Il suo nome ci è familiare, associandolo a un gran numero di merengue originati dal suo modo ingegnoso di concepire le sue opere, ed è qui che lo identifichiamo come Rento Arias, la cui firma si adatta a numerose canzoni che arricchiscono il repertorio di vari cantanti e nazionali e gruppi nazionali e d’oltremare.

L’umorismo, il festoso e l’amore, quelli che riflettono la malizia e quelli che si tuffano nella vita di tutti i giorni, sono i temi in cui questo prolifico compositore e cantante di talento naviga con facilità.

Hugo Renato Núñez Arias è nato domenica 27 agosto 1961 a Tamayo, comune della provincia di Bahoruco, nella regione meridionale della Repubblica Dominicana, i suoi genitori erano l’uomo d’affari e politico Bartolomé Núñez Acosta e l’insegnante Ana Lucía Arias Fabián, entrambi da Tamayo., che ha avuto cinque figli, di cui Hugo Renato è il terzo. Suo padre gli ha dato altri tre fratelli.

Quando si riferisce alla sua infanzia e ai primi anni della sua giovinezza, lo fa brevemente, riassumendo tutto in poche parole: “La mia infanzia è stata molto giocosa, birichina. La mia adolescenza molto divertente: molto studio e molto sociale “, ha detto.

Nella sua famiglia sono presenti diversi compositori, cantanti e musicisti, tra i quali lo zio Fernando Arias, cantante, chitarrista e compositore di canzoni, con una lunga carriera, e suo fratello Mario Alejandro Núñez Arias, che si è distinto come attore protagonista, partecipando anche in vari lungometraggi.

“Ho ereditato l’arte dagli Arias: da mia madre, da mio nonno e dai miei zii; nessuna da mio padre; non ha nemmeno imparato a fischiare e sa solo bussare alla porta ”, disse, incapace di trattenere le risate.

Come si suol dire, tutto cade sotto il suo stesso peso, e nel caso di Hugo Renato è stato per lui una cosa del tutto naturale rivelarsi artista, cosa che non doveva sorprendere, poiché nella sua famiglia l’arte significava una replica del pane quotidiano.

“La mia inclinazione è iniziata fin dalla tenera età, già a sette o otto anni. Sono nato in un ambiente circondato da musicisti e altri artisti ”, ha ricordato.

Ovviamente, non tutto gli è venuto per parentela, perché ben presto sono emerse influenze esterne, alcune vicine dalla sua terra e altre lontane dal continente europeo.

“La mia più grande influenza come cantante è stata Camilo Sesto e come compositore il mio collega compositore Cheo Zorrilla”, ha espresso con l’umiltà che lo caratterizza. Infatti, considera suo insegnante Camilo Blanes Cortés (Alcoy, Spagna, 16 settembre 1946-Madrid, Spagna, 8 settembre 2019), che è il vero nome del ricordato artista di Alicante.

“Ho studiato al liceo e sono entrato all’Università Autonoma di Santo Domingo (UASD), nel 1979; Volevo studiare Giurisprudenza, ma non sono riuscito a entrare direttamente nella carriera, perché dopo aver finito il College universitario ho lasciato le aule degli Uasdiani per dedicarmi alla mia vocazione di compositore ”, ha rivelato.

Ha ricevuto il suo battesimo musicale quando è entrato nel Grupo Artistico Tamayero (GRAT), nel 1975, rimanendo in questo gruppo fino al 1978, anno in cui la sua famiglia si stabilì a Santo Domingo.

“Ho fatto la mia prima registrazione come ragazzo del coro per Iris & Franklyn, nello studio Midilab, del maestro Manuel Tejada, in un merengue intitolato” Sin ella “, con un arrangiamento musicale del maestro Jaime Querol, che in seguito divenne un successo,” ha ricordato.

Dopo il gruppo GRAT, è andato da 4 Ases, sempre nella sua città natale, e già nella capitale dominicana faceva parte del coro della chiesa Las Mercedes, a Ciudad Nueva.

“Poi, nel 1991, sono entrato a far parte della leggendaria orchestra Los Hermanos Rosario, un gruppo che confesso di aver fatto l’errore di lasciare appena un mese dopo essermi unito. Sono stato portato in quel famoso gruppo da Rafa Rosario, che devo ringraziare per il riconoscimento ”, ha ricordato.

Come corista, questa irrequieto artista Tamayo, che suona un po’ di basso e vive a Santiago dall’inizio degli anni ’90, ha lavorato per Los Sabroso del Merengue, Elías Santana e Grupo Gozadera, tra gli altri.

Accanto al suo status di cantante, ha consolidato la sua eredità musicale grazie al suo talento autoriale, un dono che ha iniziato a coltivare quando ha praticamente debuttato in età adulta.

“Ho scritto la mia prima canzone nel 1980, si intitola“ María, María ”, che è diventata anche la prima delle mie composizioni ad essere registrata, nel 1985 grazie all’orchestra di Luis Ovalles, con la magistrale interpretazione di Leo Palace e un ottimo arrangiamento del maestro Bertico Sosa (La Romana, RD, 23 febbraio 1951-Santo Domingo, RD, 2 dicembre 2005) ”, ha narrato.

Tra i merengues più apprezzati composti da Hugo Renato (accreditato allora come Rento Arias), possiamo citare: “Ya llegué” (interpretato da Fernando Villalona), “Me muero” (Sergio Vargas), “No tienes corazón” (Jossie Esteban & La Patrulla 15), “Amor de hembra” (Rubby Pérez), “El borrachito” (Joan Minaya), “Suave”, “Sin ella” e “Mi manía” (Iris & Franklin

“La morena” (La Gran Manzana), “Tienes tú” e “Quiéreme, quiéreme” (Dioni Fernández & El Equipo), “Tómalo tú” (Miriam Cruz), “Si tú no me quieres” (Los Toros Band), “Mi more” (Eddy Herrera), “Tengo otra” (Elías Santana) “Dame un chin” (Los Kenton) y “El bombero” (in coautoría con Félix Veloz, un successo del gruppo Tambó).

Altri merengues della sua feconda ispirazione sono “A pedazos” (Sergio Vargas), “Hombre sin mujer” (Wilfrido Vargas), “La otra”, “Ay, qué mujer”, “Me vas a buscar” e “Para qué quererte” (Los Hermanos Rosario), “Desde que te conocí” e “Extraño” (Eddy Herrera), “Un día de amor” e “Ojos” (Rubby Pérez), “Al que le pique” (Kinito Méndez & Zafra Negra), “Añonaito” (Belkys Concepción), “Loco, loco” (The New York Band)…

È nota la quantità di merengues che gli sono stati incisi da orchestre di Puerto Rico, guidate tanto da portoricani come da dominicani, tra questi “Al que a hierro mata”, “El cuerpazo”, “Fiesta sabrosa”, “La pura verdad”, “La morena”, “No me importa”, “Qué nena más chula”, “Sabroso” e “No es mala na´” (interpretati da Los Sabrosos del Merengue), “Ese caso lo tenemos”, “Lo que no conviene”, “Pa’ la rumba voy”, “Qué bonito” y “Sacude la tristeza”  (por Zafra Negra), “Está de caché”, “La jibarita”, “Lo sabe hacer”, “Merencumbia”, “Que le den”, “Una mujer así” e “Yo quiero beber”  (Zona Roja), così come “Mejor dejémoslo así”, “Ella es la mujer” e “Sufre y llora” (Caña Brava).

Allo stesso modo, “Pa’ qué, pa’ qué” (che incisero Los Hijos de Puerto Rico), “Que no pare la fiesta” (La Mákina), “Ven, ven” (Willie Berríos), “Esa chica” (Fuera de Liga), “Esa sí sabe” e “No renunciaré” (Jacinto Gantier), “Tu cariñito” (Edwin Rivera) e “Del mismo nido” (Mayra & Celinés). Mayra poi si lanciò come Mayra Mayra mentre il suo nome reale era Mayra Enid Rodríguez Padua  (San Sebastián, Puerto Rico, 09 maggio 1963-San Juan, Puerto Rico, 06 marzo 2019).

Los Melódicos, dal Venezuela gli hanno registrato il merengue “No necesito más”, Santi e Sus Duendes hanno fatto lo stesso con “El pajarito”, Ilssa Gil con “Lo vi” e lo stesso Rento Arias ha dato la sua voce a “La gata de María Ramos ”, per un progetto musicale che pensava di promuovere insieme a Junior Cabrera e Félix Veloz, ma che per qualche motivo e nonostante avesse registrato diverse canzoni, si è spento.

Sebbene la sua più grande produzione di canzoni si trovi nel merengue, gli hanno registrato salse come “No eres la misma”, eseguita da Chery X, nome con cui è stato lanciato Cherito Jiménez (Santo Domingo, RD, 23 agosto 1968-Santo Domingo Este, RD, 24 luglio 2019) come cantante di salsa, “Triste y aturdido” (di Robert Jeandor) e “Las noche son frías” (di La Artillería, cantando El Jeffrey).

Ha anche dato il suo contributo alla bachata con “Viejo amor”, una canzone che è stata un successo con la voce di Anthony Santos, sebbene sia stata originariamente registrata dal portoricano Manny Manuel a ritmo di merengue, e “Mi receta de amor “(della Los Toros Band, cantando Héctor Acosta).

“Rento Arias è nato dal nome di mio nonno materno Renato, morto nel 2003, su suggerimento dell’ingegner Hermógenes Zorrilla, fratello di Cheo Zorrilla. Cancellando una lettera dal mio secondo nome, che è Renato e prendendo il mio cognome materno, che è Arias. Credo che forse pensava di cercare un nome che potesse attirare l’attenzione, un nome insolito ”, ha detto il nostro protagonista, che è stato più volte nominato ai Casandra Awards, ora Soberano.

Mentre fa il punto della sua brillante carriera musicale, trova abbastanza difficile elencare le molte cose positive che ha apprezzato; tuttavia, ve ne sono alcune essenziali, alle quali, pertanto, dà un certo grado di priorità, sebbene in poche parole sia grato per ciascuna delle benedizioni ricevute.

“Le soddisfazioni sono tante. La prima è stata essere inciso per la prima volta, grazie al maestro Luis Ovalles, e successivamente da tanti cantanti e orchestre di grande prestigio nazionale e internazionale, soprattutto dominicani, portoricani, venezuelani, colombiani, honduregni, argentini, cileni, salvadoregni … “, ha espresso.

Allo stesso modo, i momenti amari sono stati presenti anche in alcune fasi della sua carriera, anche se i guai non hanno mai oscurato il suo entusiasmo, tanto meno la sua creatività.

“Le delusioni sempre esisteranno. Ci sono state soprattutto quelle procurate dacolleghi a cui in certi momenti ho dato una mano e mi hanno pagato con monete false. Ma devi essere consapevole che questo è il mondo in cui viviamo e così va il mondo ”, ha lamentato.

E a proposito di entusiasmo e creatività, questo cantautore continua ad aumentare il suo contributo alla canzone dominicana, determinato a conquistare nuovi fans sparsi in tutti i segmenti sociali e,  scommettendo sulla sua qualità di cantante, aprire mercati per le sue creazioni musicali o ampliare la sua laurea di incidenza su di loro.

“Vivo nella stessa professione da quasi quattro decenni: faccio il compositore  e continuo a scrivere canzoni per artisti del mio paese e soprattutto di Porto Rico. Allo stesso modo, sono immerso nel mio progetto personale, registrando una produzione con canzoni romantiche mie e interpretate da questo umile servitore, che canta la vita e l’amore. D’ora in poi, come artista, assumo la mia vera identità: Hugo Renato, sperando di essere in grado di entrare in contatto con chi, come me, mette in rilievo il romanticismo “, ha detto.

Sposato dal 1991 con Eridania Hernández, dalla quale ha avuto due figli: Ozzist Yerony (nato nel 1987) e Wendy (1989), entrambi dotate di un grande talento per il canto, ha colto l’occasione per inviare un messaggio di incoraggiamento e consapevolezza alla fine del la nostra intervista:

“Voglio, attraverso questo mezzo, chiedere alla classe artistica, soprattutto ai miei colleghi compositori, di avere pazienza e di essere consapevole di tutto questo male che ci tiene in ostaggio: il Covid-19, una pandemia che ha messo in lutto e paralizzato il mondo intero”.

Sia come Rento Arias o come Hugo Renato, possiamo assicurare che questo talentuoso cantante e compositore dominicano ha la qualità come sua lettera di presentazione e un bel tocco per cantare d’amore, crepacuore, dolore, gioia, le cose di tutti i giorni e, in poche parole, alla vita in tutti i suoi aspetti.

Un genio, un folle, un violento: la vita, le carceri e le invenzioni di Phil Spector – morto all’età di 81 anni, e per sempre legato all’ultimo capolavoro dei Beatles, ‘Let it Be’ – è una delle leggende più nere della storia della musica. Sin dall’inizio segnata dall’alito della morte.

Sulla tomba di suo padre, morto suicida, c’è scritto “To know him is to love him”, ossia conoscerlo vuol dire amarlo. ‘To Know Him is to Love Him’ era anche il suo primo successo: aveva solo 17 anni, il suo gruppo si chiamava Teddy Bears, la casa discografica dovette precipitosamente stampare 18 mila copie perché le richieste arrivavano dalle radio di tutta l’America. Era il sideralmente lontano 1958.

Inizia così la leggenda di uno dei più grandi produttori musicali della storia del rock, geniale, feroce: ebbene Phil Spector, è morto in carcere in California, dove stava scontando dal 2009 una condanna a 19 anni, nientemeno che per omicidio.

“Philip Spector, è stato dichiarato morto per cause naturali alle 18.35 di sabato”, si legge nella nota diffusa dal Dipartimento della California. “La causa ufficiale del decesso sarà determinata da un esame medico presso l’ufficio del sceriffo della contea di San Joaquin”. A quanto riferiscono alcuni media americani, Spector era stato recentemente ricoverato per complicazioni legate al Covid.

Era stato arrestato nel 2003, nella sua sontuosa villa situata nel sobborgo di Alhambra, mettendo fine ad una delle vicende più gloriose (e anche controverse) del rock: il nome di Spector va messo di diritto tra i Dylan, i Beatles, gli Stones, è legato – oltreché a ‘Let it Be’ e al suo epico contrasto con Paul McCartney –  a una canzone-simbolo come ‘Imagine’, alla leggendaria tecnica di registrazione e di arrangiamento chiamata ‘wall of sound’, che ha fatto fare alla musica popolare del ventesimo secolo uno dei suoi balzi più prodigiosi.

Pioniere versatile ed eclettico, carattere instabile, irascibile, grande eremita del rock e grande innovatore, la vicenda artistica di Phil Spector merita un romanzo a sé (non a caso nel 2013 gli è stato dedicato un film con Al Pacino nei suoi panni, diretto da David Mamet): nato nel ‘40 nel Bronx da una famiglia di origini russe, Philip Harvey Spector era un genio precoce. A 21 anni, grazie ai Teddy Bears, era già miliardario.

Negli anni sessanta e nei primi anni settanta il passaggio di Spector cambia definitivamente i canoni del fare musica. È quello a cui devono la fortuna gruppi femminili come le Crystals e le Ronnettes, è quello del cameo-cult di ‘Easy Rider’ (fa la parte del pusher), è lui l’uomo dietro la consolle per alcune delle realizzazioni più belle di Ike & Tina Turner, ha scritto insieme a Mick Jagger ‘Little by Little’, ma – soprattutto – il suo nome sarà per sempre legato all’invenzione del ‘wall of sound’, il “muro del suono”: orchestrazioni sontuose (sovente con fiati e percussioni), sovraincisioni, contrappunti inediti per l’epoca del pop, numerose chitarre una sull’altra e via dicendo.

Un approccio complesso, che finì per cambiare la fisionomia dell’album ‘Let it Be’ dei Beatles – il disco che uscì nel 1970 a suggellare la fine dell’epopea dei Fab four – tanto da far inviperire Paul McCartney, che ritenne completamente snaturato il brano ‘The Long and Winding Road’, infarcito di fiati e archi, tanto che il buon Paul arrivò a minacciare casa discografica, manager e lo stesso Spector di azioni legali.

In effetti, aveva cambiato la natura profonda del disco, nato come un album ‘nudo’, realizzato praticamente in presa diretta, quasi ‘live’. Va detto, oltretutto, che negli anni successivi McCartney, quando suonava ‘The Long and Winding Road’ dal vivo ricorreva sostanzialmente all’arrangiamento dell’infido Spector, che forse ne aveva intuito la natura profonda.

Eppure, ‘tradimento’ dei Beatles a parte, sarebbe del tutto fuorviante considerare Spector una sorta di folle “wagneriano” del pop. Un esempio tra tanti: ‘Imagine’ di John Lennon. Suono allo stato puro, pulito, commovente per quanto è spoglio, “registrata come se fosse cantata al bagno” (la definizione è di Lennon).

L’album triplo ‘All Things Must Pass’ di George Harrison è, sì, roba da ‘wall of sound’, ma in versione paradossalmente intimista: è un disco saggio, se così si può dire, che dimostrò una volta per tutte che il genio di George era pari a quello degli ingombranti Paul & John. Allo stesso modo, va ricordato il marchio Spector anche su dischi sideralmente lontani tra di loro, come ‘Death of a Ladies Man’, di Leonard Cohen, ed ‘End of the Century’, dei Ramones, considerata una delle Bibbie del rock-punk americano.

Non che fosse un tipo alla mano, Spector. Narrano le cronache che avesse una vera passione le armi da fuoco. Il che, combinato al suo carattere, e rappresentava una miscela a dir poco esplosiva. Citato in tutte le storie del rock lo scontro in sala di registrazione proprio con i Ramones, che l’accusarono, nell’80, di averli minacciati con una pistola.

Nel 1977 fu Leonard Cohen a dire che il produttore era “un pazzo fuori da ogni controllo”.  Lui non fece mai niente per contraddire la sua pessima fama. Anzi. “Vado in collera quando la gente dice che il rock’n’roll è cattiva musica: possiede una spontaneità che non esiste in nessuna altra forma musicale… è la sola ed è l’autentica cultura americana”, dichiarò una volta.

Pare che fosse soggetto a depressioni, che fosse irascibile. Nel 1974 riportò ferite e ustioni in seguito ad un incidente d’auto: si disse, allora, che si trattava di una messinscena per sottrarsi alle pressioni dello ‘show business’. È un fatto che dopo l’incidente, Spector prese a fare una vita da eremita, rinchiudendosi nel suo “castello” degno del Charles Foster Kane di ‘Quarto Potere’ di Orson Welles, perseguitato dalle proprie ossessioni, vittima dell’alcolismo, protagonista, talvolta, di atteggiamenti violenti.

Degna di un romanzo nerissimo di James Ellroy la storia del 2003: dopo che dei vicini di casa furono svegliati all’alba da tre o quattro colpi da arma da fuoco, la polizia trova immediatamente il cadavere di tale Lana Clarkson. Bionda scultorea di 40 anni, riversa sui marmi dell’ingresso dell’improbabile castello bianco californiano che troneggia in mezzo ad una sfilata di casette familiari. Faceva l’attrice di alcuni film di serie B, tra cui uno con Roger Corman (‘Barbarian Queen’, un cult nel suo genere), vari serial tv (tra questi ‘A-Team’), un po’ di spot televisivi. Spector, arrestato e interrogato, in un primo momento fu rilasciato su cauzione (un milione di dollari), per poi scegliersi come difensore Robert Shapiro, uno dei legali del caso O.J. Simpson. Non bastò per scagionarlo.

Quello che seguì, e che gli procurò l’ultimo scorcio di vita passato interamente dietro le sbarre, non fu il suo primo processo: nel 1998, messo alla sbarra dopo che l’ex moglie Veronica (già cantante delle Ronettes) l’aveva accusato di averle sottratto introiti per 7 milioni di dollari, Phil trasformò l’interrogatorio in uno show. Accusa: “Signor Spector, si dice che lei fosse un perfezionista incallito, che costringeva gli artisti a passare ore in studio per ottenere il suono che desiderava, senza alcun riguardo per la loro stanchezza. È per questo che lei era considerato un genio?”. Spector: “Ma lo sono ancora. Sono costretto a dirlo, sono sotto giuramento”. Accusa: “Però qui lei ha chiesto una pausa e un bicchier d’acqua. Attenzioni che non aveva per i suoi artisti”. Spector: “Aveva un sapore strano quell’acqua: signor giudice, chiedo che venga fatta un’analisi per scoprire se l’accusa ha tentato di adulterare il mio bicchiere d’acqua”. Genio, follia e morte: per un nuovo film basta e avanza.   AGI

Questo sassofonista, flautista, arrangiatore, compositore, scrittore e musicologo è motivo di orgoglio per i suoi concittadini, ma anche per tutti i dominicani che apprezzano coloro che si assumono il compito di fare le cose bene e, in tal modo, evidenziano la qualità come loro standard.

Da quando si è innamorato della musica, ha dedicato le sue energie a diventare ogni giorno uno strumentista migliore e così ha scrutato le conoscenze che ha acquisito, passo dopo passo, pagina dopo pagina e domanda dopo domanda, perché il suo obiettivo è sempre stato quello di avvicinarsi il più possibile alla perfezione. Quell’ideale di ottimizzazione in termini umani e musicali, segnato da uno sforzo e un sacrificio titanici, lo ha portato a salire a un livello che pochi riescono a raggiungere in entrambi gli aspetti. Mi riferisco al maestro Juan Colón.

Juan José de la Esperanza Colón Rodríguez è nato a Mao, provincia di Valverde, nella regione nord-occidentale della Repubblica Dominicana, sabato 18 dicembre 1948, figlio del musicista Daniel Antonio Colón (Mao, RD, 29 dicembre 1915-Mao, RD , 30 agosto 1994), soprannominato Lucero, e della signora María Dolores Rodríguez (anche lei di origine maeña e morta il 23 aprile 1993), è il terzo di otto fratelli (Carmen, Sonia, Fátima, Domingo, Úrsula, Julia e Tony).

Crebbe impregnato della musicalità che abbondava nella sua umile casa, influenzato dal padre, che fu il suo primo insegnante di musica da quando aveva sette anni e già a otto suonava il “requinto” nella Banda Musicale Comunale della sua città nativo, diretta da suo padre.

Sognava di suonare la tromba, come faceva il suo genitore, che nella sua cerchia familiare chiamavano Pío, ma prima gli regalarono un clarinetto e poi si dedicò al “requinto”, mentre studiava teoria musicale cantata con la professoressa Antonia Arté, affettuosamente Doña Tontón, e armonia con il padre di quest’ultima, il maestro Emilio Arté.

La sua infanzia è stata caratterizzata dagli studi musicali, ma si è preso anche il tempo di “etichettare” i frutti nelle piantagioni vicino alla casa di suo padre e di nuotare nei fiumi della sua città natale con i suoi amici d’infanzia.

A tredici anni, suo padre lo portò al popolare Samoa Bar per vedere dal vivo per la prima volta un gruppo musicale da ballo, Víctor Batista e  la Orquesta Estelar, i cui sassofonisti, Milo, che oggi ha circa 90 anni, e Juan, che ora è morto, entrambi amici di Don Lucero, hanno così impressionato l’adolescente che il giorno dopo ha detto a suo padre che voleva imparare a suonare il sassofono ed è riuscito a farlo parlare immediatamente con Nene Rodríguez, sua cugina e sassofonista della banda municipale maeña, in modo che potesse prestargli il suo strumento fino a quando non avesse potuto acquistare il proprio.

Sebbene diversi sassofonisti suonassero nella suddetta banda municipale, colui che attirò la loro attenzione fu il compianto Sergio Frías, soprannominato el Feo, che apparteneva a Lucero e Sus Estrellas, dove suonava la chitarra nello stile del pianoforte e con essa eseguiva le figure sassofonistiche, qualcosa questo ha affascinato il ragazzo Juan José, che ha cercato di fare lo stesso con il sassofono.

Il culmine di quei giorni fu quando suo padre lo invitò a una festa a Santiago, dove ebbe il privilegio di vedere dal vivo la prestigiosa Super Orchestra San José, guidata dal maestro Papa Molina, il cui nome completo era Ramón Antonio Molina Pacheco (Moca , Provincia di Espaillat, RD, 19 dicembre 1925-Santo Domingo, RD, 5 agosto 2020), e rimase impressionato dal virtuosismo del sassofonista Cleto Octavio Vásquez, famoso come Tavito Vásquez (Santiago, RD, 24 aprile 1928-Santo Domingo, RD, 26 gennaio 1995), decidendo in quel momento che questo sarebbe stato lo strumento che avrebbe sempre suonato.

“L’impatto che ebbe su di me il vedere quest’uomo suonare è stato indescrivibile; non avevo sentito un sax suonare così pulito come il suo “, ha scritto nella sua opera” Vivencias de un musico”, pubblicata nel 2004, e ha aggiunto che a quel tempo era chiaro che quello che voleva era essere un sassofonista, soprattutto vedendo quel superbo interprete disimpegnarsi in un magnifico assolo nel merengue “Monte adentro”, composta dallo stesso. Questo lo ha incoraggiato ad aumentare i suoi sforzi e le ore di pratica con il delicato strumento a fiato.

Dopo aver sviluppato una certa abilità con la pratica del sassofono, il suo passo successivo è stato nel comune di Villa Vásquez, dove ha suonato a un ballo invitato da suo padre. Quindi ha formato una combinazione con il suo defunto zio Genaro Ventura, soprannominato Cucha, che era un sassofonista tenore con Lucero e Sus Estrellas, e in seguito ha attinto all’esperienza dei sassofonisti di Santiago, Esperanza e altre città della regione di Cibaeña, condividendo diverse attività .

Nel 1965, quando aveva solo 17 anni, si stabilì nella capitale dominicana e si iscrisse all’Università Autonoma di Santo Domingo (UASD) come studente di Filosofia e Lettere, allontanandosi dalla musica per due anni per concentrarsi negli studi letterari. Accontentando il desiderio dei suoi genitori, finché non si stancò di questioni filosofiche e tornò a ciò che la sua anima gñi richiedeva: la musica.

Le cose si fecero più difficili e Juan Colón cercò di unirsi alla Banda Musicale della Polizia Nazionale, ma non ci riuscì, perché era ancora minorenne e quel prerequisito gli impediva di formare una linea presso l’istituto di ordine pubblico. Poi una luce apparve in fondo al tunnel: il suo amico, sassofonista e chitarrista Humberto Reyes Rojas (Mao, Valverde, 1944-Santo Domingo, RD, 1976) soprannominato El Chivo y Guajiro, gli suggerí di arruolarsi come musicista nella Marina (oggi Armada Dominicana) e lo aiutò a farlo, raccomandandolo a un Maggiore di questa istituzione militare di nome Mañaná e dopo aver superato un rigoroso esame, fu ammesso con il grado di Raso.

Non tutto era roseo in quellaistituzione: doveva fare gli esercizi di routine di ogni recluta per tre mesi, prima di dedicarsi interamente a fare il sassofonista nella banda della polizia, dove rimase per due anni. .

Nel 1968 è stato raccomandato dal suo compueblano Humberto Reyes per suonare il sax tenore in un’orchestra speciale guidata dal maestro Rafael Solano per accompagnare il pluripremiato artista messicano Armando Manzanero in una serie di presentazioni (Mérida, Yucatán, México, 7 dicembre 1934-Ciudad de México, México, 28 dicembre 2020) e dopo aver terminato quella breve stagione, Fello Solano lo invitò a provare con la sua orchestra, dove arrivò quando aveva solo 22 anni e lì suonò con i cantanti Vinicio Franco (Puerto Plata, 14 Settembre 1933-Santo Domingo, RD, 19 dicembre 2020), Rico López (Sabana de la Mar, El Seibo (oggi municipio di Hato Mayor), RD, 4 aprile 1939-Santo Domingo, RD, Gennaio 1991) e, soprattutto, Francis Santana (Santo Domingo, RD, 20 giugno 1929-Santo Domingo, RD, 11 gennaio 2014), con il quale ha instaurato una solida amicizia. Ha anche coinciso qui con il suo amico Reyes, anche se per brevissimo tempo, poiché quest’ultimo ha formato un gruppo separato, registrando la produzione “El Chivo & Su Banda” (in cui cantava Raulín Rosendo), e poi è morto in un incidente stradale.

“Ho studiato due anni al Conservatorio Nazionale di Musica tra il 1970 e il 1972, sotto gli insegnamenti di: Manuel Miniño (Baní, provincia di Peravia, RD, 2 gennaio 1930-Santo Domingo, RD, 9 settembre 1996), Aura Marina del Rosario, morta nella sua città natale, La Romana, il 3 dicembre 2019, e Manuel Simó (San Francisco de Macorís, provincia di Duarte, RD, 30 giugno 1916-Santo Domingo, RD, 14 settembre 1988) . Lì ho ricevuto insegnamenti su: teoria musicale, armonia, contrappunto e pianoforte elementare ”, ricordando che anche lui fu allievo del compianto Rubén Darío Portalatín.

Nell’orchestra del maestro Solano, dove ha lavorato per circa tredici anni, il geniale musicista di Mao stava arricchendo le sue capacità come strumentista, grazie al suo approccio al jazz, blues e bossa nova, tra gli altri generi musicali. Dal 1968 al 1982 registra nelle produzioni “Por amor”, “Está bien”, “Ha llegado la hora del moro”, “La batuta”, “Solano en Navidad”, “A bailar la mangulina”, “Váyase en paz”, “Dominicanita”, “La soga”, “Siempre arriba”, “Esta es mi orquesta”, “Fiesta fabulosa”, “Rafael Solano y sus amigos”, “Su compa” e molte altre.

Il suo talento di squisito interprete si rifletteva nelle canzoni emblematiche di questa orchestra, come le ballate “Por amor”, “Por caridad”, “¿Por qué lloras?” y “En ruinas”, i bolero “Magia”, “Estamos en guerra”, “Confundidos”, “10 de abril, aniversario”, “Entonces me cansaré de ti”, “Está bien” y “No tardes más” (tutti del maestro Solano); i merengue “Anoche soñé” (del maestro Julio Alberto Hernández), “La batuta” (paroledi  Emilio Morel e musica del maestro Hernández), “Váyase en paz” (di Dionisio Mejía, Guandulito), “Alevántate” (di Francisco Espinal, Fuache), “El papujito” (attribuito a Choco Peravia), “Arroyito cristalino” (di Arcadio  Franco, Pipí), “Siña Juanica” (di Félix López Kemp), “Desiderio Arias” (Julio Alberto Hernández), “Carmela linda” (Isidoro Flores), “Consígueme eso” (Pedro Néstor Pérez), “Gallito pinto” y “Aleluya”; “Mano lao” e “Baitolina” (di Luis Kalaff), “Guayacanal” e “Ramón Madora” (di Ramón Amador Gué, artísticamente Ramón Madora), “Amor profundo” (del maestro Hernández), “Maroteando” (di Aníbal Rijo), “Te enredaste, cariño” (Mundito Espinal), “A bailar la mangulina” (del maestro Solano) e “Palo con pena”; “Qué tontería” (Billo Frómeta), “Juana Mecho” (Pedro Reynoso) e “El tiririri”; “Dominicanita” e “Como Juan” (del maestro Solano),  “Pensándolo bien” (testo di Yaqui Núñez del Risco e musica del maestro Solano); “El niño pobre” (del colombiano Chucho Vargas) e “Cruz Cune” (del curazalegno Anselmo “Boy” Dap); le salse “Báilala hasta las 2” (del cubano Bienvenido J. Gutiérrez) e “La loma de Belén” (della cubana Juana González); il boogaloo “La hora del moro”…

Tra il 1968 e il 1969 è stato sotto la direzione del maestro Solano lavorando stabilmente presso l’Embassy Club dell’hotel El Embajador, accompagnando artisti del calibro di Raphael, Marco Antonio Muñiz, Lucho Gatica (Rancagua, Cile, 11 agosto 1928-Città del Messico, Messico, 13 novembre 2018), Roberto Yanés (Villa de María, Argentina, 25 aprile 1932-Buenos Aires, Argentina, 30 maggio 2019), Tito Rodríguez (Santurce, Porto Rico, 4 gennaio 1923- New York, Stati Uniti, 28 febbraio 1973), Felipe Pirela (Maracaibo, Venezuela, 4 settembre 1941-San Juan, Porto Rico, 2 luglio 1972), José José (Città del Messico, Messico, Febbraio 1948-Homestead, Florida, USA, 28 settembre 2019), Roberto Ledesma, Sophy, Chucho Avellanet, Antonio Prieto (Iquique, Cile, 26 maggio 1926-Santiago del Cile, Cile, 14 luglio 2011), Libertad Lamarque (Rosario, Santa Fe, Argentina, 24 novembre 1908-Città del Messico, Messico, 12 dicembre 2000), Lucecit a Benítez, Lissette Álvarez, Olga Guillot (Santiago de Cuba, Cuba, 9 ottobre 1922-Miami, Florida, USA, 12 luglio 2010), Rocío Jurado (Chipiona, Cádiz, Spagna, 18 novembre, 1944-Madrid, Spagna, 1 giugno 2006), Rocío Dúrcal (Madrid, Spagna, 4 ottobre 1944-Madrid, Spagna, 25 marzo 2006), Juan Legido (Tetuán, protettorato spagnolo del Marocco, Spagna, 15 Gennaio 1922-Bogotá, Colombia, 26 maggio 1989) …

Nello storico Primo Incontro Internazionale della Nuova Canzone “Sette giorni con il popolo”, tenutosi dal 25 novembre al 1 dicembre 1974, presso il Palacio de los Deportes, il Maestro Colón ha fatto parte dell’orchestra speciale che ha accompagnato diversi degli artisti che vi hanno attuato: Mercedes Sosa (Tucumán, Argentina, 9 luglio 1935-Buenos Aires, Argentina, 4 ottobre 2009), Silvio Rodríguez, Antonio Caban Vale, Lucecita Benítez, Danny Rivera, Ana Belén, Víctor Manuel, Roberto Darwin, Guadalupe Trigo (Mérida, Yucatán, Messico, 28 giugno 1941-Acapulco de Juárez, Messico, 18 marzo 1982), Los Guaraguao, il Combo Show di Johnny Ventura, Cuco Valoy & Los Virtuosos, Nueva Forma, composta da Sonia Silvestre (San Pedro de Macorís, RD, 16 agosto 1952-Santo Domingo, RD, 19 aprile 2014), Víctor Víctor (Santiago, RD, 11 dicembre 1948-Santo Domingo, RD, 16 luglio 2020) e Claudio Cohén, e Young Expression, composto da Ramón Leonard o, Manuel de Jesús, Puro Eduardo López e Chico González (poeta di Santiago scomparso nella capitale dominicana il 3 ottobre 1997) e Convite, dove spiccava Luis Díaz (Bonao, RD, 21 giugno 1952-Santo Domingo, RD, 8 dicembre 2009), Ana Marina Guzmán, Dagoberto Tejada José Altagracia Castillo Méndez (San Francisco de Macorís, provincia di Duarte, RD, 14 maggio 1943-Santo Domingo, RD, 10 aprile 2007), José Enrique Trinidad, Iván Domínguez, Miguel Mañaná, José Rodríguez Santos (Chemo) (Santo Domingo, RD, 27 maggio 1953-Santo Domingo, RD, 14 gennaio 2016).

Nel 1979, durante un viaggio a New York, il Maestro Solano lo presentò al grande sassofonista Mario Rivera (Santo Domingo, R.D., 22 luglio 1939-New York, Stati Uniti, 10 agosto 2007), il cui consiglio fu decisivo affinchè Juan Colón avesse maggiore chiarezza sulla profondità dei concetti jazz, una ricerca che per il musicista rasentava l’ossessione.

Precisamente, nel 1979, è approdato alla National Symphony Orchestra, come secondo flautista, e in questa prestigiosa istituzione musicale ha lavorato solo per due anni, ritenendo che la musica classica non fosse dove voleva stare.

Tavito Vásquez, Mario Rivera, Félix del Rosario, Sócrates de León (Choco) e Heriberto Payán, furono la sua ispirazione e modelli, senza cercare di imitarli, sempre alla ricerca della sua impronta particolare, quella che lo identifica oggi.

Racconta con soddisfazione il fatto che gli insegnanti Antonio Morel (Moca, provincia di Espaillat, RD, 20 dicembre 1920-Santo Domingo, RD, 13 maggio 2006), Bienvenido Bustamante (San Pedro de Macorís, RD, 27 febbraio 1923-Santo Domingo, RD, 15 novembre 2001) e Papa Molina lo chiamarono quando richiedevano i servizi di un tenorista. Alla fine, quando per qualche motivo Manuel Antonio Perdomo, il musicista defunto soprannominato El Manso e che suonava il sassofono baritono e alto, non poteva partecipare, il Maestro Colón, nonostante fosse il suo un tenore, suonava con Félix del Rosario e se la cavava molto bene. Ha anche avuto l’opportunità di suonare per i trombettisti Héctor de León (Miches, El Seibo, R.D., 24 novembre 1927-Santo Domingo, R.D., 19 giugno 1999) e Guillo Carías.

Il Maestro Del Rosario, con l’umiltà che lo ha sempre caratterizzato, gli ha dato la possibilità di eseguire assoli jazz con lui e di questo gli è sempre stato grato, così come Carías, che gli ha mostrato la complessità della bossa nova. Tra i suoi consiglieri c’erano anche Tavito Vásquez e Héctor de León, i cui orientamenti furono fondamentali per il suo sviluppo come strumentista. Cabeza, come veniva chiamato il grande trombettista, offriva le sue lezioni disinteressatamente e gli suggeriva di condividere molto con i musicisti in modo che fosse nutrito dalle loro esperienze in termini di suoni e fraseggio. A tutto ciò si aggiungeva la preziosa scuola che rappresentava l’ascolto di produzioni di grandi musicisti americani, tra cui Charlie Parker (Kansas City, Kansas, USA, 29 agosto 1920-New York, NY, USA, 12 dicembre). Marzo 1955), Cannonball Adderley (Tampa, Florida, USA, 15 settembre 1928-Gary, Indiana, USA, 8 agosto 1975), Sonny Stick, Stan Getz (Philadelphia, Pennsylvania, USA) .US, 2 febbraio 1927-Malibu, California, USA, 6 giugno 1991), John Coltrane (Hamlet, North Carolina, USA, 23 settembre 1926-Huntington, NY, USA, 17 luglio 1967), George Coleman, Coleman Hawkins (St.Joseph, Missouri, USA, 21 novembre 1904-New York, NY, USA, 19 maggio 1969 ) e Sonny Rollins.

Alla fine del 1981 si stabilì a New York, dove ricevette il sostegno del suo amico e anche brillante sassofonista Crispín Fernández, che lo ospitò persino nel suo appartamento e lo presentò ai capigruppo. Il che fu decisivo che dopo una settimana trovasse un lavoro con l’orchestra del maestro Primitivo Santos, con il quale ha collaborato per un paio d’anni.

Tuttavia, per le sue responsabilità di padre e marito, dovette lavorare come operaio in una fabbrica per un anno e nel settembre 1983 si unì a Milly, Jocelyn & Los Vecinos, registrando nelle produzioni “Los Vecinos, por supuesto”, “Special delivery”, “Avant garden”, “Dinastía”, “Esta noche”, “7+1= Vecinos”, “Nostalgia”, “Lo mejor de Milly”, “Flying solo”, “Ahora es”, “Celebrando”, “La Milly y una noche” y otras; poi solo con Milly come solista: “En tus manos” e “Hasta siempre”. Incise il sax nei successi “¿Y ya pa’ qué?” e “Volvió Juanita” (di Esther Forero), “Eso no va, mi querido” (Pedrito Núñez del Risco-Milly Quezada), “Lo mío es mío/Amanecemos parrandeando” (I. Villanueva-Israel Romero), “Se formó el rumbón” e “En el primer lugar/My number one” (Luis Kalaff), “En tus manos” (Alejandro Jaén), “Entre tu cuerpo y el mío” (de Gustavo Márquez), “Se va reír de ti” e molti altri.

Nel 1982 fece parte del grupo jazz Manuel Tejada e Su Grupo, insieme a Sergio Sánchez, Gustavo Moré, Guarionex Aquino (figlio) e Wellington Valenzuela (San Juan de la Maguana, provincia di San Juan, RD, 1951-Santo Domingo, RD, 12 Agosto 2017).

Poi è passato a Los Reyes del Caribe, dei fratelli Carlos e Julio Alcántara, ma parallelamente ha lavorato con Isidro Infante, Luis “Perico” Ortiz, Ray Santos (New York, NY, USA, 28 dicembre 1928-New York , NY, 17 ottobre 2019), Ángel Fernández, Ricky González, Ray Martínez, Luis Mojica …

Nel frattempo, trova sempre spazio per studiare e perfezionare la sua maestria di raffinato strumentista; è per questo che ha studiato per circa due anni presso la Niz Mobil Jazz School, diretta dal maestro Frank Foster, ampliando le sue conoscenze di improvvisazione, armonia, orchestrazione e concetti di jazz e big band. Ha preso anche lezioni private con Susan Barna, allora flautista della Detroit Philharmonic, con il grande sassofonista Mario Rivera, che lo istruì in improvvisazione, padronanza delle scale minori, maggiori, diminuite, aumentate e pentatoniche, cavalcando le tracce del bebop, il blues e le svolte e le svolte dell’interpretazione jazz.

Allo stesso modo, ha intensificato la sua formazione come sassofonista solista, primo sax alto, trascrizione e progressioni jazz con il maestro Bobby Porcelli; con Guillermo Litchz ha approfondito la conoscenza dell’armonia avanzata nei modi del jazz e delle sue applicazioni, dell’orchestrazione per archi e ottoni, nonché dei segreti della scrittura per combinazioni di strumenti diversi. Ha seguito corsi di improvvisazione e interpretazione con Bob Berg (Brooklyn, New York USA, 7 aprile 1951-Amagansett, New York, USA, 5 dicembre 2002) e con il flautista russo Henry Lotzni ha appreso nella tecnica di suonare sulle note del flauto, così come nell’improvvisazione. Il Maestro José Antonio Molina gli ha dato lezioni di arrangiamenti, orchestrazione e come scrivere per archi, mentre con Ray Santos ha avuto l’opportunità di studiare arrangiamenti per big band di musica tropicale e piccole combinazioni.

Nel 1990 il maestro Juan Luis Guerra lo chiama e gli propone di entrare a far parte del suo gruppo 4-40 e ha lavorato con questa prestigiosa orchestra fino al 1997, partecipando agli album “Areito”, “Fogaraté” e “No es lo mismo ni es igual”. contribuendo con il suo talento a successi come “El costo de la vida”, “Rompiendo fuente”, “Mal de amor”, “La cosquillita”, “El farolito”, “El beso de la ciguatera”, “My PC”, “Vale la pena ”e“ El Niagara en bicicleta ”, tutti composti da Guerra.

“Ho lasciato il gruppo Juan Luis Guerra e 4-40 perché i lunghi tour mi tenevano lontano da mia moglie e dai miei figli”, ha detto.

Sebbene facesse ufficialmente parte di Juan Luis Guerra & 4-40, durante tutto quel tempo suonò anche per diversi gruppi con sede a New York, tra cui la Mini Band di Luis Rijo, la New York Band e La Gran Manzana, nelle sue due fasi: prima diretta da Henry Hierro e dopo la partenza del talentuoso pianista, compositore e arrangiatore Franco-Corisano per formare l’Orchestra Hierro con suo fratello Willie. Con La Gran Manzana ha contribuito alle produzioni “Cuando llegará?” e “A Manzanazo Limpio”, entrambe del 1986, registrando il sassofono nei merengues “Mala, mala, mala”, “No meniegues tu cariño”, “Molé, molé”, “Vamos a beber”, “Mentirosa”, “Tus besos “,” Cuando llegará”,” Donde estás mi vida? “…

In quella fase ha lavorato con Olga Tañón, sopperendo alla motivata assenza dell’amica Vicky, Bowden, sassofonista della talentuosa cantante portoricana, per circa tre mesi.

Allo stesso modo, ha partecipato alcune volte e registrato con Cuco Valoy & La Tribu e ha suonato anche con Ramón Orlando, a New York in altre città americane.

Per due volte ha avuto il privilegio di accompagnare musicalmente Celia Cruz (L’Avana, Cuba, 21 ottobre 1925-Fort Lee, New Jersey, USA, 16 luglio 2003) e ha registrato con lei una produzione in omaggio a Ismael Rivera (Santurce, San Juan, Porto Rico, 5 ottobre 1931-Santurce, San Juan, Porto Rico, 13 maggio 1987).

Va notato che ha anche suonato con il gruppo del defunto maestro Luis José Mella alcune volte, sporadicamente, e similmente ha accompagnato Gilberto Monroig (San Juan, Porto Rico, 2 luglio 1930-Santurce, San Juan, Porto Rico , 3 maggio 1996), Rubby Pérez, in vari tour, Gilberto Santa Rosa, Yolandita Monge, Myriam Hernández, Maridalia Hernández, Isabel Pantoja, Marisela e altre grandi star della canzone popolare.

Ha inciso in un disco di ballate di Fausto Rey, diretto dal Maestro Bienvenido Bustamante.

Dal libro “Solos de un virtuoso del merengue” (1989), ispirato a Tavito Vásquez, nasce la produzione “Con el alma de Tavito” (1998), che ha avuto la collaborazione del maestro Manuel Tejada, e che contiene “Los saxofones” (di Chachí Vásquez), “La maricutana” (di Radhamés Reyes Alfau), “Caña brava” (di Toño Abreu), “El tabacco” (di William Liriano), “El hombre marinero” (di Ricardo Rico), “El negrito del batey “(con testo del poeta azuan Héctor J. Díaz e musica di Medardo Guzmán),” El merengón “(di Joseíto Mateo),” Compadre Pedro Juan “,” Leña “e” Las rigoleras “(del maestro Luis Alberti ), “Con el alma” (di Pedro Reynoso) e “La manigua”.

Anche se è stato pubblicato nel 2003, è stato nel 1991 quando il maestro Colón ha registrato “Nuestro merengue”, che non ha avuto l’impatto previsto, poiché l’etichetta è fallita e questo album rimase sneza essere pubblicizzato. “Hatillo Palma”, di Francisco Antonio Lora Cabrera, l’immortale Ñico Lora (Monción, provincia di Santiago Rodríguez, RD, 1880-Navarrete, Santiago, RD, 10 aprile 1971), “Juanita Morel” (di Bilo Henríquez), ” Jovinita “, di Dionisio Mejía, Guandulito (Higüey, provincia di La Altagracia, RD, 23 marzo 1911-Santo Domingo, RD, giugno 1979),” Juangomero “(Vaudilio Grullón Blanco) (Cañongo, Montecristi, RD, 1854- La Vega, RD, 6 aprile 1950), “Loreta” (di Luis Alberti), “No te sal na ‘”, “Llegó la guardia”, “Llorar de amores”, “Canto a Loreta” e “Ay, caramba ”, sono le canzoni che contiene, tutte arrangiate da questo rispettato musicista di Mao.

Aveva avuto un certo riavvicinamento forzato con il perico ripiao, tra il 1971 e il 1977, suonando i sassofoni tenore di Fefita La Grande, Dionisio Mejía (Guandulito) e Los Merengueros de Luis Kalaff (Pimentel, provincia di Duarte, RD, 11 ottobre, 1916-Santo Domingo, RD, 2 luglio 2010), ma all’inizio degli anni ’90 del secolo scorso, ha partecipato a diverse feste con il suo compueblano e abile fisarmonicista Ricardo Gutiérrez, a New York, e nel 1998 ha registrato tre merengue con il rispettato fisarmonicista Francisco Ulloa.

Nel corso della sua luminosa carriera le soddisfazioni sono state tante, ma ha anche sentito le sferzate di delusioni e a questo proposito ha scritto: “Ci sono molte e varie esperienze con diversi produttori musicali che non sono state di beneficio umano per me. Preferisco ignorare i loro nomi, non per paura o risentimento, ma perché nel mio cuore non ho alcun desiderio di danneggiare personalmente nessuno. Mi sento come se l’universo restituisse loro il prezzo delle loro azioni “.

“In più occasioni mi è stato chiesto, sulla base di una presunta amicizia, di lavorare in collaborazione con altri progetti. In alcuni di essi ho realizzato il 90% degli arrangiamenti e, una volta terminato il lavoro, non c’era la minima considerazione di lasciare almeno il mio nome nella lista dei crediti, come se non avessi mai fatto nulla “, si lamentava nella sua autobiografia.

Ha iniziato come arrangiatore a New York nel 1983, elaborando tre arrangiamenti musicali per il cantante di salsa Santiago Cerón (Santo Domingo, R.D., 25 luglio 1940-New York, N.Y., USA, 10 maggio 2011). Successivamente, ha arrangiato per Primitivo Santos un trio di merenghe, uno dei quali strumentale, “Concierto Alegre” e “Absencia”. Per Milly, Jocelyn & Los Vecinos ha arrangiato i merenghe “En el primer lugar / Mi number one”, “Vamo’ hablar ingles “,” Pa despues venir llorando”, e” Solita y sin compromiso”, oltre alla produzione di boleri dove spiccano la voce di Milly Quezada come solista e le orchestrazioni del maestro Colón. Ha anche arrangiato per La Gran Manzana, Los Reyes del Caribe e Los Nietos del Rey, ma, secondo le sue stesse parole, “non era quello che stava cercando e voleva fare qualcosa di diverso da quei merenghe”, e poi è stato coinvolto nella realizzazione di produzione dal titolo “Con el alma de Tavito”, nella quale si è occupato di tutti gli arrangiamenti.

Con Johnny Ventura ha partecipato allo spettacolo “Soy”, del 2000, che ha avuto, in giorni consecutivi, tre pienoni al Teatro Nazionale e di cui è stata registrata un’omonima produzione musicale.

Precisamente, nel 2000, è stato riconosciuto come “Figlio meritorio” dall’ufficio dal Comune di Mao.

Oltre agli artisti già citati, Juan Colón, che nella sua lunga carriera ha suonato in Giappone, Spagna, Olanda, Mozambico, Brasile, Messico, Colombia, Venezuela, Aruba, Curaçao, Ecuador, Haiti, Guatemala, Cile, Argentina, Costa Rica , Porto Rico e altri paesi, oltre al suo paese natale e gli Stati Uniti, ha registrato come sassofonista in produzioni di Wilfrido Vargas, Los Hermanos Rosario, Sergio Vargas, Mickey Taveras, José Octavio, Parada Joven, Jailene, Domingo Quiñones, Jessica Cristina, Tony Tun Tun, Mayra Bello …

Il suo gruppo Sonido Latino lo ha creato nel 2001, mantenendolo attivo fino al suo ritorno nella Repubblica Dominicana, nel 2014.

Nel 2002 ha organizzato un gruppo, con il bassista Ray Martínez e il pianista giapponese Chiemi Nakai, per suonare diversi generi musicali ogni sabato presso il rinomato ristorante Noche, a Manhattan.

Mentre risiedeva nella città di New York andò a un concerto del grande flautista James Galway e vedendolo suonare con tanta perfezione decise di abbandonare quello strumento, perché sapeva che per suonarlo così doveva dedicarsi completamente a quello e dimenticare i sassofoni, cosa che non aveva in mente di fare.

Gradualmente riesce a inserirsi nella scena del latin jazz a New York, suonando con orchestre prestigiose come Frank Grillo “Machito” (L’Avana, Cuba, 3 dicembre 1905 o 1908-Londra, Regno Unito, 15 aprile 1984) , Mario Bauzá (L’Avana, Cuba, 28 aprile 1911-New York, NY, USA, 11 luglio 1993) e Tito Puente (Harlem, NY, USA, 20 aprile 1923- New York, NY, USA, 31 maggio 2000).

Con il suo Latin Jazz Quartet ha registrato nel 2008 la produzione “Noches intimas, Volumes 3 y 4”, con brani come “La comparsa” (di Ernesto Lecuona), “Night and day” (di Cole Porter), “Lamento Borincano “(di Rafael Hernández),” Fly me to the moon “(originariamente” In other words) (di Bart Howard), “Monalisa” (di Ray Evans e Jay Livingston “The last night” (di Bobby Collazo), ” El negrito del batey “(di Héctor J. Díaz e Machilo Guzmán),” Ansiedad “(di Chelique Sarabia),” Romance en La Havana “(Ray Tico),” Desiderio Arias “(di Julio Alberto Hernández);” The days of wine and roses “(di Johnny Mercer e Henry Mancini),” O pato “(di Jayme Silva e Neuza Teixeira),” La maricutana “(di Radhamés Reyes Alfau),” Summer samba “(di Norman Gimbel, Paulo Sérgio Valle e Marcos Valle), “All of me” (Gerald Marks-Seymour Simons), “Lamento cubano” (Eliseo Grenet), “La empalizá” (Luis Kalaff) e “Si Dios fuera negro” (Roberto Angleró) e, tra gli altri , un pot-pourri di boleri che raggruppa “Y” (di Mario de Jesús), “Sabrá Dios” (di Álvaro Carrillo) e “La hiedra” (di Saverio Seracini e Vincenzo D’Acquisto).

Il maestro Juan Colón, sposato con la signora Lourdes Xiomara Gómez, è il padre di Juan José (Jochy), Juan Francisco (John), Karen, Vielka, Frankie e Roanny, ha pubblicato le opere “Solos de un virtuoso del merengue” (1989 ) (in omaggio a Tavito Vásquez), “Jaleos tradicionales de Nuestro Merengues” (libro / CD), “Solos de un Gigante del Latin Jazz” (in omaggio a Mario Rivera) (1996), la sua autobiografia “Vivencias de un Músico” (2014) e “Tecnica para saxofón” (2015).

Dopo la richiesta della fondazione Luis Mojica di scrivere iltema di un saggio letterario sulla strage degli haitiani avvenuta nel 1937, durante la dittatura di Trujillo, nacque la sua prima composizione: “The parsley massacre (La masacre del del perejil)”, il lavoro strumentale è stato presentato per la prima volta nel 2010, quando è stato eseguito dalla MMG Orchestra. al Pregones Theatre, Bronx, New York.

A Bogotá, Colombia, dal 13 al 16 novembre 2018, presso il Centro Culturale “Gabriel García Márquez”, si è tenuto il concorso del Festival del Sassofono Merenguero Latinoamericano, intitolato a Juan Colón.

Dopo fruttuosi incontri e scambi di messaggi con Phil Woods (Springfield, Massachusetts, USA, 2 novembre 1931-East Stroudsburg, Pennsylvania, USA, 29 settembre 2015), Dexter Gordon (Los Angeles, California , USA, 27 febbraio 1923-Philadelphia, Pennsylvania, USA, 25 aprile 1990), Mario Rivera, Sonny Stick, Chic Corea, Oscar Peterson (Montreal, Canada, 15 agosto 1925- Mississauga, Canada, 23 dicembre 2007), Andrés Segovia (Linares, Spagna, 21 febbraio 1893-Madrid, Spagna, 2 giugno 1987) e, tra gli altri, Michael Brecker (Cheltenham, Pennsylvania, USA). , 29 marzo 1945-New York, NY, USA, 13 gennaio 2007), capì che “non dobbiamo fare confronti; evitare di fare la classica domanda: chi è meglio di chi? Ognuno ha il suo talento, si decida a svilupparlo e non pensare mai a chi c’è dietro o davantia te”.

Rivedendo il curriculum del maestro Juan Colón, dobbiamo concludere che ha un’anima illuminata e che a livello professionale ha dimostrato, esibendosi ai massimi livelli, di essere un musicista straordinario.

Tra le preoccupazioni per la diffusione del coronavirus, c’è stato spazio anche per l’ingegno musicale. Dalla Spagna infatti  Silvana Di Liberto ci annuncia per gli amanti della musica elettronica, il suo primo brano, scritto da lei in inglese, con titolo “earth”, in italiano “Terra”.

Registrato in casa a causa del confinamento, in collaborazione con Csar Work di Bravísima Social Radio e prodotto da Jose Franko Dj.

La canzone è già disponibile su tutte le piattaforme digitali e per chi non fosse registrato in questi siti, si può trovare anche in youtube:

Il tema parla di questo momento che ci accomuna tutti, il nostro nemico numero 1, il coronavirus, dando però un tocco di umorismo e ottimismo.

Non ho il coronavirus, afferma. Ho Raccontato che sono una siciliana, vivo in Spagna e che ho preso il virus ma stò bene e non mi è successo niente di grave.

Tutti adesso parlano della pandemia e così decido di ritirarmi in Riviera per stare sola in lockdown…

Vengono ripetute queste 2 frasi: lascia la musica nella tua vita e dentro di te.

Concludendo che la musica ci salva, ci fa compagnia in questi momenti difficili e di solitudine e ci aiuta anche per un po’ a evadere dalla dura realtà di tutti i giorni.

Scrivere il testo à stato veloce e piacevole e  il  mio timbro è molto cattivo come il virus che gode di quello che sta facendo.

Ho inserito parole in lingua francese, perchè  amo la loro cultura e gastronomia,  italiane per rappresentare il mio paese e, infine, spagnole per il legame forte che mi unisce.

Adesso sto continuando con i due dj spagnoli,  con altre idee di musica chill out, house, con tocchi di funky e invece, per chi ama la musica italiana, insieme al chitarrista  Emanuele Di Bella, sto preparando delle cover, con un’altra prospettiva musicale e canora ma lasciando sempre l’originalitá  di chi ha composto.

Le troverete nella pagina di youtube Silvana Di liberto:

https://www.youtube.com/watch?v=fUO9J1C1o08

Questo il testo della canzone:

Je suis sicilienne and i live in Spain

i’ ve the virus but i feel very ok

very well

very good

in my life… lockdown

no SIENTO nada

no sento niente

i don’t feel anything

all the people in the world talk about pandemic

So i go in Riviera for staying alone

let the music and play rec  es mi voz

leave me only the music dans ta vie

leave only the music inside you

music saves everything

only music can help us

Ci sono artisti che si sono affinati con il passare degli anni e altri che sono semplicemente nati con un dono speciale per la musica. Alcuni hanno mostrato atteggiamenti favorevoli fin dall’infanzia a suonare alcuni strumenti, altri hanno voci prodigiose e ci sono poi anche quelli che hanno una sensibilità speciale per scrivere canzoni; alcuni combinano due o tre delle qualità di cui sopra.

Ha sempre lasciato intendere che il suo mondo sarebbe stato la musica, poiché ancora imberbe, la attitudine per cantare era già evidente e a ciò ha aggiunto la cura della sua immagine, il suo modo di esprimersi, sempre rispettoso, e la sua dedizione nel proporsi agli altri.

Il cantautore Raldy Vásquez è un autentico frutto del quartiere 27 de Febrero di Santo Domingo, Repubblica Dominicana, dove è nato e ha dimostrato le sue qualità artistiche, oscillando tra disegno e canto, prendendosi anche del tempo per praticare arti marziali e nuoto.

“Sono nato nella capitale dominicana, il 1 ° dicembre 1957, e mi chiamo Felipe Vásquez Robles, anche se quando sono diventato cittadino statunitense ho aggiunto Raldy, cioè ho un nome dominicano e un altro nordamericano”, ha detto, cedendo il passo a un’esplosione di risate.

Suo padre si chiamava Felipe Vásquez Peguero, morto il 30 dicembre 2016 ed era originario di Salcedo, e sua madre è María de los Ángeles Robles, originaria della comunità di Bayaguana, un comune nell’odierna provincia di Monte Plata.

“Penso che la mia eredità musicale provenga da mia madre, perché canta molto bene e intonato; inoltre, conoscevo degli zii paterni che facevano parte di un trio, ma non li ho incontrati “, ha detto l’artista, che è il terzo di dieci fratelli, tra i quali ce ne sono due che hanno un buon senso dell’intonazione, Joselito e Miladys, ma che non si dedicano al canto.

“La mia infanzia, come la maggior parte di noi che siamo nati in quel periodo, l’ho vissuta in modo molto sano, attaccata a buoni valori, oltre a ciò, molto vicina all’arte: mi piaceva dipingere cartoni animati e cantare, sognando un giorno di essere una cantante che rappresentasse il nostro paese nel canto, da quando ho deciso di far musica “, ha ricordato.

Raldy era estremamente timido e sebbene gli piacesse cantare, lo faceva dove nessuno lo vedeva; È salito su un albero rigoglioso, per nascondersi, sentirsi libero e da lì cantare canzoni alla moda senza arrossire, soprattutto quelle dei suoi cantanti preferiti.

“Non ho un cantante che considero il mio maestro, ma ammiravo molto Danny Rivera, per la tecnica vocale che esibiva sempre quando cantava, poi seppi che era molto disciplinato e che prendeva sempre lezioni con il maestro Ramón Fonseca (nato a Humacao, Puerto Rico, il 29 agosto 1922), che era quello di molti cantanti portoricani. Allo stesso modo ho sempre ammirato il nostro grande artista Fausto Rey, cantavo tutte le sue canzoni e lo facevo quasi tutti i giorni arrampicandomi su un mandorlo rigoglioso, dove nessuno poteva vedermi, questo mi ha aiutato perché sono timido e non ho il coraggio di cantare apertamente ” ha detto il conosciuto cantautore.

Dopo averlo ascoltato cantare, sull’enorme mandorlo che si trova di fronte alla casa dell’ormai defunta Doña Isabel, sulla tredicesima strada nella sua città natale, la signora Teresita Pichardo, la madre del suo compagno Pedro Reyes, affettuosamente Peter, lo incoraggiò a fare audizioni. Un giorno si fece coraggio e andò a casa di un uomo che, in quello stesso settore, aveva un gruppo musicale (Mieses & Su Combo) per mettersi al lavoro, ma la risposta che gli diedero fu che quel gruppo aveva già il suo cantante. Questo non lo scoraggiò, ma piuttosto lo incoraggiò.

Durante un festival vocale organizzato dalla Hogar Escuela Santo Domingo Savio, dove Raldy ha frequentato il livello intermedio, osò affrontare il pubblico come cantante, oltre a sottoporsi al vaglio di una giuria. In quel concorso ottenne il primo posto, trionfo che accrebbe nell’artista incipiente il desiderio di inseguire la fama cantando.

Nel 1978 entra a far parte dell’orchestra Renovación, il suo debutto professionale, e vi rimase per alcuni mesi. “Quella è stata la prima orchestra a cui ho partecipato, diretta dal mio amico il bassista Héctor de los Santos, soprannominato il Garofano”, ha ribadito.

Il suo lavoro successivo fu con Las Llamas, originariamente Penetración, un’orchestra guidata dal pianista Euclides Polanco, che in seguito divenne noto come Eudy Polanco, dopo essersi stabilito negli Stati Uniti, dove formò un altro gruppo musicale, chiamato Fuerza Secreta. È stato con l’orchestra Las Llamas per pochi mesi e poi, consigliato dal suonatore di conga Canon Vilomar, è passato al Superación, con il quale ha partecipato a un solo ballo. In quei giorni ha provato una volta con Tomás Barrera e La Proclama, ma da lì non è successo nulla.

Nel 1979, dopo la nascita del suo primogenito, fu costretto a gestire risorse attraverso il suo lavoro di cantante e in questo senso iniziò un viaggio attraverso gruppi che si animavano nei locali notturni, come La Nevera e Monalisa, ora scomparsi, e con il combo del defunto bassista Juan Bautista Cabrera, popolarmente Papito Barriga. A proposito, mentre cantava al night club Monalisa, è stato invitato dall’annunciatore vegano Frank Moya, detto Super Frank, all’audizione per un possibile ingresso nell’orchestra di Fernando Villalona, ​​che lo ha sentito cantare “Homenaje a Tatico Henríquez”, virtuoso del fisarmonicista il cui vero nome era Domingo García Henríquez (Nagua, provincia di María Trinidad Sánchez, RD-30 luglio 1943-Santiago, RD, 23 maggio 1976), ma il Mayimbe non disse né sì né no.

Nel 1979 era con Juan Luis e Sus Mulatos, ricordando di aver partecipato solo a una prova e ad un ballo, in uno stabilimento che si trovava sulle rive del fiume Ozama, a Villa Duarte. A proposito, il bassista Juan Luis Pérez Herrera (morto nel dicembre 2009) era figlio del maestro Luis Pérez (San Juan de la Maguana, R.D., 4 dicembre 1932-Santo Domingo, R.D., 13 agosto 2014).

Si è unito a Los Diamantes, un’orchestra con la quale ha registrato e cantato per la prima volta in televisione. Ricorda che nel programma a cui hanno partecipato ha interpretato un son intitolato “Redondo” e che era molto spaventato. Paradossalmente non ha mai cantato in pubblico con questo gruppo musicale, con il quale è rimasto per brevissimo tempo.

“La prima orchestra con cui ho registrato è stata Los Diamantes, guidata dal bassista Gerardo Veras, ed era il merengue“ Vuela, pajarito ”, una canzone dedicata al cantante Nicky Soul, che aveva lasciato questo gruppo in quel momento. Era il 1979.

Il passo successivo lo ha portato a La Gran Orquesta, poi guidata da Carlos Manuel (El Zafiro), che lo ha battezzato Raldy Vásquez. Qui ha iniziato a ricevere la paga come un vero artista, suonando nelle balere e apparendo regolarmente in televisione.

“Fin da bambino sono stato sempre soprannominato Raulín, in riferimento a un personaggio molto irrequieto, ma artisticamente non era conveniente identificarmi così, perché Raulín Rosendo era già conosciuto. Quindi ho preso Raldy come mio nuovo nome “, ha ricordato.

Nel 1981, raccomandato da Radhamés la Güira, si è unito all’orchestra di Raulín Rosendo, che è appariva il lunedì nel tradizionale programma televisivo dominicano El Show del Mediodía. Con il gruppo di Rosendo è rimasto dai due ai tre mesi e ha partecipato a un paio di feste.

Poi è arrivato a Los Hijos del Rey, dove ha incontrato Rubby Pérez e Jacinto Gantier. Lì gli assegnarono le salse che, appunto, Raulín Rosendo aveva registrato. Senza alcuna prova, ha debuttato in El Show del Mediodía e da lì si è recato a Mayagüez, Porto Rico, per seguire subito la rotta per Miami e infine New York. A causa della mancanza di prove, la sua esibizione non è stata quella prevista e quando è tornato a Santo Domingo è stato licenziato. Descrive il tempo trascorso in questa popolare orchestra come la peggiore esperienza della sua vita artistica.

Nel 1982, durante la seconda tappa della Santo Domingo All Stars Band, guidata dal maestro Félix del Rosario (San Francisco de Macorís, provincia di Duarte, RD, 12 luglio 1934-Santo Domingo, RD, 26 ottobre 2012) , con Nicky Soul come cantante, si è unito a questa orchestra, partecipando a varie attività svolte in club privati ​​e apparendo in alcuni programmi televisivi.

“I miei studi formali hanno raggiunto quello che sappiamo nella Repubblica Dominicana essere il liceo e volevo fare l’architetto, che era un altro dei miei sogni, ma sono iniziati i viaggi con le orchestre e sono stato costretto a ritirarmi dall’università, quindi non sono mai riuscito nemmeno a iniziare la mia carriera, fino a quando nel 1983, durante un viaggio a Porto Rico con l’orchestra di Santo Domingo All Stars, sono rimasto a vivere lì “, ha detto.

Quando ha deciso di stabilirsi a Borinquen, ha ottenuto quasi subito un posto nel gruppo di Domingo Peguero, artisticamente chiamato Oro Negro, con il quale ha registrato il merengue “No me hace falta tu queres”. Ha lavorato con questo pianista e compositore dominicano per circa un anno.

Curiosamente, in quei giorni stava per entrare in un’orchestra, insieme a Nicky Soul e Sergio Vargas; quest’ultimo stava per stabilirsi a La Isla del Encanto, ma fu dissuaso dal suo successivo manager Cholo Brenes, il cui nome era Rafael Andrés Brenes Guridi (Santo Domingo, RD, 16 ottobre 1942- Santo Domingo, RD, 3 luglio 2017) e il progetto è stato troncato.

Nel 1984 è con Porfirio Morel e la sua orchestra. Questo è stato un altro passo fugace, poiché ha partecipato solo a circa tre spettacoli. Junior Reynoso ha cantato con questo gruppo, che si chiamava Kike e il cui vero nome era Luciano Enrique Reynoso Ramírez (Santo Domingo, RD, 13 dicembre 1954-San Juan, Porto Rico, 18 luglio 1995), fratello di Ileana Reynoso , anche una cantante di talento e popolare.

Il batterista Nelson Brigy Ruiz Méndez lo ha consigliato a Tempo Dominicano, un’orchestra che poi suonava regolarmente all’hotel Condado Plaza. Qui è arrivato il tanto atteso successo, grazie ai merenghe “Chulería”, di sua composizione, e “Confusión”, di cui condivide la paternità con Kío Jiménez, direttore del suddetto gruppo.

Con Tempo Dominicano ha registrato diversi album di lunga durata, incluso un album di Natale. Nella produzione merenguera intitolata “Chulísima”, lanciata nel 1985, Raldy canta le sue composizioni “Chulería”, “Confusión” (coautore), “Inspiración de amor”, “El Gancio” e “Quiero ser”, oltre a mettere il suo timbro interpretativo in “Dormir cansado” e “Mañana no”. Nel 1986 uscì l’album, fedele anche al merengue, “Tempo Dominicano”, che contiene “Lo qu etengo es tuyo”, “Detenerla ya”, “Diversión”, “Abandono”, “Cada cosa en su lugar”, “Amanece” , “La vecina” e “Me gustas tanto”, questi ultimi due composti da Vásquez.

L’album “Tempo Dominicano en Navidad” è stato pubblicato nel 1987, e qui Raldy ha contribuito con la sua voce in “A las arandelas”, del maestro Julio Alberto Hernández (Santiago, RD, 27 settembre 1900-Santo Domingo, RD, 02 Aprile 1999), e nel potpourri “Tun Tun”, dove vengono ricreati “Cascabel”, “Alegre vengo”, “La rosa blanca”, “De la montagna venimos” e “La parranda del sopon”. Alla fine del 1987 e dopo essersi esibito a Miami, in Florida, rimase disgustato da quella che considerava disorganizzazione e si dimise da questa orchestra.

“In un’occasione ho partecipato come rinforzo dell’orchestra La Brigada, guidata dal sassofonista Eude Félix, creatore di molti dei primi successi di La Patrulla 15, ma ho registrato solo il bolero” Soñaré ” ed è apparso sulla copertina dell’album, anche se non sono andato alle feste con loro ”, ha spiegato.

La sua carriera di cantante solista inizia nel 1987, debuttando nella sala Villa Real, di proprietà del Sig. Luis Morales, locale dove sfilano le più famose orchestre di merengue.

“Ho registrato due produzioni con la mia orchestra, ma non ho mai avuto il sostegno di una casa discografica, quindi non ho avuto molto successo, ma sono stato altamente assunto e considerato tra i preferiti”, ha lamentato.

Questo artista cavalleresco ha iniziato a registrare come solista le produzioni “Avanti”, sostenuta da Cava Records, 1991, e “Comercial, per Sierra Records, quest’ultima società di proprietà dell’ex giocatore di baseball e poi cantante Rubén Sierra.

In “Avanti”, che era un soprannome che gli veniva applicato per il suo modo elegante di vestire, includeva i merenghe “Te he prometido”, di Leo Dan, “La cuica”, “Tocame”, “Esa es tuya”, “Esa mujer “,” Al encontrarte a ti “,” Superate “e” Mi amigo Papo “, oltre al bolero” Contigo “, la maggior parte delle quali sono sue composizioni.

Nell’album “Comercial”, che ha registrato per Sierra Records, nel 1993, interpreta la ballata “Sé que te perdí” e i merenghe “Rompiendo barreras,” La fiesta “,” Se acabó “,” Nena linda “,” Una noche más”,” El precio de mi error “e” tengo un problema “, essendo tutte opere di sua paternità.

Nel 1991, anno in cui ha studiato disegno architettonico al Liceo del Arte della capitale portoricana, ha registrato, per la compagnia Paradisc, la produzione “Raldy Vásquez”, che comprendeva i merengue “¿Qué es lo que te pasa?”, di sua paternità. , “La rubia” (Confesor Rosario), “Atiende lo tuyo” e “Compay Bembé” (Polo Tovar), “Volvió my chula” e “Ganas, ganas” (Rento Arias) e “Discoteca y calle” (Mario Díaz) , oltre alla bachata “La corono” (Manuel Jiménez). L’album era a capo del produttore dominicano Frank Torres, morto diversi decenni fa, e degli arrangiamenti musicali di Manuel Tejada, Ramón Orlando, Sonny Ovalle, Juan Valdez, Joan Minaya e Jaime Querol.

Allo stesso modo, con l’album “Enamorado”, ha trasformato in bachata molte delle sue composizioni di maggior successo, tra cui “Como duele”, “Aún pienso en ti” e gli inediti “Háblale” e “Donde estarás?” un lavoro che ha avuto diffusione relativa, ma non è stato mai completamente lanciato sul mercato.

Nel 1994 ha prodotto l’album “Sígueme” per la cantante portoricana Yvonne Quiñones, fornendo la sua ispirazione con i merenghe “La fiesta”, “Loca por tu amor”, “Dime si me quieres”, “Lo voy a conquistar”, “Busco un lugar” e quello che da il titolo alla produzione. L’anno successivo ne ha prodotto un altro, intitolato “El poder de las mujeres”, che è una composizione di Raldy qui inclusa, così come “Falsas promesas” e “No creo en ti”. Entrambi gli album hanno gonfiato il catalogo della società Musical Production.

Con il nuovo secolo, come produttore esecutivo e manager, ha fondato l’etichetta Viorly Music e ha creato il gruppo Magia, un’orchestra merenguera per la quale ha prodotto un album completo, che includeva alcune sue composizioni, come “Tu Boca “,” Se acabó “,”Quiere mambo “,” Hace falta tiempo “,” Es muy tarde “,” Frente al amor “,” Buscala “,” Niña bonita “(co-autore con sua figlia Linette) e quella che dà nome a questa formazione musicale.

Nel 2009 è tornato negli studi di registrazione e ha regalato al pubblico una produzione di salsa, sponsorizzata dalla dominicana Mónica Gutiérrez e intitolata “Diferente”, in cui si distinguono le canzoni “Atrévete”, “Ven” e “Rompiendo corazones”. Le composizioni di Raldy erano abbastanza diffuse, soprattutto in Colombia.

“Sembra incredibile, ma nonostante tanto lavoro e popolarità non ho viaggiato molto: con Los Hijos del Rey sono andato a Puerto Rico, Miami e New York, con la Santo Domingo All Stars ho visitato quegli stessi posti e con Tempo Dominicano sono stato a Boston, Venezuela e Panama ”, ha commentato.

“I miei studi musicali sono molto elementari: ho imparato la chitarra da solo e ho fatto alcuni mesi di pianoforte, con due insegnanti, ma per un tempo molto breve; poi ho iniziato a praticarlo da solo e ho avuto modo di conoscerlo un po’ di più. Questi sono gli strumenti che posso suonare, anche se non sono accademico e non sono molto abile in essi. Ho studiato musica, ma anche solo per due o tre mesi ”, ha affermato con estrema umiltà.

Negli anni ’90 le sue composizioni iniziano a ingrossare i repertori di vari artisti, a cominciare da Olga Tañón, per la quale ha contribuito con i merenghe “Muchacho malo”, “Me cambio por ella”, “Quiero estar contigo”, “Piel a piel”, “Prisionera”, “Ahora soy mala”, “Una noche más”, “¡Qué grande es este amor!”, “Despierta, corazón”, “Aún pienso en ti” e “No intentes volver”.

Ha continuato con Jerry Rivera, per il quale ha composto “A ti, mi nena” e “Día y noche pienso en ella”.

La prolifica produzione di canzoni di Raldy ha contribuito a far sì che le sue opere siano richieste anche dai merengueros Elvis Crespo Elvis (“Luna llena”, “Me mata”, “Te vas” e “Por qué”), Manny Manuel (“Cómo duele” e “Distanciados” e “Amigos”, questa ultima a duo con Celinés), Giselle (“Me pasa lo mismo”), Los Rosario & Los Toros Band (“Pacto de amigos”), La Gran Manzana (“Mi lamento” e “Aunque me critiquen”), Grupo Wao (“El negrito chévere”, “Ese soy yo” e “Discúlpame”), Sergio Hernández (“Mujer trigueña”, “Con todo y defectos” y “La merenguera”), José Medina (“Mi forma de amar” e “Cosas que pasan”), Zafra Negra (“Busco una nena”, “Mi medicina”, “Te necesito” e “Ladrona de amor”), Ravel (“Estar enamorado”), Grupo Manía (“La voy a conquistar” e “Princesita”) Melina León (·Por un muchacho malo”), Jacinto Gantier (“Ahora me dejas” e “Busco un amor”), Edwin Rivera (“Me dicen que”, “Volver a comenzar” e “Quema, quema”), e, tra gli altri , Fuera de Liga (“Buscando tu amor”, “Me dicen que”, “A mí no me quiere” e “Vuelve conmigo).

Pure hanno richiesto composizioni di Raldy i salseros Domingo Quiñones (“No voy a dejarte ir”, Si tu te vas”, “Supérate” e “Falta de valor”), Lalo Rodríguez (“Lo voy a lograr”), José Alberto (“Hace falta tiempo), Tito Nieves (“Mi primer amor”, “Voy hacerte feliz” e “Enséñame”), Ismael Miranda (“Tu nuevo amor”), Puerto Rican Power (“Emergencia de amor”), Frankie Ruiz (“Soledad”), Jerry Galante (“Si estoy aquí”), Carlito & Grupo Macambila (“No me puedo enamorar de ti”, “Bella señora”, “Olvídala”, “Llévate mi corazón”, “Ojos que no ven” e “Ahora te toca a ti”), Rubén Sierra (“Esa eres tú”, “Mi fanática mayor”, “Hablemos de amor” e “Quisiera”), Wichy Camacho (“Un nuevo día”, a duo con Olga Tañón), Deddy Romero (“Me voy de rumba”), Giro (“Muy especial”), Charlie Cruz (“Acepto mi error”)…

“Di queste le più conosciute sono: “Luna llena”, resa popolare da Elvis Crespo, “Muchacho malo”, “Me cambio por ella” e “Una noche más”, da Olga Tañón, “A ti, mi nena” e “Día y noche pienso en ella”, da Jerry Rivera, “Cómo duele”, “Distanciados” e “Amigos”, da Manny Manuel, “No voy a dejarte ir” e “Si tú te vas”, da Domingo Quiñones, e altre”, ha dichiarato il fecondo cantautore.

Merengues con testi e musica dei suoi, come “Muchacho malo”, “Ahora soy mala”, “Despierta corazón” e “Que grande es este amor!”, con la voce di Olga Tañón e inclusi negli album vincitori del Latin Grammy Award, e “Luna llena”, “Te vas” e “¿Por qué?”, contenuti nella produzione “Suavemente”, di Elvis Crespo e in cui Raldy ha preso parte ai cori, hanno avuto ampia diffusione internazionale.

“Come corista ho partecipato alle produzioni di Elvis Crespo, Tempo Dominicano, Yvonne Quiñones, La Gran Manzana, Zafra Negra e Edwin Rivera, tra gli altri”, ha rivelato.

Per la sua salsa di successo “A ti mi nena”, interpretata da Jerry Rivera, la società Sony Music gli ha regalato un doppio disco di platino, sulla base delle vendite astronomiche raggiunte dall’album chiamato “Cuenta conmigo”, del 1992. Allo stesso modo, Rivera ha registrato “Día y nochepienso en ella”, che è stata nominata tra le salse dell’anno ai premi Lo Nuestro.

L’ente americano di gestione collettiva American Society of Authors, Composers and Publishers (ASCAP) gli ha assegnato premi per i suoi merenghe “Luna llena”, reso popolare da Elvis Crespo, “Como duele”, che Manny Manuel ha reso un successo, e “Me pasa lo mismo ”, interpretato da Giselle, premio che ha ricevuto anche per la sua salsa“ No voy a dejarte ir ”, successo con la voce di Domingo Quiñones. Quest’ultimo è stato anche nominato tra le salsa dell’anno agli allora premi Casandra, oggi Soberano. Allo stesso modo, per la sua carriera musicale di successo, ha ricevuto il riconoscimento dalla Società generale degli autori, compositori ed editori di musica dominicani (SGACEDOM).

Raldy, tornato in patria nel 2002, ha registrato la sua composizione “Distanciados” al ritmo di bachata, in duetto con Indhira Martínez, figlia della popolare cantante Vickiana, brano con arrangiamento musicale del maestro Robinson Hernández.

Ha confessato che la sua conversione al Vangelo è avvenuta nel 2011 e che ha fondato una chiesa che ha pastorato in compagnia dell’allora sua moglie, congregazione dalla quale è partito dopo la separazione per dedicarsi al suo ministero di adoratore.

Nel 2014 ha registrato la produzione musicale “Nada mejor que ser cristiano”, che oltre a questa canzone contiene “Eso solo lo hace Dios”, “Haz un milagro hoy”, “Ven”, “Mi eterno gobernador”, “Un siervo de mi Señor”, “Escucha nuestro clamor”, “Cuando tú aceptas a Cristo”, “Estás a tiempo”, “Un cambio de vida” y “Cristo viene pronto”, “Viene a buscar su iglesia”, “Mi vida es toda tuya”, “Eso solo lo hace Dios”, “A darte gracias” e “Nuestro gran encuentro”.

“Come molti di voi sanno, sono cristiano da diversi anni e i miei progetti ruotano attorno alla mia nuova vita. Ho una prima produzione intitolata ” Nada mejor que ser cristiano “, e ho già molte canzoni per il prossimo album. Voglio anche fare una produzione romantica che anche i cristiani possano consumare “, ha detto il pluripremiato artista, padre di quattro figlie, un dominicano, Orlyn (nato nel 1979) e tre portoricani: Viviana (1985), Linette (1988) e Yanary ( 1995).

Tanti sacrifici e alcune delusioni sembrano essersi combinati per dirgli che ne è valsa la pena e che oggi può sorridere a pieno diritto e disegnare conti in azzurro come segni distintivi dei traguardi raggiunti e dei traguardi accumulati grazie al suo talento artistico.

“Tra le mie grandi soddisfazioni nell’arte ci sono l’amore e l’affetto che ho ricevuto, sia in patria che a Porto Rico e in altri paesi dove è arrivato il mio talento, sia come cantante che come compositore, il riconoscimento di grandi artisti che ho anche ammirato, alcuni da quando non stavo ancora iniziando a fare musica; i riconoscimenti e premi come il Grammy, Lo Nuestro, ASCAP, Tu Música e l’ex Casandra. Allo stesso modo, essere in grado di fare ciò che mi appassiona ed è anche l’unico lavoro che abbia mai avuto nella mia vita, motivo per cui dico sempre che sono in debito con Dio per quel privilegio ”, ha riflettuto.

Tuttavia, affinché tutto quanto sopra si realizzasse, ha dovuto sopportare una tempesta di situazioni difficili.

“Come tutti gli esseri umani, ho avuto bei momenti e altri non molto buoni; tra questi ultimi, posso dirvi che in un’occasione sono andato a cantare a una festa patronale con Los Hijos del Rey e mi sono innervosito talmente che ho cominciato a tremare e la mia voce non è venuta fuori, per fortuna Rubby Pérez conosceva la canzone e l’ha eseguita, ed è stata la mia prima presentazione con loro e non avevo mai provato prima; a quel tempo era un gruppo disorganizzato e a questo aggiungo che c’erano migliaia di persone ad assistere ed ero molto giovane e timido, questo mi è costato che Cholo mi abbassasse lo stipendio e poi ho lasciato il gruppo “, ha ricordato tristemente.

In totale sintonia con la sua visione spirituale della vita e con tutti i tasselli della sua formazione integrale messi al posto giusto, l’artista ci offre una bella riflessione per concludere la nostra intervista.

“Voglio approfittare di questo spazio con lo scopo di ringraziarvi per avermi preso in considerazione per questa intervista e, inoltre, dire alle persone che Dio ha il controllo di tutto, che aprano i loro cuori a Lui e a suo figlio Gesù Cristo, solo in Lui siamo sicuri e fiduciosi. Non è lo stesso avere problemi da soli che averli con il sostegno di un padre, e Dio è il Padre per eccellenza, Dio vi benedica ”.

La vita musicale di Raldy Vásquez è stata distribuita tra la Repubblica Dominicana, la terra in cui è nato, e Porto Rico, dove non solo i portoricani gli hanno aperto le porte all’anima per valorizzare il suo talento, ma lì il cantautore dominicano ha messo radici e ha lasciato il suo cuore per dire sempre grazie a La Isla del Encanto, che lo ha accolto come uno dei suoi figli.

Il Festival di Napoli dal 2015 si svolge regolarmente ogni anno al teatro storico cittadino per antonomasia dei festival: Il Politeama a cui fa concorrenza soltanto il Mediterraneo.

Esiste  da  ben  5  anni  ed  è  autorevolmente  Patrocinato  Moralmente  dal  Comune  di  Napoli  e  dalla  Regione Campania

Il  festival  nasce  dalle  ceneri  di  quello  mitico  della  RAI  che  dagli  anni  ’50  (1952)  fino  agli  anni  ’70  (1971)  spopolò  dapprima nei bassi poi nella medio borghesia e infine diventò, un appuntamento habitué dei salotti persino dell’alta, ma ormai  decadente  aristocrazia!  La sua  capacità  di  unire  un  popolo  così  socialmente  diverso  da  un  quartiere  all’altro  persino nel linguaggio, lo rese un vero e proprio collante di culture sia pur diverse, ma con punte di creatività comuni, fattori fondamentali a salvaguardia e valorizzazione del patrimonio culturale e artistico, utili all’innalzamento del livello formativo  dei  cittadini  del  popolo  e  all’abbassamento  di  quello  prosopopeico  degli  “intellettuali”  e  aristocratici  del  tempo. Un giorno di festa, di pace e di livello culturale uguale per tutti.

Affermano gli organizzatori: “La linea artistica scelta dal festival è da sempre fautrice contro i razzismi musicali, ed è per questo che comprende un po’ tutti i generi, evidenziando lo stato attuale in cui versa la canzone napoletana, con i suoi pro e contro, privilegiando però principalmente quelli basati sulla creatività, sulla ricerca musicale  che  non  contempli  cambiamenti  sostanziali,  contaminazioni  fuorvianti  e  deviazioni  scellerate…  ma  altresì,  promuova    quelli  che  cercano  di  partire  dall’origine  musicale  nel  rispetto  della  tradizione, quella che rese famosa la canzone di Partenope in tutto il mondo perché custode di  tutti  i  suoi  elementi  più  solari  e  arcani  per  trasferirli  all’interno  della  nuova  prospettiva  musicale che questo festival si onora di incoraggiare,  rendendola riconoscibile come succede per il Flamenco, la musica brasiliana, quella francese e anglosassone”.

Questo nuovo e rinverdito festival è diretto e ideato da Massimo Abbate (figlio di Mario, cesellatore della  canzone  napoletana  e  primo  interprete  di  celeberrime  canzoni  di  successo  mondiale  quali:  Malafemmina,  Anema  e  core,  Luna  Caprese,  Indifferentemente  e  non  ultima  Core  napulitanoche vinse il festival del 1965).

Massimo  attento  appassionato  di  canzoni  napoletane,  ha  studiato  pianoforte  al  Conservatorio  S.  Pietro  A  Maiella  ed  è  un  affermato  attore  di  teatro  di  cinema,  televisione.  In  qualità  d’interprete  canoro, è stato tra i protagonisti del festival di Sanremo del 1979.

Il programma prevede che, nel  corso  della  prima  serata, il prossimo 28 di dicembre,  si  esibiranno  i  10  artisti della  New  Generation  2020.

Nella seconda serata  si  esibiranno  gli artisti della sezione Lirica.

Nella terza serata saliranno sul palco del Festival artisti nazionali ed internazionali che proporranno musica partenopea, del bacino del Mediterraneo e lirica. Quindi l’esibizione degli artisti in gara cui seguirá la premiazione.

“Io, Pinocchio” è il titolo del nuovo brano di Clearco & Piciocchi, autori italiani residenti da molti anni in Repubblica Dominicana, interpretato dall’artista pisano Valerio Simonelli.

La canzone è piaciuta al maestro Armando Corsi, che l’ha voluta inserire nell’ultimo album in uscita il 10 dicembre, “Una Canzone con il Maestro”, compilation di brani selezionati di diverso genere musicale con arrangiamenti virtuosi, dove il maestro Corsi dà prova del suo estro esaltando i brani con dei virtuosismi di chitarra davvero accurati.

Un testo molto particolare quello di “Io, Pinocchio”, dove il famoso personaggio di Collodi viene visto come metafora dell’artista, dall’esistenza unica, fuori dai conformismi e dalle regole imposte, con il peso della lontananza dalla “normalità”.

“Credo che su Pinocchio, simbolo del bugiardo per antonomasia, ci sia un equivoco – dice Clearco, autore del testo – Sono sempre stato convinto che Collodi volesse dire il contrario con la metafora del naso che cresce, ossia che a Pinocchio, la piccola bugia tipica dei fanciulli, la si potesse facilmente leggere in faccia! Ma Pinocchio è tutt’altro che un bugiardo, al contrario un personaggio di cuore, istintivo, simbolo dell’essere unico, irripetibile, fantasioso, com’erano i ragazzi prima del processo di uniformazione scolastica obbligatoria”.

“Questa canzone è nata sotto un’aurea magica – dice Valerio Piciocchi, autore della melodia – in principio scartata e poi ripescata, ha trovato in Valerio Simonelli l’interprete perfetto. E il giorno dopo che l’abbiamo finita di scrivere, siamo stati invitati a presentare il brano ad Armando Corsi, che l’ha selezionata per il suo album!”.

L’interprete Valerio Simonelli, artista, cantautore, musicista e arrangiatore pisano, insegnante di musica e performer da anni su numerosi palchi con varie formazioni, ha sentito immediatamente l’anima e lo spirito del brano, come un abito su misura, e l’ha interpretato con forte carica emotiva.

La parte tecnica di registrazione, mix e mastering è stata curata dal produttore musicale Nicola Ursino, mentre la distribuzione nei principali digital stores è a carico della M&N Vox di Marco Di Maio.

Nel naturale processo di cambio generazionale avviene una necessaria rivoluzione che trasforma ogni ambito della società in cui operiamo. Come risultato di questo stesso rinnovamento, stanno emergendo figure destinate a diventare i nuovi leader a cui devono passare il testimone quelli già tradizionali o affermati da tempo.

Nella musica dominicana abbiamo a che fare con artisti che sono emersi con notevole consenso popolare, grazie al fatto che hanno come bandiera il rispetto per quello che fanno e la qualità della loro arte. Uno di questi talenti esplosi con forza devastante risponde al nome di Cristian Alexis, cantante, compositore e leader del gruppo musicale-vocale Urbanova.

Nato a Santo Domingo, capitale della Repubblica Dominicana, il 6 agosto 1980, Cristian Alexis Rosario Brea è figlio di Simeón Rosario, originario di Bayaguana, comune dell’odierna provincia di Monte Plata, e che per due decenni è stato impiegato dell’allora Corporación Dominicana de Electricidad (CDE), oggi Corporation of State Electric Companies (CDEEE), e la signora della capitale Lucía Ángela Brea, casalinga.

Cristian Alexis, terzo di cinque fratelli e l’unico tra loro che si è dedicato alla musica, ripercorre la sua infanzia e l’adolescenza con la soddisfazione di chi ha ricevuto un’ottima formazione casalinga e anche una fortunata alimentazione musicale, sebbene il suo approccio alla musica ne abbia probabilmente tracciato la sua strada attraverso la tradizione corale del cattolicesimo.

“La mia infanzia è stata come quella di qualsiasi bambino, giocando con gli amici e studiando. A casa mia, come tutti i dominicani, ci portiamo dentro la musica e la godiamo tutta e di ogni genere che conosciamo, ma la cosa più importante che ho visto è stata mia madre che cantava nel coro della chiesa, e lo fa ancora e anch’io l’ho fatto per lungo tempo ”, ha sintetizzato, mentre nei suoi occhi si riflettevano nostalgia e gratitudine.

A proposito, quella fase della sua vita e parte della sua età adulta fu trascorsa nell’urbanizzazione di El Brisal, oggi appartenente al comune di Santo Domingo Este, un settore in cui aveva come vicini di casa personaggi noti del campo musicale e dei media.

“Ho sempre ascoltato musica, ma c’era qualcosa di interessante ed è che nel mio ambiente vivevano il maestro Ramón Orlando, il trombettista Kilvio Fernández (Villa Vásquez, Montecristi, Repubblica Dominicana, 1944-Santo Domingo, RD, settembre 2014), il trombonista e bassista Roberto Olea, Sandy, del popolare duo Sandy & Papo (quest’ultimo di nome Luis Deschamps e morto in un incidente stradale l’11 luglio 1999), tra gli altri. Ero molto emozionato quando osservavo le persone che vedevo in televisione camminare intorno a me, oltre al fatto che mia madre aveva amici musicisti come il cantante Danilo Mejía; attirò la mia attenzione anche la musica di un fenomeno popolare che stava iniziando a formarsi: rap e reggae in spagnolo, il cui principale esponente era Vico-C. Un giorno, ho visto l’orchestra della Los Toros Band e Héctor Acosta ha interpretato un pot-pourri di boleri che includeva “Mejor es morir, morir”, mi sono innamorato di quella canzone e un giorno, mentre la cantavo (a nove anni e nella stessa tonalità de Héctor), mia zia Sofía mi ha detto: “Cristian, ma canti benissimo”, e lì per me tutto è cambiato; ho iniziato a far parte di gruppi della chiesa e lì stavo facendo l’esperienza di cantare in pubblico ”, ha ricordato.

Questo talentuoso e gentile cantautore confessa con pura onestà di avere uno specchio in cui guardarsi artisticamente, senza pregiudicare il proprio stile.

“Ovviamente, come cantante e compositore, la mia più forte influenza sono Ricardo Montaner e Boyz II Men, ma sono stato influenzato anche da Anthony Ríos, Víctor Víctor e Fernando Echavarría, tra gli altri”, ha detto.

Cristian Alexis, che nel 1994 scrisse “Mi Inspiración”, una ballata dal contenuto cristiano che fu il suo battesimo come compositore e dopo la quale la sua ispirazione è rimasta in costante ebollizione, facilitando che lo incisero per la prima volta e che il suo le opere iniziarono ad essere desiderate da altri artisti.

“La prima canzone che hanno inciso delle mie si chiamava” Detector de mentiras”, nel 2011, di Ariel So Diffent, un artista che stava conducendo un progetto che si è sciolto, con la produzione di due giovani i cui nomi mi sfuggono” , ha riferito.

La qualità delle sue canzoni non è un caso fortuito, ma il risultato di una vasta formazione che lo ha portato agli studi superiori, oltre a professare un’insondabile devozione alla lettura.

“Ho avuto una borsa di studio alla scuola psicopedagogica Juan Pablo II a Santo Domingo, dove ho fatto i miei studi di istruzione iniziale e primaria, poi ho avuto una serie di esperienze quando sono andato al liceo Ramón Emilio Jiménez, nel settore di Los Mina, dove ho vissuto indimenticabile momenti. Nel 2001 ho iniziato a studiare per laurearmi in Marketing, però non avevo abbastanza concentrazione; poi, nel 2008, ho iniziato a studiare Relazioni Internazionali e ho interrotto nel bel mezzo della mia carriera con un ottimo indice accademico perché non ne ero appassionato e non volevo sprecare il mio tempo “, ha spiegato.

È ovvio che il suo talento artistico è innato, sebbene abbia diligentemente acquisito conoscenze attraverso lo studio della musica e del canto e la pratica strumentale.

“Nel 2004 mia madre mi ha regalato una chitarra, ma non ho mai studiato, fino a quando nel 2006 ho preso dei corsi, poi tutto è stato da autodidatta. Nel 2018 ho ricevuto lezioni di pianoforte con l’insegnante venezuelano José Andrés, interrotte dal mio primo tour negli Stati Uniti “, ha dichiarato Cristian Alexis, che nel 2004 ha preso lezioni di canto da Franklin Gerónimo e le ha riprese nel 2018 con l’insegnante venezuelano Lucymar Melendez.

Una cosa che molti ignorano, e che è paradossale, anche se non incomprensibile, è che questo cantautore, capace di scrivere bei testi e con una voce dolce e intonata, ha mosso i suoi primi passi nella cosiddetta “musica urbana”. Fortunatamente, ha reindirizzato il suo talento verso generi musicali in cui dispiega il suo potenziale e in cui può avventurarsi perché ha le condizioni per questo e altro.

“Ho formato un gruppo di musica urbana nel 1996, si chiamava Funky Black ed è durato circa un anno”, ha detto.

Passarono diversi anni in cui non svolse molta attività musicale, sebbene continuasse a scrivere canzoni e ad alimentarsi con tutta la musica di valore con cui aveva contatti diretti o indiretti.

“Nel 2004 ho formato un gruppo con tre amici che non erano cantanti e il produttore Norberto Pimentel, il popolare Zero, ha visto il mio talento come cantante e compositore e mi ha offerto di arrangiare, produrre e registrare la mia prima canzone, una bachata chiamata“ Vino y olvidó “. Stavo attraversando un momento in cui lui poteva vedere più di quanto io vedessi e lo ringrazio per questo ”, ha detto con parole condite di tristezza.

In quell’anno ha fatto sporadiche apparizioni nell’orchestra del cantante Luiggy Hernández e poco dopo in quella del pianista Leo Suverbí.

Era il 2011 e come una sorta di valvola di sfogo o diversivo faceva parte di un gruppo musicale, nell’ambito della compagnia in cui lavorava all’epoca, piuttosto per ambientare i momenti speciali, ma pian piano si rese conto che le sue canzoni e le sue la voce entusiasmava chi ascoltava. Quella fu la motivazione principale per salire alcuni gradini di quell’esperimento e così nacque il gruppo Urbanova.

“Dopo aver partecipato al gruppo“ Latidos de Emily ”e vedendo che le mie canzoni e la mia voce impattavano il pubblico, ho deciso di creare un mio progetto; ho il supporto del mio direttore musicale, bassista e compagno Aníbal Coronado, al quale propongo di combinare la bachata con la bossa nova e creare un concetto basato su quella fusione. Grazie al supporto del nostro primo manager, Antonio Saladín, abbiamo registrato il primo album (“Reciclando Palabras”), prodotto da Bolívar Gómez; siamo saliti sul palco nel luglio 2012 e abbiamo lanciato la produzione nel 2015, all’Hard Rock Café di Santo Domingo ”, ha detto.

Lo staff che ha reso possibile la registrazione di “Reciclando Palabras”, le cui sessioni di studio si sono protratte dal 2012 al 2015, include il bassista Aníbal Coronado, il chitarrista César Recio, il pianista Juan Carlos Santana, il flautista León Guzmán e i percussionisti Otoniel Nicolás e Sly de Moya (batteristi) Charlie Lora (bongo), Duany Núñez e Joel Ramírez.

Quando lo consulti sul motivo per cui il suo gruppo musicale si chiama Urbanova, gli elementi che questo irrequieto artista ha combinato per sbarcare in un porto sicuro con un nome attraente e nuovo sono piuttosto interessanti.

“Ho cercato la definizione della parola ‘urbano’ nel dizionario Larousse e parla di qualcosa che viene dalla città, ma anche di qualcosa di ben fatto e di buone maniere. Questo ha attirato la mia attenzione, perché ha definito il concetto che avevo in mente; quindi ho cercato l’origine di “bossa nova” e ho visto che “bossa” deriva da “bosse”, che significa germoglio o protuberanza, e “nova”, nuovo; ho unito le due parole e ho formato questa che vuol dire che siamo uno scoppio d’arte che viene dalla città “, ha detto Cristian Alexis, che insieme al suo gruppo musicale ha suonato in diversi concerti al Teatro Nazionale.

Urbanova ha contato nel suo staff con strumentisti di vasta esperienza e nelle sue registrazioni compare il sigillo di qualità di rispettati produttori musicali, arrangiatori e ingegneri del suono, come Pengbian Sang, Allan Leschhorn, Deivi Bass e Pedro Valdez. Inoltre, questo fiorente gruppo ha condiviso un palco con Fernando Echavarría (Santo Domingo, RD, 4 agosto 1953-Santo Domingo, RD, 10 ottobre 2015) e Víctor Víctor (Santiago, RD, 11 dicembre 1948-Santo Domingo, RD, 16 luglio 2020) e allo stesso modo con Víctor Manuelle, Chino & Nacho, Cultura Profética …

Nel 2015 Cristian Alexis, accompagnato da Urbanova, ha eseguito un impressionante duetto con il suo amico Wason Brazobán, con la sua canzone “¿Pa’ que? ”, che ebbe una profusa trasmissione alla radio e alla televisione.

“Nel 2018 siamo arrivati ​​negli Stati Uniti e ci siamo messi in contatto con il pubblico che ci aspettava. Allo stesso modo, siamo stati riconosciuti dal Commissario per la Cultura di New York, che ha apprezzato i nostri umili contributi alla musica ”, ha commentato.

Sempre calmo, con un’anima gioviale e un sorriso disinvolto, senza pretese e abbordabile, coerente con le sue origini e la sua formazione familiare, Cristian Alexis aggiunge premi alla sua giovane carriera musicale, senza clamore, ma dimostrando di essere un artista completo che lavora aggrappandosi all’impegno di migliorare e mantenere la qualità della propria proposta.

“Nel 2019 abbiamo lanciato la nostra seconda produzione musicale, intitolata“ Tren 4 ”, un album che ci ha aperto le porte alla parte anglosassone di New York, dove abbiamo fatto un tour di successo, presentandoci in due luoghi emblematici dell’arte di tutto il mondo: Joe’s Pub e DROM, oltre a importanti festival come il New York City Multicultural Festival, a spettacoli a Washington DC, New Jersey, Miami e diverse città del Massachusetts ”, ha detto con un sorriso di soddisfazione.

L’album “Tren 4”, ha significato sei mesi di lavoro negli studi di registrazione, tra il 2018 e il 2019, e in questa produzione Pedro Valdez (trombone, tromba, sassofono, basso e tastiere), Aníbal Coronado (basso) hanno contribuito con il loro talento. ), con David Holguín, Plinio de la Cruz e Rafael Ramírez (chitarra), Jochy Melo (chitarra e quattro), Leo Pimentel (bandoneon), Benjamín Mercedes (piano), Deivi Bass (tastiera), Rey Morel (sassofono), Miguel López (corno), Marisol Luna e Efraín Lara (violino), Javier Salas (viola), José Bonillo (violoncello), Isaac Salas (contrabbasso), Otoniel Nicolás (batteria) e Argenis Genao, Joel Guzmán e Israel Simonó (percussioni).

“Sono il cantante e cantautore della band, ma ad Urbanova siamo una squadra che lavora insieme giorno dopo giorno per raggiungere scopi che ci portano all’obiettivo che ci siamo prefissati, che è portare un messaggio positivo, di pace e pieno di buona energia a chi ci segue “, ha detto.

Oltre a “Detector de Mentiras”, quel suo primo lavoro registrato qualche anno fa, le canzoni di Cristian Alexis fanno parte del repertorio di altri artisti che le hanno fatte proprie e tra questi troviamo “Te quiero ver”, di Adiel Torres) , “Me gustas también” (La Pandilla RD), “E Dios está mi fe” (Vanessa & Siri) e il meringue “Que trato” (Ricky G).

Una delle cose più belle che si raccolgono nella musica sono le tante soddisfazioni che producono ai loro protagonisti nei diversi ambienti in cui si sviluppano lavorando. Sebbene sia sempre stato detto che “gli applausi sono il cibo dell’artista”, ci sono manifestazioni che li superano.

“In una delle nostre presentazioni al festival anglosassone Make Music, ci siamo esibiti a Far Rockaway, dove la stragrande maggioranza degli spettatori parlava inglese, non capivano nulla di quello che stavamo dicendo, ma hanno sentito e goduto l’energia che trasmettiamo. Quando abbiamo finito di suonare, mentre stavamo raccogliendo gli strumenti, una donna si è avvicinata, ci ha salutato, si è congratulata con noi, ci ha ringraziato e ci ha detto che suo marito, che l’accompagnava in quel momento, è malato di cancro e che il miglior rimedio che aveva ricevuto nel suo processo terapeutico era stata la nostra musica; molte persone ci dicono che la nostra musica dà loro pace e buona energia e penso che questa sia la nostra più grande soddisfazione ”, ha detto, con grande emozione.

La sua vertiginosa carriera non è stata priva di insidie, ma ciò non gli ha impedito di proseguire, con la sicurezza data dal connubio di talento, qualità, onestà e tenacia, lungo la strada che i vincitori percorrono.

“Ho ricevuto molte persone a cui affidiamo la nostra musica e loro la rifiutano; ci hanno fatti scendere dal palco; ci hanno lasciati in attesa e ci hanno imbrogliato con i soldi, tra le altre cose; ma le ho sempre viste come esperienze, che a breve o lungo termine ci aiutano a crescere e, grazie a Dio, questo per me ha funzionato”, ha assicurato.

Sposato dal 2010 con la signora Mirna de la Rosa, è il padre di Ónix, (nato nel 2003), Dylan (2011) e Thiago (2018); che hanno un talento per il canto e la composizione. A questo proposito, il loro orgoglioso padre dice: “Li ho sentiti creare canzoni, tutti e tre. Hanno anche la vena artistica di mia moglie, che canta molto bene. Quindi, se decidono, sarò lì per sostenerli “.

Considerando che tutto si è complicato nel corso del 2020 e che in molti hanno rallentato il ritmo di lavoro, senza poter attuare in pubblico a causa all’assalto della pandemia, Cristian Alexis mantiene oliate le macchine di Urbanova, programmando di raggiungere nuovi traguardi.

“In questo momento ho tanti progetti: questo è stato un anno incredibile per me nonostante la situazione; stiamo promuovendo il nostro singolo più recente, intitolato “Definitivamente”, e contemporaneamente un “medley” che chiamiamo “Merengue”, che consiste in cinque dei nostri classici merengue, in omaggio al nostro ritmo nazionale ”, ha sottolineato.

Ha anticipato che poiché ha trascorso molto tempo senza scrivere nuove canzoni e che un problema tecnico gli ha fatto perdere un gran numero delle sue composizioni, si è proposto di comporre un brano per ogni giorno di novembre, un compito che ha completato con successo e il prossimo passo sarà definire i concetti per produrli musicalmente.

“Ho anche in programma di entrare in studio per registrare la canzone con cui inizieremo il 2021 e stiamo lavorando a nuovi concerti; ne abbiamo già fatto uno di successo in modo virtuale da Andrew Freedman Home, a New York, e speriamo di realizzarne altri, sia virtuali che faccia a faccia”, ha promesso.

Continuare ad aggiungere meriti ed espandere i mercati di lavoro per posizionare le loro canzoni a un livello più alto così come il nome del loro gruppo musicale, non sminuisce le qualità positive dell’essere umano che Cristian Alexis sempre è stato e nel suo messaggio finale, per concludere la nostra intervista, mostra di assumere un impegno sociale e che si preoccupa di stare vicino al suo pubblico.

“Ringrazio Dio per il talento che mi ha dato e per aver incontrato persone meravigliose lungo la strada, persone che mi hanno sostenuto e seguito il mio lavoro. Dico a tutti che con fede, lavoro e disciplina possono portare avanti ciò di cui sono appassionati, se lo fanno con il cuore, cercando di portare pace agli altri. Infine, consiglio loro di seguirci sui social network come @urbanovamusic ”, ha precisato.

In monolitica complicità con i suoi compagni di Urbanova, Cristian Alexis si muove tra il merengue, il bolero, la ballata, la bachata, il fusón e altri generi musicali, ma sempre cercando di farlo in una sola direzione: quella che onora il suo impegno con la qualità .

Un grazie per le moltissime persone che hanno seguito e seguono questo format che ha lo scopo di divulgare l’opera lirica con un linguaggio semplice e diretto alla portata di tutti. In questa puntata i due super ospiti il Prof. Valerio Lopane, musicologo, ed il Dott. Alessandro Mormile, illustre critico musicale, Vi parleranno dell’opera pucciniana Madama Butterfly. Non perdete l’occasione per accrescere la Vostra cultura e trascorrere del tempo in spensieratezza. Non mancano i collegamenti con l’attualità. Buona visione!

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La Repubblica Dominicana è il luogo di nascita di grandi bassisti, come Barco Viejo, Carlos Lalane, Ray Martínez, Enrique Bretón, Cuso Cuevas, Joe Nicolás, Jaime Querol, Johnny Tulanga, Rubén Toribio e Isaías Leclerc, solo per citarne alcuni, e di grandi trombonisti, come Joan Minaya, Marcos Valoy, Monchy Fernández, José Flete e, tra gli altri, il compianto San Luis Domínguez, Leopoldo Pineda “Palma Sola” (Barahona, Repubblica Dominicana, 8 maggio 1939-New York, Stati Uniti, 27 giugno 2019) e Germán Vásquez (morto il 27 luglio 2020), ma quando cerchiamo tra coloro che si sono distinti per il predominio di entrambi gli strumenti i musicisti non sembrano abbondare. E lì troviamo un nome: José Roberto Olea.

“Sono nato a Santo Domingo, la capitale dominicana, venerdì 14 novembre 1947. Mia madre si chiamava Carmen Amancia Olea ed era un’umile domestica, nativa di San Pedro de Macorís. Il nome di mio padre era José Reyes (niente a che fare con l’autore del nostro inno nazionale) ed era originario di La Romana. Come ho saputo da mia madre, lui era un falegname ”, ha dichiarato il maestro Olea.

Non può specificare quanti sono i suoi fratelli, perché dopo la rottura del rapporto tra i suoi genitori, ha perso di vista suo padre.

“Secondo mia madre, mio ​​padre era piuttosto prolifico in termini di relazioni amorose e immagino che ci debbano essere molti fratelli là fuori che non conosco. Tuttavia, ricordo solo mia madre e l’amore che ha profuso su di me e mia sorella. Sono il più giovane dei due e l’unico musicista della famiglia ”, ha commentato.

Con parole facili e modi affabili, questo artista qualificato ricorda con piacere la sua infanzia e adolescenza, accreditando a Doña Carmen di aver seminato in lui quell’inquietudine che lo ha portato verso i sentieri della musica.

“La mia infanzia è trascorsa nella carenza di cose materiali come ci si poteva aspettare da mia madre che era single. Ma eravamo sempre felici, grazie al buon senso e all’umorismo della mamma. La mia vena musicale è la sua eredità, perché, a quanto ricordo, cantava le melodie dell’epoca ed era molto intonata. La mia adolescenza è stata frenetica come quella di chiunque abbia appena iniziato a scoprire cose quando si manca di tutto “, ha considerato.

Ha sempre ricevuto il sostegno determinato della madre, che lo ha incoraggiato e ha fatto di tutto per garantirgli una buona educazione completa e, allo stesso tempo, tracciare la strada verso l’apprendimento musicale.

“Negli anni 1958-1959, mia madre ottenne il mio internamento nel riformatorio di San Cristóbal, dove veniva data istruzione gratuita. Era un’istituzione gestita da preti cattolici, dai quali ho acquisito la mia inclinazione cristiana. Ho partecipato al coro della chiesa, ogni domenica, e talvolta ho agito come un accolito. Dal lunedì al venerdì, ogni mattina ricevevamo l’istruzione primaria e, nel pomeriggio, frequentavamo laboratori professionali. In uno di quei seminari, ho scoperto la musica e ne sono rimasto affascinato “, ha detto.

Da quando ha iniziato a studiare, Olea ha seguito i suoi corsi formali e musicali con grande entusiasmo, ma un evento imprevisto ha cambiato l’intero panorama.

“I miei studi formali stavano andando bene in quella scuola, e i musicali molto meglio! Ma accadde che, il giorno dopo la morte di Rafael Leónidas Trujillo (San Cristóbal, RD, 24 ottobre 1891-Santo Domingo, RD, 30 maggio 1961), mia madre apparve lì molto preoccupata e chiese al sacerdote principale il mio ritiro immediato dalla scuola, prefigurando che sarebbe accaduto qualcosa di terribile. Da allora ho conosciuto la chitarra e con essa la vita bohémien ”, ha ricordato.

Nonostante la pausa forzata che quella situazione gli impose, non è stata affatto un ostacolo e Roberto Olea ha continuato la sua marcia con gli occhi fissi sulla realizzazione del suo sogno.

“La mia conoscenza musicale stava migliorando perché ho continuato a frequentare una delle accademie di estensione del Conservatorio Nazionale di Musica, per praticare il bombardino (che, tra l’altro, è stato il mio primo strumento) e ho continuato i miei studi formali nelle scuole pubbliche del paese. Poi, al secondo anno di liceo, ho avuto l’opportunità – dato che ero uno studente eccezionale – di entrare nella banda musicale del degno Corpo dei Vigili del Fuoco di Santo Domingo, dove ho perfezionato il mio orecchio musicale e ho acquisito una grande esperienza suonando versioni dei grandi maestri. La chitarra è sempre stata il mio strumento preferito, non solo perché mi piaceva, ma perché era economicamente più facile da ottenere. Successivamente, nella stessa banda dei vigili del fuoco, ho iniziato a suonare il trombone che è entrato a far parte degli strumenti che conosco, insieme al basso ”, racconta.

Narrò che in gioventù il menù musicale che assaggiava costituiva un miscuglio che riassumeva una notevole varietà di generi e artisti di diverse nazionalità

“Penso che sia stata la più grande influenza che ho avuto. Però ammetto di aver sempre amato il jazz, genere che si caratterizza per una certa libertà che concede all’esecutore di improvvisare melodie, data una sequenza di accordi”, ha espresso.

Nella sua qualità di strumentista, Olea riconosce la fonte in cui ha bevuto, lo specchio in cui si è osservato come musicista professionista.

“Il prodotto finale, in qualsiasi ramo della conoscenza, è il risultato di molte influenze, insegnamenti e persone, ma non voglio non menzionare Niño Peña e San Luis Domínguez”, ha spiegato.

Correva il decennio degli anni ’60 del secolo scorso quando Roberto Olea ebbe la sua prima partecipazione a un gruppo di quelli che si contendevano il primato nel gusto popolare: entrò a far parte dell’orchestra del maestro Antonio Morel (Moca, RD, 20 dicembre 1920 -Santo Domingo, RD, 13 maggio 2006), come trombonista.

“Erano i miei inizi professionali con il trombone, ma, come nel folklore, a volte l’uno o l’altro musicista si ubriacava nel quartiere e non arrivava in tempo, cosa che accadde una sera con il bassista ufficiale dell’orchestra. Dato che ero giovane e inquieto con quello strumento e seguendo i suggerimenti di alcuni colleghi, il Maestro Morel ha convenuto che avrei dovuto fare tutto il possibile per salvare la serata, poiché non c’era tempo per cercare un sostituto. Da quella notte in poi, ho agito come bassista a tempo pieno per l’orchestra. Sebbene continuassi a suonare il trombone nella banda dei vigili del fuoco, per strada facevo il bassista. L’insegnante era così entusiasta che mi ha persino permesso di portare lo strumento per esercitarmi a casa “, ha ricordato.

In quegli anni organizza il quartetto “Los Profesionales”, composto dal bassista Enrique Bretón, dal chitarrista Freddy López, dal batterista Josesito Féliz e da Olea al trombone a bacchette.

“Eravamo adolescenti e suonavamo musica del momento, come: Herb Alpert & Tijuana brass, Sérgio Mendes & Brasil ’66 e The Beatles, senza dimenticare il nostro merengue”, ha ricordato.

Dopo quei primi passi, quello che seguì fu l’inizio del suo pellegrinaggio negli studi di registrazione.

“La prima volta che ho registrato, l’ho fatto allo studio Fabiola, nella Feria. Erano i primi anni 70. Non so dire con certezza per chi, ricordo solo che in quella registrazione c’era il trombettista Fermín Cruz (Tenares, provincia di Salcedo, oggi Hermanas Mirabal, RD, 29 novembre 1955-Santo Domingo , RD, 4 marzo 2017), quindi immagino che fosse un merengue ”, ha spiegato.

I bravi musicisti sono sempre ricercati dai gruppi più prestigiosi e per vestire gli accompagnamenti dei cantanti con la maggiore incidenza popolare, e la qualità di questo rispettato trombonista e bassista risponde a questa premessa.

“Il 20 gennaio 1975, mi sono unito all’orchestra di Rafael Solano come bassista a tempo pieno nella nuova versione del programma” La hora del moro “. Ho fatto parte di questo gruppo fino al 1979, anno in cui sono stato in Italia, dove ho lavorato con Marcelino e la sua Orquesta Siciliana, che suonava al club “El Dóndolo” e io sono rimasto lì per due anni come trombonista.

Nella foto: Olea (a destra) bassista e cantante con il maestro Rafael.Solano (a sinistra) e Armando Beltré (al centro).

Sono tornato nel mio paese nel 1981 e mi sono unito all’orchestra Jorge Taveras nei programmi: “Nosotros a las ocho” e “De noche”, di Yaqui Nuñez del Risco (Santiago, RD, 4 maggio 1939-Santo Domingo, RD , 8 settembre 2014) e Freddy Beras Goico (El Seibo, RD, 21 novembre 1940-New York, Stati Uniti, 18 novembre 2010), e poi “Punto Final”, di quest’ultimo “, ha detto, aggiungendo che, pur senza poter garantire l’ordine cronologico, ha fatto parte dei gruppi musicali del pianista cubano Agustín Mercier, Aníbal de Peña e Francis Santana (Santo Domingo, RD, 20 giugno 1929-Santo Domingo, RD, 11 gennaio 2014) tra gli altri, oltre ad aver suonato saltuariamente con il gruppo Maniel, Alex Matos, Michel el Buenón …

La lista degli artisti che il maestro Olea ha accompagnato musicalmente è piuttosto lunga, ma evidenziamo il messicano José José (Azcapotzalco, Città del Messico, 17 febbraio 1948-Homestead, Florida; USA, 28 settembre 2019 ), il brasiliano Nelson Ned (Ubá, Minas Gerais, Brasile, 2 marzo 1947- Cotia, San Paolo, Brasile, 5 gennaio 2014), lo spagnolo Raphael, i portoricani Sophy, Yolandita Monge e Danny Rivera e il cubano Willy Chirino, così come i dominicani Luchy Vicioso (Santo Domingo, RD, 19 febbraio 1950-Santo Domingo, RD, 18 febbraio 2019), Lope Balaguer (Santiago, RD, 22 agosto 1925-Santo Domingo, RD, 29 gennaio 2015), Anthony Ríos (Sabana de la Mar then El Seibo; -now Hato Mayor-, 17 luglio 1950-Santo Domingo, 4 marzo 2019), Maridalia Hernández, Fausto Rey, Niní Cáffaro , Fernando Casado, Rhina Ramírez …

Da quando è emerso sulla scena musicale con la sua sorprendente abilità musicale, è stato riconosciuto per le sue qualità di bassista, ma poi si è concentrato quasi esclusivamente sul trombone, una transizione che ha sorpreso molti, poiché Olea era un basso al livello più alto.

“Dopo l’opportunità che mi ha dato il maestro Morel, il mio interesse per questo strumento è cresciuto e mi sono dedicato a studiarlo con coraggio. In effetti, le mie prime registrazioni sono state come bassista fino a quando nel 1979 mi sono stabilito in Italia, dove c’erano bassisti che suonavano tanto o più di me e poi ho dovuto tenere il trombone per sopravvivere. Due o tre anni dopo, quando sono tornato a Santo Domingo, c’è stato molto sviluppo nelle questioni musicali, molti giovani bassisti hanno riempito il mercato e ho continuato con il mio trombone fino ad oggi”, ha affermato.

Come bassista e trombonista ha registrato un numero considerevole di produzioni musicali. Avremmo bisogno di molto spazio per citare tutti quei lavori, ma ci concentreremo su alcuni di essi per edificare i lettori.

Con l’orchestra del maestro Rafael Solano ha registrato il basso in “Pensandolo bien”, testi di Yaqui Núñez del Risco e musiche di Solano, “Dominicanita”, una canzone di Solano, in cui Roberto Olea ha cantato con il prestigioso pianista e compositore di Puerto Plata e il trombettista Armando Beltré. Inoltre, nella produzione intitolata “Esta es mi orquesta” (1975), ha cantato la prima della fusione “Total y Usted”, condividendo la celebrità con Vinicio Franco, che ha eseguito la seconda di entrambe le canzoni; in quella stessa opera musicale ha cantato “Cosas del alma”, brano inserito nel “Set de boleros”, a cui partecipano il maestro Solano, Beltré e Franco. Ha anche registrato come bassista in “Qué tontería”, “Ponte Claro, Tribilín” e “Palo con pena”, tra le altre canzoni.

Con Juan Luis Guerra & 4-40 ha registrato il trombone in “La bilirrubina”, “Visa para un Sueño”, “Como abeja al panal”, “A pedir su mano”, “El costo de la vida”, “Rosalía”, “De tu boca”, ” Reyna Mia”, “La gallera”, “Woman del Callao” …

Ha anche registrato come trombonista per Johnny Ventura nei merengues “A cual piso”, “El lunar”, “Olvida tus penas”, “El projimo” e “Que pena”.

Ha partecipato a varie registrazioni che hanno avuto come arrangiatori i maestri Manuel Tejada e Sonny Ovalle.

Il talento di questo cavalleresco musicista è stato apprezzato in varie parti del mondo dove si è esibito, come membro dell’orchestra del maestro Rafael Solano, dove ha avuto l’opportunità di viaggiare a New York, Aruba e in Spagna, con Juan Luis Guerra. & 4-40, con il quale si è esibito in Porto Rico, Venezuela, Colombia, Cile, Miami, Los Angeles, Messico, alcune isole delle Piccole Antille …

Logicamente, tante piattaforme, tanti studi di registrazione, tanti paesi visitati e tanta presenza nei maggiori scenari di musica popolare generano una miriade di esperienze favorevoli e a questo proposito il maestro Roberto Olea esprime con emozione ciò che le strade della sua anima custodiscono.

“La soddisfazione più grande che ho ricevuto nella mia vita è stata quella di aver partecipato come bassista (la prima volta) e come trombonista (la seconda) alla Orchestra Sinfonica Nazionale, anche se in ogni caso solo come sostituto. La prima volta l’ho fatto sostituendo il Maestro Cintron mentre adempiva ad alcuni impegni presi a Curaçao. La seconda volta ho partecipato a un concerto di Natale che la Sinfonica ha eseguito nella Cattedrale “Primada de América”, mentre il trombonista ufficiale era in vacanza. Ho sempre voluto essere un membro della Orchestra Sinfonica Nazionale”, ha raccontato con un certo peso di tristezza, perché questo desiderio, nonostante la sua grande qualità professionale, non è stato realizzato.

Ovviamente, non tutto è roseo o una favola; nella musica, come in ogni altra attività umana, si nascondono cose che ci provocano tristezza o dolore, ma che Olea affronta con la maturità che permettono di avere i molti calendari staccati dai muri della vita.

“Molte delle cose che di solito chiamiamo delusioni, nell’ambiente artistico, non sono altro che un prodotto della frivolezza, ma, se ce ne fossero state, preferisco non ricordarle”, ha riflettuto.

Contrariamente alla sua comprovata capacità di interprete e ai tanti studi che lo hanno portato addirittura ad insegnare al Conservatorio Nazionale di Musica, è sorprendente che non abbia provato a cimentarsi come arrangiatore.

“Non ho fatto arrangiamenti musicali per nessun cantante, ma piuttosto, l’una o l’altra trascrizione per mia figlia Robmariel Olea, negli spettacoli che ha realizzato a Miami, così come alcuni che ho fatto per il coro della chiesa nella mia comunità. a Santo Domingo Este ”, ha sottolineato.

Quello che ha fatto è scrivere canzoni, cosa che ci si poteva aspettare da una persona con una formazione musicale così vasta, con un bagaglio di conoscenze costantemente in ebollizione, con un’anima così perfezionista e con una visione così profonda della società.

“Anche se nessuno ha registrato le mie canzoni fino ad oggi, ho una produzione orchestrata e registrata presso l Ufficio Nazionale del Diritto d’Autore di Santo Domingo”, ha detto.

Quando si riferisce alla sua esperienza di insegnante di musica, inevitabilmente la nostalgia lo avvolge, la tristezza lo imprigiona nel suo mondo, ma alla fine riesce a scappare attraverso le parole.

“Ricordo solo che quattro anni prima che Hipólito Mejía vincesse le elezioni per il mandato presidenziale 2000-2004, ero insegnante di basso alla Scuola di Musica Popolare del Conservatorio Nazionale. Da quel momento in poi sono stato escluso ”, si lamenta.

Olea è stata anche una fervente amante del jazz, un aspetto musicale che sembra vivere nelle vene dei bravi musicisti.

“L’esperienza più piacevole che ho ancora di quel genere è la mia partecipazione a quello che è stato chiamato l’Heineken Jazz Festival, dove ho avuto l’opportunità di incontrare musicisti della statura dei trombettisti Jon Faddis e Dizzy Gillespie (Cheraw, South Carolina ; Stati Uniti, 21 ottobre 1917-Englewood, New Jersey; 6 gennaio 1993). Questo festival è stato diretto dal maestro Jorge Taveras ”, ha ricordato.

Per circa tre anni si stabilisce a Miami, una città americana dove le sue doti di bassista e trombonista lo tengono impegnato, come se fosse lo stesso bambino che Dona Carmen ha portato nel campus della scuola di San Cristobal.

“Mi dedico semplicemente allo studio dei miei strumenti a cui devo molto e, tra l’altro, rivedo le mie conoscenze musicali e armoniche perché non si sa mai”, ha detto con un certo malizia.

Nel maggio 1975 si è sposato (matrimonio ratificato nel luglio 1981, in una cerimonia religiosa tenutasi ad Alessandria, Italia) con la signora María Elena Vásquez Hernández, con la quale ha procreato Robmariel (1976), Ariel (1978) e Diana (1982).

“Di tutti, solo Robmariel ha mostrato inclinazioni artistiche, eccellendo professionalmente nello spettacolo teatrale, cantando e dirigendo programmi televisivi, sia nel nostro Paese che a New York e Miami”, ha espresso, con l’entusiasmo di un orgoglioso padre .

Ha concluso il nostro intervento con un messaggio che lo ritrae come una persona coerente, grata e sicura del talento che possiede.

“Se dovessi rinascere di nuovo e dipendesse da me, sarei di nuovo un musicista. La musica mi ha dato tutto in cambio di pochissimo “, ha detto.

Sia suonando lo strumento a fiato o suonando quello a corde, il maestro Roberto Olea è un musicista di grande qualità, il cui talento artistico si è sviluppato, con analoga destrezza, tra i dolci suoni del trombone e le potenti note del basso.