Sadel, il cui vero nome era Enmanuel González (Tamayo, provincia di Bahoruco, 27 marzo 1960- Nueva York, USA, 5 novembre 2015), Michel el Buenón, The New York Band … È stato anche direttore musicale di Fernando Villalona, ​​El Sonido Original, Sergio Vargas e Monchy Capricho.

Ma dove la carriera di Papo Cadena raggiunge i suoi picchi più alti è quando scopriamo il numero sorprendente di registrazioni in cui ha messo il suo nome come sassofonista, come lo troviamo nelle produzioni musicali di Johnny Ventura, Rafael Solano, Fernando Villalona, ​​Jorge Taveras , Los Hermanos Rosario, Sergio Vargas, Rubby Pérez, Wilfrido Vargas, Dioni Fernández & The Team, The Original Sound, Alex Bueno, Bonny Cepeda, Las Chicán, Miriam Cruz, Los Hijos del Rey, Aramis Camilo, Eddy Herrera, Carlos Manuel ( El Zafiro), Ray Polanco, Diómedes Núñez & Grupo Mío, Pablo Martínez & La Muralla, Los Toros Band, La Artillería, Koqui Acosta, Aníbal Bravo, Víctor Irizarry …

Allo stesso modo, ha inserito il suo nome nelle registrazioni di Félix del Rosario (San Francisco de Macorís, provincia di Duarte, RD, 12 luglio 1934-Santo Domingo, RD, 26 ottobre 2012), Tony Seval (Santo Domingo, RD, 05 febbraio 1954-Santo Domingo, RD, 24 ottobre 1985), Nelson Roig (Padre Las Casas, Azua, RD, 1954-Santo Domingo, RD, febbraio 2000), Richie Ricardo, il cui vero nome era Ricardo Alberto Mateo Alcántara (Las Matas de Farfán, provincia di San Juan, RD, 1959-Santo Domingo, RD, 29 settembre 2013), Luis Díaz (Bonao, allora municipio di La Vega, RD, 21 giugno 1952-Santo Domingo, RD, 8 dicembre 2009), July Mateo (Rasputín) (Hato Mayor, allora municipio di El Seibo, RD, 23 settembre 1955-Santo Domingo, RD, 3 novembre 2018), Jochy Hernández (San Cristóbal, RD, 12 settembre 1963-Santo Domingo, RD , 30 aprile 1994), Jerry Vargas (El Nazareno) (Las Guáranas, provincia di Duarte, RD, 11 agosto 1954- Santo Domingo, RD, 18 gennaio 2020), Illegal, Roy Tavaré & El Clan de la Furia, Marcos Caminero, Young Orchestra, Tambó, Yarumba, Cañaveral, Orquesta Voltaje, Monchy Capricho, Rokabanda, Cocoband, Los Potros, Rikarena, Kinito Méndez, Nando Galán, Sin Fronteras, La Banda Show, Luis Ovalles, Kaki Vargas, Dimanchi, Jorge Solano, Roberto del Castillo, Freddy Gerardo, Los Pacos, Maremoto, Charlie Valenz …

Allo stesso modo, ha partecipato alle registrazioni di Conjunto Quisqueya, Olga Tañón, Los Hijos de Puerto Rico, Los Kenton, Mayra y Celinés, José Medina, Las Nenas de Ringo e Jossie, Toño Rosario, Oro Negro, Los Sabosos del Merengue, Zafra Negra, Chucky Acosta e Sus Amigos, Freddy Kenton e altri artisti con sede a Puerto Rico.

Tra quelli stabiliti a New York, vale la pena menzionare Milly Quezada, The New York Band, Iris & Franklyn, Juanchy Vásquez (El Galeno) (nato a Hatillo, San Cristóbal, RD, e morto a New York, USA, il 18 settembre 1999 ), Benny Sadel, The Big Apple, The Kings of the Caribbean, Henry Jiménez, Nelson Cordero (The Man), The Union, César Flores, July July, Goxandro …

Ha anche registrato in produzioni musicali di Ángela Carrasco, Anthony Ríos (Hato Mayor, allora comune di El Seibo, 17 luglio 1950-Santo Domingo, RD, 4 marzo 2019), Fausto Rey, Maridalia Hernández, Adalgisa Pantaleón, Cecilia García , Vickiana, Olga Lara, Shiomara, il cui vero nome era Xiomara Aquino Hernández (morto a Boston, Massachusetts, USA, il 13 luglio 2009), Carlos Alfredo Fatule, Valeria, Taty Salas, Zacarías Ferreira, Frank Reyes, Joe Veras …

Ha anche registrato per il messicano Enmanuel; salseros Roberto Torres, El Combo del Ayer e Orquesta Zodiac; i gruppi merenguero colombiani chiamati Orquesta Clave e Grupo Banana; per i Caracas Boys, Los Melódicos e Alpha 8 di Billo, dal suolo venezuelano; Super Dynamic e Grupo Enos, di Curaçao; Robert Jeand’or, di Aruba; Grupo Experimental Kali, Taxi Creole ed Erick Vergal, della Martinica; Buierber Group, da Haiti …

Quando gli chiediamo il titolo di alcuni merengues di successo dove ha inciso il sax, ha indicato questi: “Todo me gusta de ti” (Jerry Legrand), “Amaneciendo”, “Pato robao”, “Concierto de Aranjuez” e “Feliz Cumbé” (Fernando Villalona), “Juana la Cubana” (Las Chicán), “El pavo y el burro” (Los Hijos del Rey), “Marola” (Sergio Vargas), “Oye”, por July Mateo (Rasputín), “Si tú no estás” e “María” (The New York Band), “El motor”, “El alicate”, “Joselín”, “La varita” e altri successi di Aramis Camilo y La Organización Secreta; “y te vi” (Koqui Acosta); “La ola” (Juan Luis & Sus Mulatos, cantando Juanchy Vásquez -El Galeno-), “Algarabía” e “Te amo” (Los Kenton), “Faltaste a la cita” (Nando Galán), “Adolescente” e “Amor mágico” (Monchy Capricho), “El muerto” e altri successi di Tony Seval; “El baile del perrito” (Wilfrido Vargas); “¡Ay!”, “Te dejé de querer”, “Nunca te mentí”, “Cutibili Pachá” e “Te voy hacer falta” (Rikarena), “¿Qué quieres que haga?”, “Se siente” e “Caballo desbocado” (Roy Tavaré y El Clan de la Furia), “No sé qué hacer”, “Felicidades”, “El cantante del amor”, “Si quieres volver”, “Ámame” e quasi tutti i successi di Carlos Manuel (El Zafiro), “Te buscaré”, “Me decidí”, “¿Qué será de mí?” e quasi tutti i successi di José Veras (partendo da la Orquesta Joven), “Cibaeño”, “Cachamba”, “Esa mujer abraza mi vida”, “¡Anjá, Juan!”, “El baile del Sua Sua” (Kinito Méndez), “La flaca”, “Pa’ los coquitos”, “La faldita”, “La manito”, “La meta del vago”, “A mí que me importa”, “El cacú”, “Los bombillos”, “Bala, bala”, “A las mujeres”, “A usted lo botan” e “El hombre llegó parao” (Cocoband). Siccome ho registrato tanto è difficile ricordare i titoli di tutte le canzoni”.

Questo musicista veterano ha evidenziato le sue qualità di sassofonista in concerti memorabili, come il 50 ° anniversario della Banca Centrale e quello di Lope Balaguer (Santiago, RD, 22 agosto 1925-Santo Domingo, RD, 29 gennaio 2015), 100 anni del Bolero, le prime tre puntate dell’Heineken Jazz Festival …, dopo aver accompagnato Celia Cruz (L’Avana, Cuba, 21 ottobre 1925-Fort Lee, New Jersey, USA, 16 luglio 2003), Raphael, Marco Antonio Muñiz , José José (Clavería, Azcapotzalco, Città del Messico, 17 febbraio 1948-Homestead, Florida, 28 settembre 2019), Lucecita Benítez, Sophy, Pimpinela, Vitín Avilés (Mayagüez, Porto Rico, 30 settembre 1930-New York, USA , 1 gennaio 2004) e altre star internazionali.

Fino alla pubblicazione di questo articolo, il geniale musicista di San Juan aveva lanciato due delle sue produzioni musicali strumentali: la prima intitolata Papo Cadena, Su Sax & Orquesta, registrata per la casa discografica Kubaney nel 1984, e contenente le canzoni “Oye “(di Willy Chirino),” El gatico “e” Félix Cumbé “(di Francisco Cruz),” Cométela ripiá “(di Francisco García, il popolare Musiquito),” Ay, doctor! ” (di Bonny Cepeda), “La maiden” (di Manuel de Jesús), “La hamaquita” (di Teodoro Reyes) e “The African” (di Calixto Ochoa), tutti a ritmo di merengue.

Il secondo, uscito nel 2017, si intitola “Vivencias de Papo Cadena” ed è molto più vicino al jazz, e ancora fedele al merengue, con: “San Juan” e “Noticia”, entrambe composizioni e arrangiamenti musicali del maestro Juan Valdez, “Pintada de azul” e “Cámara”, questi due composti e arrangiati dal maestro Freddy Valdez, e le versioni merengue di “Nada personal” (di Armando Manzanero), “If you could lie” (di Marco Antonio Solis), “ Quando torno al tuo fianco ”(di María Grever) e“ Io vivo per lei ”(di Valerio Zelli e Gatto Panceri).

Olanda, Francia, Italia, Spagna, Germania, Belgio, Portogallo, Saint Martin, Curaçao, Aruba (con Sergio Vargas e con Super Dynamic), Stati Uniti, Porto Rico, Venezuela, Colombia, Panama, Haiti e altri mercati latinoamericani dove il Merengue è ben accolto, sono stati alcuni dei territori in cui Papo Cadena si è occupato di soffiare e premere il suo fedele strumento a fiato.

“Suonare con Michael Camilo, con l’Orchestra Sinfonica Nazionale e nei primi tre Heineken Jazz Festival ad Altos de Chavón”, ha sintetizzato le sue grandi soddisfazioni, citando alcune delle sue più grandi soddisfazioni nel suo ampio e intenso curriculum musicale, dove non ha mai subito delusioni.

Nel 1974 si è sposato con María Remedios de los Santos, di cui è rimasto vedova il 13 agosto 1996; con questa signora di San Juan ha procreato a New York, a soli 26 anni, Rafael (1981), Angélica (1982) e Remmy, morto per un infarto sul lavoro. Con la sua seconda compagna di vita, Alexi Soraya Tejeda, della capitale, ha avuto i suoi figli più piccoli, Albert (1998) e Marbel, (1999). Tra questi solo Albert, che studia pianoforte, ha un’inclinazione musicale.

“Sono stato negli Stati Uniti praticamente da quando ho lasciato il gruppo di Sergio, nel 2018, con sede a Providence, Rhode Island, ma vado nel mio paese e vi rimango per diversi mesi, anche se poi torno in territorio nordamericano. A Providence suono con il gruppo Alebreké, di salsa e vallenato, e con un paio di gruppi latin jazz ”, ha dichiarato.

Per i musicisti consacrati come Papo Cadena finché c’è un solo cuore che vibra al ritmo della güira e del tambora ci sarà sempre il merengue. Conformemente a quanto sopra, quando abbiamo concluso l’intervista pregandolo di inviare messaggio speciale, ha esposto il suo cuore pieno di dominicanità ed è riuscito solo a dire: “Per favore, sostieni il merengue”.

Questo è Rafael Alberto Cadena Martínez, lo stesso Papo Cadena che abbiamo conosciuto, quello che ha dedicato tutta la sua vita a estrarre dal sassofono mazzi di note piene di ritmo, sapore e sentimento.

Todd Barrow si sta facendo un nome come super country star americana.

Figlio di musicisti, il cantautore texano ha collezionato vari riconoscimenti, dal PRSA Award of Excellence, all’ Akademia Award per il miglior album country. E’ stato citato da Alternative Roots Magazine, American Pride Magazine ed è stato intervistato su AVA Radio e nel programma Itali-Echo, su WNTN Radio Boston.

È apparso in programmi televisivi tra cui Good Morning Texas con Jerry Matheny e Texas Music Café su PBS. Ha anche condiviso il palco e lo studio con alcuni dei più grandi artisti della musica country. Ma non è solo il riconosciuto successo di Todd che lo rende un artista country così avvincente e di valore. Ciò che è più evidente nella musica di Todd Barrow è il suo cuore.

La musica di Todd non è certo country vecchio stile. Mentre indubbiamente trae la sua influenza sonora da titani come Hank Williams e Johnny Cash, le sue melodie hanno un tocco di modernità. Suona quasi tutti gli strumenti, dal piano alla chitarra, mandolino, armonica e batteria, e il polistrumentista è anche autore di canzoni per se stesso e per altri artisti. “Se riesco a mettere un sorriso sul viso di qualcuno attraverso la canzone, beh, questo significa il mondo per me”, dice.” Cerco di arrivare al vero cuore e all’anima di una canzone. Per me, non sono solo parole ma una storia, e faccio del mio meglio per ritrarla in ogni verso. Questa è la mia attrazione principale per la musica country; le storie, le persone e la sincerità che viene dal cuore “.

È proprio quel cuore che ha conquistato il pubblico di tutto il mondo. Il recente singolo di Todd Barrow, “The House That Love Built”, scritto in collaborazione con Sonny Burgess, è stato presentato su RightNow TV ed è stato premiato da PRSA Fort Worth per i suoi sforzi di raccolta fondi per conto della casa di Ronald McDonald. Todd è apparso nella scaletta del festival Bo’s Extravaganza al John Schneider’s Studio, insieme ad artisti come Kid Rock e Tom Wopat dei Dukes of Hazzard.

Todd Barrow ha appena pubblicato il suo ultimo singolo, “Girl Like You”, ed è al lavoro su nuova musica in studio.

È uscito il 3 aprile 2021, per la FG Records, l’album di Santamaria, giovanissimo rapper ispano-americano di Tuscaloosa, Alabama. Si intitola “Space Martian” con il sottotitolo “Avviso ai genitori, contenuto esplicito”. Ma di certo nessuno si scandalizza: l’anima del rap, soprattutto americano, è proprio questa: la completa libertà espressiva e i contenuti espliciti, com’è noto, fanno parte del gioco e dello stile.

Santamaria è stato intervistato come artista emergente da WNTN Radio Boston nel radio-show Itali-Echo.

Sei un ragazzo giovanissimo ma molto ambizioso, cosa ti aspetti dall’uscita di Space Martian?

L’obiettivo per me è diventare il più grande hip hop artist nel panorama attuale, questo album di sicuro mi aprirà delle porte e vediamo dove mi porterà.

Cosa ti ispira a comporre i tuoi pezzi?

Tutto, tutto ciò che accade nella vita mi ispira, la quotidianità, ma anche i traumi, li metto dritti nella musica, ogni mio sentimento di felicità o tristezza finisce nella mia musica.

Che artisti ti hanno influenzato?

Sicuramente XXX Tentacion mi ha influenzato, un rapper afroamericano che ha messo nella sua musica la sua difficile vita. La sua musica è un mix di nu metal, hip hop ed emo-rap. E’ morto a soli 20 anni per uno sparo fatale durante una rapina.

E se davvero sfondassi nel music business, cosa faresti con il tuo successo?

La prima cosa che farei è dare a mia madre una casa enorme e vorrei restituire i favori alla mia comunità ispanica, dar loro un nome, una voce.

E cosa vorresti dire ai tuoi fan?

Vorrei ringraziarli, sono stati così fedeli, pazienti, io non sono stato così regolare nel pubblicare musica per loro ma ogni volta che lo faccio ho sempre reazioni positive e lo apprezzo molto. Su Instagram ho 4000 followers per ora ma sono certo che cresceranno con Space Martian.

E cosa possono aspettarsi i tuoi followers da quest’ultimo tuo progetto?

E’ diverso dai precedenti, è più versatile e ci sarà anche come ospite BamSavage, un rapper che vive in Florida, molto bravo e sono molto emozionato all’idea di questo nuovo album che sarà disponibile su tutte le piattaforme digitali e su SoundCloud, dove XXX Tenatacion diventò famoso.